Cangaço novo - Mariana Bardan e Eduardo Melo

    Criação da dupla Mariana Bardan e Eduardo Melo, a série Cangaço novo mostra a potência possível para se revisitar um cenário e um tema bastante conhecidos da cultura brasileira e ainda assim trazer jovialidade, força e originalidade.

    Cangaço novo pode ser vista tanto como herdeira do cinema novo, quanto de obras mais recentes como Cidade de Deus - inclusive surgiu dentro da mesma produtora, a O2, de Fernando Meirelles.

    

No elenco - um dos pontos altos da série - temos também desde estrelas longamente conhecidas como Marcélia Cartaxo, eternizada por sua atuação em A hora da Estrela de Suzana Amaral, passando por destaques da retomada do cinema brasileiro como Hermila Guedes, que se destacou ao protagonizar O céu de Suely, de Karim Ainouz; até chegar nos arrebatadores atores da nova geração encabeçados por Alice Carvalho e Allan Souza Lima, isso sem contar em um excelente time de coadjuvantes.

    

    Num ambiente do Nordeste marcado pela pobreza e desigualdade, a violência se torna a arma tanto para os opressores, como para os oprimidos que se rebelam. Mas a maestria do roteiro está em trazer dramas pessoais para encaminhar a trama.

    

Começa com a chegada de Ubaldo, que deixa sua vida no sudeste para ter notícias da família de origem, lá se aproxima dos seus parentes de sobrenome Vaqueiros e com eles se junta para conseguir dinheiro. Nessas tentativas começam então cenas de ação eletrizantemente realizadas. 

   

Em paralelo, vemos as relações pessoais se adensarem: a família se reaproximar, casais se formarem, se separarem e segredos serem revelados.

    

    A trama também vai apresentando traços políticos: não é apenas um grupo de cangaceiros/bandidos aleatórios, mas há princípios de reparação social contra políticos controladores da região, inclusive com cargos de prefeitura e senado e com ambições para explorar a região sem pensar no equilíbrio do meio ambiente.

   

Entretanto, em nome de assaltos cada vez mais sofisticados e cinematográficos, os propósitos se perdem, um tanto como acontece na vida real, mas outro tanto deixando a série até inverossímil. Acaba se assemelhando um pouco a experiências como a série espanhola A casa de papel ou mesmo Onze homens e um segredo, em que o destaque é o crime e, com isso, perde sua densidade narrativa, em que o mérito era alinhavar tão bem diferentes frentes temáticas (abordagem política, social, afetiva...).

    E, na segunda temporada, do resvalo na incoerência acaba se chegando na perda de ética das personagens, os ataques e matanças ficam tão indiscriminados que os protagonistas que nos cativaram se tornam personagens insensíveis que não se comovem com mortes. Podemos seguir empatizados e aliados a eles pela história pregressa e por sua força e carisma, mas se questionarmos seus atos e motivações há passagens que se fragilizam.

    Cangaço novo segue sendo talentosa e vigorosa, mas com pontos duvidosos, o princípio do Cangaço, um projeto Robin Hood que poderia nos aproximar ainda mais da trama; ou também a existência de vilões mais humanizados, que mantivessem seu egoísmo, mas pudessem pensar em sua família, em algum amor ao próximo, ainda que limitado e mesquinho, trariam mais ambivalência e densidade à série. 

    Veremos o que a próxima temporada, já vislumbrada no final da segunda, pode reservar à trama e quem sabe trabalhar justamente com essas fragilidades...

Morro dos ventos uivantes (Wuthering Heights) - Emerald Fennell

    Emerald Fennell traz uma nova adaptação do romance de Emily Brontë O morro dos ventos uivantes. 

    Com personagens densas e repletas de ambivalências, tanto para os padrões da época, entre o que se esperava de "bons" e "boas" moças no século XIX e seus verdadeiros desejos, quanto sentimentos universais que o sujeito tem que se haver em distintos tempos e espaços: ódio aos pais que coexistem com o amor; amores fraternos que resvalam em amores românticos; admirações que flertam com invejas; cuidados que se tornam castrações; castrações que são necessárias para o amadurecimento e castrações que são inibidoras para a vida; planejamentos racionais para o futuro que se opõem aos sentimentos...

    Todas essas questões são a base da trama do Morro dos ventos uivantes, que fala do acolhimento da família Earnshaw ao jovem acunhado por Heathcliff. O garoto da mesma idade da filha do senhor da casa, Cathy, cresce com ela como uma irmã. Para ela ele também é uma importante companhia, já que Cathy é órfã de mãe e seu pai é viciado em álcool e jogos e tem comportamento abusivo e violento. 

    A irmandade entre Cathy e Heathcliff surge como um oasis para ambos, mas o sentimento entre eles muitas vezes ameaça transbordar.

    É aí que o lado controlador de Cathy aparece: ela subjuga o rapaz e tenta subjugar as próprias emoções, ambicionando um futuro para si mais promissor. Ela planeja se casar com um homem rico para garantir uma vida de segurança e conforto.

    O conflito entre esse plano racional e suas verdadeiras emoções é tema visto em muitas obras e já tem certo desgaste, mas é uma realidade tão comum e impositiva que segue com apelo, seguimos vendo adaptações de obras como Madame Bovary e Primo Basílio ou exemplos mais recentes como Longe deste insensato mundo, filmado por Thomas Vinterberg - e comentado aqui e Adoráveis mulheres, que após adaptação dos 90, ganhou versão recente de Greta Gerwig com certo frescor na direção.   

    Já Fennel não traz atualização ao romance de Brontë e tampouco explora bem toda a profundidade do conflito, desenha cada personagem quase que em caricaturas e explora uma atuação simplista. O casal vivido por Margot Robbie e Jacob Elordi tem carisma e sex appeal mas não densidade e ambiguidade.

    Parecemos estar diante de uma novela e com uma protagonista cujo lado egoísta se sobrepõe, assim fica difícil nos aproximarmos e envolvermos com ela, assistimos à trama com certa distância e ao invés de arrebatamentos fica mais fácil virem incômodos.

    Filme bem feito, bonito, mas raso, uma pena, pois ainda há muito espaço para atualizações de clássicos, vide Hamnet, exemplo recente comentado aqui.

Treta (Beef) - Lee Sung Jin

     A minissérie Treta, do coreano Lee Sung Jin, após o grande sucesso da primeira temporada de 2023, ganhou em 2026 uma 2a temporada.     

   

 Na primeira temporada acompanhamos duas pessoas que se envolvem em um acidente de trânsito e passam a se seguir para se vingar. É um encontro improvável entre um cara falido que vive de bicos e de tentativas para não afundar e uma empresária bem sucedida, mas frustrada em sua vida pessoal.

    As cenas se apresentam de maneira excêntrica, pendendo para o cômico, numa linguagem própria do universo coreano. Entretanto para quem enfrenta essa apresentação mais caricatural, vai se desvendando o lado profundo e humano das personagens e esse encontro termina de maneira tocante.

   

    Na segunda temporada o caminho é quase inverso. Começa com personagens mais humanizadas, mas que sucumbem a um ambiente muito peculiar, cheio de excentricidades que pouco a pouco nos afasta da trama e suas possibilidades de adensamento.

    

Partimos de um universo excêntrico de uma elite muito rica que frequenta um clube de golfe - bastante semelhante ao ambiente da série White Lotus. Os protagonistas apresentados são um casal de gerentes de meia idade que interage com muita naturalidade com os sócios do clube, e um jovem casal de funcionários, intimidados e subservientes tanto em relação aos sócios quanto em relação aos gerentes.

    Porém ao testemunharem uma briga do casal de gerentes, o jovem casal vai se reposicionando no espaço do clube, começam a chantageá-los e pensar novas possibilidades para suas vidas.  

    Assim vão sendo apresentados seus sonhos, desejos e desafios, de maneira íntima e cativante. 

    Só que o desenrolar da série traz uma trama policialesca, com um confuso e grandioso golpe e cenas mirabolantes. Tudo vai ficando muito excêntrico, as personagens agem em função das pirotecnias golpísticas, se distanciando da humanidade e verossimilhança. 

    O jovem casal, por exemplo, que vivia um início de casamentos cheio de sonhos de estabilidade e filhos tem a garota virando uma ambiciosa escaladora social e seu companheiro se distanciando dela, mas num posicionamento ingênuo e pouco interativo.

    Há humor, há drama, há suspense, mas tudo de maneira um tanto pastichizada. 

    Se relaciona com as narrativas coreanas recentes e populares como Parasita, de Bong Joon-ho ou mesmo Tudo em todo lugar, tudo ao mesmo tempo, de Daniel Kwan e Daniel Scheinert, mas não faz um desfecho tão envolvente e bem amarrado. 

   

Treta vai episódio a episódio ficando um pouco menos interessante. 

    Mas, ainda assim, se colocando acima da média das séries e valendo uma conferida.

Michael - Antoine Fuqua

    Cinebiografias viraram uma espécie de novo gênero audiovisual. O desejo de transcender o contato com ídolos sempre existiu, as obras que marcam nos fazem ir atrás das outras obras de um artista, nos fazem pensarmos suas inspirações e aspirações, nos fazem querer apreender mais daquele talento, ter ainda mais contato com ele... 

    Portanto ler biografias, assistir cinebiografias, tudo alimenta os fãs...

    Mas o que parece mais interessante nesse movimento é conhecer o lado menos conhecido dos artistas... Por exemplo saber dos dramas familiares de Ray Charles, os relacionamentos conturbados e ativismos de Nina Simone, os excessos de Elvis Presley ou Amy Winehouse, a singularidade de Fred Mercury ou Elton John, as dores de Elis Regina, o contexto social e político em que viveu Gal Costa, a pluralidade e potência de Cazuza, Raul Seixas ou Ney Matogrosso etc etc etc - muitos destes exemplos comentados e linkáveis aqui no blog...

    Retratar, portanto, um dos maiores ícones pop de todos os tempos é muito promissor.

    A história de um garoto que antes dos 10 anos já era tido como um gênio do canto e da dança, que viveu todas as conquistas possíveis na indústria fonográfica,  que esteve quase toda sua vida em público e que, além disso, tem passagens conturbadas e dramáticas com a família de origem e também na busca de constituição de sua própria família... Um homem que taambém carregou em si imensos desafios por sua raça e sexualidade, que viveu dores que o fizeram combater isso e ao mesmo tempo acabar em vícios por decorrência (sua morte foi decorrência de uma alta dose de sedativos)...

    Um vasto material de riqueza e densidade gigante. Gigante como seu nome e seu brilho, porém o filme Michael foi tímido e optou por apenas mostrar o tamanho do astro e não as vulnerabilidades do homem.

    Como não há tramas sem conflitos ou heróis sem superações, então o filme faz uma opção covarde de eleger o pai de Michael como um grande vilão e Michael sendo desafiado apenas por ele. Os outros obstáculos colocados não abalam Michael e ele sempre sabe se colocar e superá-los - como a inserção que faz da música negra na MTV, por exemplo.

    Já aa personalidade complexa e com as várias questões psíquicas importantes são apresentadas como reações à vilania do pai e expresssa em curiosidades excêntricas, por exemplo suas "amizades" com animais de estimação nada convencionais.

    Resulta em um filme chapa branca e morno, que pode empolgar os fãs pela reconstituição artística, com as cenas de criações, canto e dança muito bem realizadas, mas sem nada mais a acrescentar.

    Um projeto familiar, protagonizado inclusive pelo sobrinho de Michael, Jaafar Jackson, muito bem no papel já que é excelente dançarino, tem semelhanças físicas aprimoradas pela inteligência artificial, por exemplo nas mudanças de cirurgias plásticas ou no auxílio para as vozes dos cantos. Por outro lado na interpretação talvez haja um excesso que parece feminilidade, onde em Michael parecia mais fragilidade e delicadeza.

    Entretanto justamente por esse ambiente familiar talvez não tenham optado abordar questões mais íntimas ou expor demais as controversias. 

    Uma pena, pois trazer as ambiguidades e contradições enriqueceria muito: apresentar os contras seria reforçar e humanizar os prós, seria tridimensionalizar o ídolo e deixá-lo ainda maior. O filme faz com que ele permanece do tamanho que já conhecemos por seus discos e clipes...

Rede tóxica (American Sweatshop) - Uta Briesewitz

    Conhecida por sua direção em séries como Westworld, Stranger things, Severance - já comentada aqui, Uta Briesewitz apresenta também o seu trabalho em longas-metragens com Rede tóxica.

    A premissa muito atual, importante e interessante do compartilhamento de conteúdos nas redes é apresentada a partir de uma agência reguladora de conteúdos e seus funcionários. Quem conduz a trama é a protagonista Daisy, vivida pela talentosa e carismática Lili Heinhart, de Hal & Harper - também comentado aqui.

    A equipe da agência vai entrando em contato com cenas de violência e sexo e se afetando com aquilo: de vômitos a desmaios, surtos a depressões, todos vão adoecendo psiquicamente.

    Ali é um recorte extremo, mas não deixa de ser um espelho da sociedade, uma metonímia do que se pode ter navegando pela internet, em especial adolescentes e jovens.

   

    Rede tóxica então é um filme necessário, porém ao colocar como trama central a relação de Daisy com uma cena específica de sexo violento e sua obsessão com essa cena limita a questão. Limita porque não desenvolve o que poderia ser a motivação de sua obsessão, nem as consequências. Tampouco aborda o porquê da realização ou sucesso dessas cenas. O filme se restringe à tentativa de Daisy encontrar o executor da cena, como num filme de suspense e perseguição.    

    Uta Briesewitz poderia desenvolver e transbordar mais, mas só de trazer a questão já é um grande feito.

Papagaios - Douglas Soares

    Primeiro longa do roteirista e diretor Douglas Soares, Papagaios tem argumento original e construção de clima envolventes.

    O filme se desenvolve a partir da personagem Tunico, vivida por Gero Camilo, que faz a vida em busca de cinco segundos de fama. Ele está sempre atrás de reportagens, literalmente, tentando aparecer no fundo das cenas, em especial funerais, daí o título, referência a "papagaios de pirata".

    Tunico é uma figura magnética, entre o repulsivo e o excêntrico, que atrai a atenção do jovem Borges, vivido por Roney Villela, e assim se aproximam. Borges se torna uma espécie de pupilo de Tunico, em uma relação estranha: não sabemos se há admiração, inveja, desejo, raiva... Tudo de maneira misturada, em nuances e ao mesmo tempo muita intensidade.

    O que talvez falte é um ritmo e ações que nos leve a uma aproximação gradual, que possam manter o suspense, mas ajudem a construir essas psiques doentias, como informações que dessem mais pistas das  vivências e intenções por trás dessas personalidades. A complexidade da relação das pessoas com a vida pública e a fama está lá, o reconhecimento da psicopatia também, mas essas questões poderiam estar um pouco mais desenvolvidas para que o thriller fosse ainda mais denso e eletrizante. Não sabemos muito sobre seus passados, não vemos muitas justificativas para seus atos.

    Fica esse desejo de mais desenvolvimento psicológico, mas com o reconnhecimento do experimento criativo dentro de um gênero em geral com muitos clichês e poucos exemplos no cinema nacional.

DTF St. Louis - Steve Conrad

    Steve Conrad parece gostar de histórias emocionantes e com excentricidades, por exemplo no roteiro do filme Wonder, sobre um menino sindrômico, mas que, na direção de Stephen Chbosky, o melodrama transborda um pouco.

    Já aqui em seu novo trabalho, DTF St Louis, em que Conrad também se arrisca em dirigir, sua combinação de roteiro e direção vem com maturidade e sensibilidade.

    A trama envolvendo um trio romântico de meia idade é envolvente e surpreendente. A maneira como eles vão se conhecendo e relações se estabelecendo adensadas com a morte de um deles instiga e conecta o espectador.

    A história, mais do que acompanhar a investigação dessa tragédia e seu possível julgamento, mergulha nas personagens, onde o que marca é o ritmo que os atores imprimem. 

    O tempo da série parece ralentado, mas não é apenas por uma questão de velocidade, e sim um sublinhar das falas e reações das personagens. Efeito reforçado pelas cenas "dialogadas" em linguagem de sinais e seu silêncio eloquente e expressivo. 

    Quase como uma sitcom que espera fazer de reações gagues para dar tempo para risadas. Ou em obras que buscam o estranhamento, como personagens dos irmãos Coen, que também não trazem um ritmo fluído e nos levam a um lugar bizarro e incômodo. 

    Ou  filmes de Sophia Coppola, como Lost in translation, que fala justamente de uma comunicação em entrelinhas, com personagens perdidas nas possíveis traduções e interpretações.

    Em DTF St Louis a construção marca mais certa perplexidade. As personagens falam como quem transborda o que lhes vem à cabeça, numa sinceridade ingênua e pueril, só que os interlocutores ao invés de estranharem, rechaçarem, enquadrarem ou ridicularizarem o outro, elas acolhem o que é dito. 

    Pouco a pouco vamos descobrindo a afetividade de cada personagem e o encantamento que se produz a partir daí: Floyd, o homem amoroso com uma carreira fracassada, casado com Carol, uma mulher ambiciosa e batalhadora, mãe de um menino com dificuldades de interação, que conhecem Clark, um homem de mais êxito profissional, mas extremamente solitário. E os investigadores, que começam frios e distanciados, mas que se enredam na trama.

    Eles interagem e se apresentam com detalhes e declarações simples (mas daquela simplicidade que poderia estar em poemas e canções). E a direção emoldura cada pequeno gesto e dá espaço para as atuações se destacarem (em todos os sentidos). Assim vamos nos comovendo com as personagens e nos apaixonando junto com elas.

   

A série tamabém tem o mérito de trazer nuances com o avançar dos sete episódios: tenta desvendar os motivos da morte de Floyd nos fazendo gostar e desconfiar, descobrir não só as qualidades, mas as vulnerabilidades encantadoras de cada um ou as fraquezas que  comprometem a vida dos demais e que podem ser vistas como problemáticas. 

Por exemplo o fracasso de Floyd que endivida toda a família, a ambição de Carol que passsa a desprezar Floyd, as tentativas de ajudar de Clark, mas que expõem e humilham os outros dois.

    Assim esses heróis passam a parecer vilões e depois voltam a parecer heróis e terminam sendo extremamente humanos, numa afetividade que se fragiliza frente a um mundo tão árido, até indicando certa crítica a uma sociedade (em particular a norte-americana) que endivida sua população, que não dá muita oportunidade de trabalho, que não incentiva nem acolhe a diferença, que promove bullyigs e competitividade desde a infância... 

    Uma série sobre encontro, mas também sobre um tempo em que se sucumbe às próprias fragilidades.

A verdadeira dor (A real pain) - Jesse Eisenberg

    Civilizações que passaram por guerras e imigrações tendem a se fechar e ter seus integrantes se apoiando, costuma haver um movimento bonito de solidariedade. É o caso do povo judeu, ameaçado e perseguido por séculos e por muito tempo um povo sem pátria.

    Entretanto a partir dos conflitos e opressões, muitas vezes também vêm sentimentos revanchistas entre estes povos. É o que vemos atualmente entre grande parte dos judeus, que apóiam o estado criado para eles e um expansionismo bélico e fascista.

    Em paralelo há um movimento de enaltação à sua cultura e como em Hollywood a comunidade judaica é muito grande e importante, não à toa andaram surgindo obras com esse perfil.

    É o caso de A verdadeira dor de Jesse Einsenberg. Conhecido por seu trabalho de ator, em filmes como Lula e a Baleia, A rede social e Truque de mestre, Aqui Jesse se arrisca na direção, o filme tem um tema interessante de reencontro com as origens da família a partir da morte da vó e uma direção competente, porém a história é rasa e arrogante.

    Dois primos se encontram para fazer essa viagem de homenagem e há um conflito entre eles: o primo mais reprimido e certinho, vivido por Jesse e o primo mais criativo e impulsivo vivido por Kieran Culkin, muito elogiado por essa atuação por sinal.

    Mas na impulsividade desse primo há um comportamento muito desrespeitoso, de quem se acha o centro do universo e não se importa com os sentimentos ao redor, até aproximando Culkin de seu trabalho de destaque anterior, vivendo um dos irmãos da série Succession.

    As verdadeiras dores ficam então ofuscadas por imaturidades e um certo umbiguismo e acabam por não interessar e comover tanto.

Sinédoque, Nova Iorque (Synecdoche, New York) - Charlie Kauffman

     Conhecido por parcerias exitosas como em Brilho eterno de uma mente sem lembranças dirigido por Michel Gondry - já comentado no blog - ou Quero ser John Malcovich dirigido por Spike Jonze, aqui o roteirista Charlie Kauffman se arrisca também na direção em Sinédoque, Nova Iorque.

    E faz um bom trabalho, com um elenco interessante e uma montagem vertiginosa acompanhando o processo de criação de um diretor de teatro, vivido pelo saudoso Philippe Seymour Hoffman.

    A questão com o filme são os excessos, a ideia dentro da peça, dentro do filme em que tudo é metáfora para processos de apaixonamento, separação e luto do artista. As diferentes camadas ficam confusas, como uma construção barroca em que por um lado dá forma e materialidade a sensações abstratas, mas por outro vai diluindo e ofuscando sua mensagem.

    Um pouco como Quero ser John Malcovich, que traz uma premissa genial, mas numa história que parece não saber o que fazer com ela, fosse um curta seria maravilhoso, mas num longa fica desgastante.

    Sinédoque, nome que remete à figura de linguagem semelhante a metonímia, demanda seu tamanho, mas poderia ter mais lapidação, assim os estranhamentos lynchianos (nos remetendo um pouco a Estrada perdida ou Cidade dos sonhos), como casas em incêndio por anos ou personagens vividas por diferentes atores,  teriam mais potência.

A filha perdida (La Figlia Oscura / The Lost Daughter) - Elena Ferrante / Maggie Gyllenhaal

Poucas são as criações artísticas com características mais explicitamente femininas. A escrita de Clarice Lispector é um exemplo, com seus fluxos de pensamento em associação livre que apresentam menos considerações e racionalizações diretas e fálicas e mais uma sinestesia da vivência corpórea e intimista. No cinema sua obra pode ser conhecida na adaptação de Suzana Amaral para A hora da Estrela.

Também Marguerite Duras com sua sensualidade intensa e ao mesmo delicada, errante e muito característica. Além de escritora, Marguerite era roteirista, assinando dezenas de obras, e parceira de diretores como Alain Resnais na obra-prima Hiroshima mon amour ou na adaptação de Jean-Jacques Annaud para um de seus livros mais importantes: O amante.

Um exemplo mais recente de literatura feminina seria Elena Ferrante com histórias marcadas por sentimentos ambivalentes intensos, presentes tanto em relações femininas de amizades, mas principalmente da maternidade.

 Os livros de Ferrante têm muitas cenas bem audiovisuais, apesar do mistério sob sua identidade, fala-se de histórias autobiográficas e portanto com muitos dados realistas, circunstâncias históricas e cenas em continuidade, como de novelas. 

Não à toa suas obras também têm sido muito adaptadas, foi o caso da série Amiga Genial, adaptada por Saverio Constanzo e do filme A filha perdida de Maggie Gyllenhaal.

   

Maggie vem de uma família de artistas e começou sua carreira se destacando como atriz, um dos filmes em que atuou foi O sorriso de Monalisa, que também apresenta contradições e disputas de um mundo feminino, embora de uma maneira mais rasa.

Aqui Maggie se debruça sobre uma obra de Ferrante com uma protagonista às voltas com a maternidade: maternidade desejada, cheia de amor, mas também de muita exasperação.

Maternidade que transborda carinho e admiração, mas que também sufoca e demanda privações, especialmente em um mundo machista. 

Em seu casamento foi ela a demandada a deixar de lado sua carreira para se dedicar às crianças, é ela que recebe pedidos e cobranças sem fim de suas filhas, é ela que ouve infinitos chamados de seu nome... até que ela se rebela.

Essa guinada em geral é acolhida pelas mulheres, mas provoca repulsa entre os espectadores homens. Parece duro uma mãe que abandona os filhos e mais fácil se chocar com elas, apesar das milhares de versões masculinas de abandono já são tão usuais que não sensibilizam mais.

E no filme o abandono também é cheio de ambivalências, há amor e ódio, culpa e gozo, independência e desamparo.

Quem é a filha perdida do título? 

A própria protagonista, também em crise com sua mãe (situação melhor desenvolvida no livro do que no filme aliás)? Suas filhas e o momento da infância delas em que a mãe não esteve presente? A mãe que ela conhece na praia e que a faz rememorar toda essa história? A filha dessa moça? A boneca dessa filha que se perde na praia gerando grande comoção?    

São muitas figuras femininas na obra e todas intensas, com sentimentos latentes transbordantes e enigmáticos e que são muito bem incorporados no filme, com uma direção enxuta e precisa e um elenco afiadíssimo, com destaque para Olivia Colman, mas presenças importantes de Jessie Buckley, Dakota Johnson, Ed Harris e Paul Mescal.

Os anos novos (Los años nuevos) - Sara Cano, Paula Fabra e Rodrigo Sorogoyen

A série Os anos novos investe em personagens carismáticos vivendo conflitos realistas e cotidianos para envolver o espectador.

    Começa em cenas de apresentação e sedução de uma relação, depois os primeiros conflitos, passando ao desejo de se reconectar, até desencontros de momentos de vida e a expectativa do final feliz.

    Assim como na série Um dia - recém comentada aqui, lançada dois anos antes, Os anos novos também traz cada episódio correspondendo a um ano, um reveillon, e, assim, a temporada discorrendo sobre dez anos na vida das personagens.

Porém aqui a busca é mais de um mergulho na vida de Ana e Oscar e nas possibilidades de enlaçamento deles, lembrando mais a série - filmográfica - de Richard Linklater: que começa num Antes do amanhecer, passa ao Por do sol, para chegar na virada da Meia-noite. 

Ali há uma radicalidade do investimento nos diálogos, num tempo muito realista e um encadeamento quase de associação livre, que a faz mais instigante e original. Não há uma seletividade das falas em prol de uma dramaturgia mais afiada, o encanto está em se deixar envolver pela conexão e aleatoriedade de temas que coexistem nas personagens vividas por Ethan Hawke e Julie Delpy - saiba mais aqui.

    Aqui também há uma ênfase nos diálogos, mas eles são um pouco mais "funcionais", relatam mais o passar dos anos e deixam menos espaço para lacunas. Mas as temáticas intercalam com detalhes cotidianos e singelos.

    Os anos novos traz Ana, uma garota extrovertida, que ainda não encontrou um foco na vida e está temerosa em tomar passos e se arriscar. E Oscar, um rapaz mais sério e responsável, mas bastante solidário e parceiro.

    (Casal que lembra também outra obra de sucesso recente: A pior pessoa do mundo - também comentada aqui).

    Porém aqui a série se perde um pouco ao trazer um amadurecimento de Ana e que não é acompanhada por Oscar. Ela se arrisca em desejos, vai atrás deles e aprofunda sua caminhada. Já Oscar não muda muito e acaba pautado por certo ressentimento.

   

A empatia então pelo casal e a torcida pelo "final feliz" se desgastam um pouco, mas as cenas bem filmadas e a boa atuação e direção de atores nos mantém conectados e curiosos do desfecho, como em séries adolescentes e comédias românticas, mas aqui com um pouco mais de profundidade. 

Há potencial para uma grande trama, mas o resultado está mais para uma série agradável.

Um dia (One day) - Nicole Taylor

    Baseada no best seller de David Nicholls, a série Um dia traz o encontro de dois jovens através dos anos. Cada episódio apresenta um dos anos na vida de Emma e Dexter. Daquelas comédias românticas em que o encontro improvável revela a cada um a possibilidade de um outro jeito de ser: ela mais estudiosa, dedicada e introvertida e ele popular, confiante, entusiasmado, sedutor.

    Eles começam a interagir no fim da faculdade e depois vão se acompanhando na busca por trabalhos, relacionamentos e perspectivas da vida adulta. Apesar das diferenças mantem o encantamento um pelo outro, oscilando e flertando entre a amizade e a paixão.

A série é bem construída, conta com elenco carismático e ritmo envolvente, pode atrair corações adolescentes de todas as idades pois, apesar de em alguns momentos ficar mais pueril e previsível, há momentos de profundidade e surpresa.

O filho de mil homens - Daniel Rezende

     Daniel Rezende ficou conhecido pela montagem de Cidade de Deus de Fernando Meirelles, em seguida assinou outras grandes produções como Tropa de elite de José Padilha, já comentado aqui. Só depois se aventurou pela direção, em curtas, séries e depois longas, como Bingo e agora o ambicioso Filho de mil homens.

  

Daniel parte da obra-prima de Valter Hugo Mãe, um livro que capítulo a capítulo adentra a vida de personagens solitárias, isoladas, problemáticas, que vemos sofrerem uma rejeição da sociedade e a descoberta de um jeito diferente de viver. 

Aos poucos o que parece ser um livro de contos se torna um romance profundo, poético, inebriante. As emoções contidas em cada um começam a se espalhar e se potencializar em conjunto, levando a um cruzamento arrebatador. 

    Mas como traduzir audiovisualmente uma beleza que é tão etérea? Que vem de reflexões e sensações? 

    Talvez numa adaptação mais sóbria, mais afeita aos fatos em que o espectador que tem a missão de preencher lacunas e poesias, como em A hora da estrela, adaptação de Suzana Amaral para a obra de Clarice Lispector? Ou se apoiar na sinestesia de sons e imagens mas apenas para buscar a tradução de sensações, como fez o parceiro/mentor de Daniel, o cineasta Fernando Meirelles, com a obra de José Saramago na adaptação de Ensaio sobre a cegueira?

    Porém Daniel quis ir além, ele parece ter sublinhado tudo que achou de mágico e encantador no livro e assim se tornou didático e pueril. Os brilhos e colorações que traz para as imagens ficam infantis e mesmo a interpretação de personagens autênticas demais, chega em um exotismo teatral que não favorece a construção delas. Faz lembrar a adaptação de Cem anos de solidão de Gabriel Garcia Marques feita por Laura Mora e Alex García López para uma série televisiva e que também se distanciam da profundidade da obra de origem. Fiquemos com as imagens criadas em nosso imaginário para obras tão potentes e inesquecíveis.

Tremembé - Vera Egito / Ullisses Campbell

    Tremembé foi uma das séries brasileiras recentes de maior sucesso. Inspirada na pesquisa e livro de Ullisses Campbell, chama a atenção pela qualidade técnica: bem produzida, dirigida e com ritmo - mérito de roteiro e montagem. 

    O casting é um capítulo à parte: atores carismáticos, impactantes e de acordo com suas personagens. Seja em interpretações de maior densidade dramática ou aquelas em que incorporam mais um tipo, a maioria do elenco parece muito adequada em seu papel e contribuindo na potência da trama.

    Tudo confluindo então para um grande envolvimento do espectador e uma maratonagem dos seis episódios.

    Entretanto, justamente aquilo que mais atraiu o público é o que parece o mais problemático: por que contar essa história, por que o interesse por essas personagens? Por que adentrar um presídio com pessoas que cometeram crimes conhecidos e de ampla cobertura midiática? Por que seguir fazendo isso e buscar mais histórias para outras temporadas?

    A resposta leva ao subtítulo da série: A prisão dos famosos, e parece destacar dois problemas: primeiro que, ao escolher essas pessoas há um recorte político. Narrar com densidade e tridimensionalidade a história de criminosos é muito importante, já que ninguém é 100% vilão e fugir de maniqueísmos parece sempre saudável. Mas aqui há realmente exemplos complexos de psicopatias graves. Além disso, a escolha de humanizar e glamourizar essas pessoas num universo de um Brasil com tantos exemplos, em especial no sistema prisional, de figuras injustiçadas, mártires demonizados com tantas chacinas comemoradas país afora e sem que a série aprofunde questões de gênero, raça e classe, vira uma escolha estética e ética frágil.

    O segundo é a provocação da curiosidade das pessoas pela tragédia alheia, com elas se comovendo sem estarem diretamente implicadas, num interesse que beira a morbidade, como o desejo de olhar um acidente de trânsito, de se fixar em capas de Notícias Populares, de consumir tragédias em Aqui agora, Programa do Ratinho e similares sensacionalistas... Há até um entretenimento histórico, de ir lembrando sobre os crimes tão divulgados na época de seus acontecimentos e conhecer os desdobramentos, nem sempre tão difundidos. 

    Não que as obras audiovisuais precisem trazer um discurso ideológico denso, claro que é possível produtos apenas de entretenimento, mas explorar essa curiosidade despertada em um tempo em que se relaciona com o outro para se comparar, para viver com eles o que não vivemos nós mesmos, consumindo revistas de fofocas, reality shows, redes sociais de influenciadores e Tremembé... Há que se questionar...

Cara de um, focinho de outro (Hoppers) - Daniel Chong

    A Pixar sempre traz animações de excelência técnica, boas personagens e ótimas sacadas de humor. Cara de um, focinho de outro não foge a essa regra.

    Aqui a protagonista é Mabel, uma menina que cresce defendendo os animais, para que eles possam viver em seus habitats naturais, até o ponto de se opor às buscas de "modernização" da cidade feitas pelo prefeito. O charme do filme é ela fazer essa defesa ao lado dos bichos, participando de um experimento científico que a faz adentrar um corpo de um castor e interagindo como se fosse um deles.

    Diferente de filmes que apresentam o mundo dos animais de maneira mais endêmica, como Vida de inseto, Formiguinhaz ou Flow; diferente também de filmes que tentam "humanizar" o mundo dos animais, reproduzindo os mesmos afetos e o mesmo sistema em que vivemos, como os recentes Um cabra bom de bola - comentado aqui, Zootopia ou o já clássico Procurando Nemo, Cara de um, focinho de outro começa mostrando as relações próprias do mundo animal, mas é aí que há um problema.

    Como em tentativas como Madagascar ou Os sem floresta há um conflito em mostrar "as leis da selva" e a cadeia alimentar sem acusá-la de "selvagem", e, ao acusá-la de selvagem que alternativas são dadas?

    Em Madagascar ou os animais vivem ou num zoológico numa vida artificial e limitada ou os bichos correm o risco de deixar de ser amigos, já que vão ter que se enfrentar para sobreviver. Em Os sem floresta eles desistem da floresta e se adaptam à vida de ultraprocessados para se alimentar, por exemplo. Mas são essas reais soluções?

    Aqui os animais começam revelando a Mabel que os bichos podem se comer para sobreviver, mas depois é defendida uma harmonia que nem sempre está de acordo com os instintos animais.

    Além disso a vilania muda de lugar, primeiro no prefeito vaidoso e ganancioso, mas que Mapel consegue conscientizar, aí a harmonia passa a ser ameaçada então por um inseto que quer se vingar por todas as vezes em que semelhantes foram esmagados.

    Os esmagamentos não são postos como a "lei das selvas". E a real selvageria de se destruir meios-ambientes para espaços otimizados para carros é colocada como uma questão pontual que o filme resolve em um final feliz. 

    A discussão sistêmica que urge, sobre por que se tenta subjugar outras espécies e a que ponto estamos colapsando o planeta numa busca infinita de fartura e comodidade (isso sem dizer para quem está indo essa riqueza e conforto) fica de fora.

Neste sentido é mais bonita a passagem da Era do gelo quando homens, mamutes e tigres se enfrentam cada um com seu interesse, mas que ao precisarem se deparar com a perda do outro chegam a um desenlace de desculpas e reconhecimentos. Apesar da convivência utópica entre todas as espécies, a mensagem afetiva de onde o medo de um que faz atacar o outro e gerar vinganças num ciclo de dores e perdas que levam a uma reconciliação fica genuína e bonita no filme de Carlos Saldanha.

    Filmes infantis não precisam nem devem ser aulas políticas, mas a reflexão poderia ir além, claro que em tempos bélicos e de intolerância, é esperar demais de um filme mainstream norte-americano, fiquemos então com o encanto e diversão que ele proporciona!

Bugonia - Yorgos Lanthimos

    O grego Yorgos Lanthimos é um nome forte da cinematografia atual, sempre muito criativo e impactante tem conquistado terreno mundo afora.

    Ele começou a ganhar destaque com o potente e intimista Dente Canino, já comentado aqui e há uns dez anos vem filmando com estrelas americanas e ampliando seu público.

    Com Pobres criaturas veio o maior impacto, trazendo aos filmes uma abordagem mais fantástica, fazendo lembrar inclusive o Ladrão de Sonhos de Jean-Pierre Jeunet e Marc Caro. O filme fez sucesso entre público e crítica e mesmo sendo controverso conquistou prêmios de Veneza à Hollywood.

Em Bugonia Lanthimos repete a escalação de um elenco talentoso com Emma Stone e Jesse Plemons que trazem força e estranheza à narrativa.

    Um jovem traumatizado que já não confia no mundo, mas em teorias da conspiração, sequestrando uma importante empresária, que ele desconfia ser uma alienígena. 

    O conflito é simples, mas os diálogos beirando o nonsense são ricos e instigantes, nos fazendo pensar no absurdo de ganâncias e negacionismos a que chegamos - nesse ponto lembra inclusive o filme Não olhe para cima, de Adam McKay.

    Também são divertidas as referências a outros filmes, como ET de Steven Spielberg, nas cenas de bicicleta, que são mais realistas e se cruzam com uma estética entre o tosco fantasioso e a ficção científica.

O que mais assombra no filme é justamente o tanto de realidade que tem na fantasia, o irreal se aproxima muito do horror que vivemos, da desumanidade como se tratam os seres humanos.

 A fragilidade e violência que nos cerca em Bugonia, diferente da indigestão de Sirat, recentemente comentado aqui, nos chega com acidez e ironia.

Sirat - Oliver Laxe

     Raros os filmes que se pautem mais em ideias e sinestesias do que em narrativas, é possível pensar em filmes líricos como a adaptação para Estorvo de Ruy Guerra, ou pensar em experiências filosóficas e metafísicas como os filmes de Júlio Bressane, Tarkovski ou Béla Tarr - já comentados aqui. E, agora, em um tempo tão árido e apocalíptico, Sirat de Oliver Laxe chega perturbando, explodindo, arrebatando.

    O ponto de partida do pai espanhol buscando uma filha perdida em alguma rave no Marrocos é um fio condutor que nos insere no universo de raves alternativas, em que vemos figuras gauche, deslocadas de uma sociedade convencional criando um mundo paralelo.

    O pai e o filho caçula aparecem destoando de jovens drogados, mas vão tendo entrada para aqueles que recebem os folhetos com fotos da filha perdida, e assim começam algumas conexões.

    Depois, algumas cenas de uma guerra que se inicia vai aproximando pessoas que vão se tornando de fato uma comunidade, grupo de páreas, radicais, mutilados, animais, sem laços que não aqueles... Não se fala de nenhuma outra família, de nenhum outro trabalho... A missão deles é se conectar com a música, com a paisagem, com a mistura de nacionalidades, culturas e línguas que aquelas pessoas representam.

    E a conexão do espectador também fica com eles, com o estranhamento da música eletrônica e quase inumana, tomadas da paisagem que parecem arte abstrata em movimento e os afetos que surgem como oásis nesse deserto, flores nos cactos, mas às quais não se pode apegar, porque o mundo apresentado é bruto e por isso mesmo extremamente frágil. Não a fragilidade de pétalas, mas de espinhos, de estilhaços.

    O mundo está a ponto de explodir, tal qual o fora das telas e quem seremos nós nessa história?

    Não há redenção, não há final feliz, é o tempo de mal estar, físico, sinestésico, filosófico e metafísico. O que fazemos com o filme? Saímos no meio? Sustentamos até o final? Sorrimos? Choramos? Dançamos junto? Gritamos? Urramos?

    O que faremos de nós? O que faremos do mundo? Como será nossa Sirat? (que significa uma travessia e no islamismo vem com as imagens de ser "uma ponte que atravessa o abismo do inferno em direção ao paraíso e é mais fina que um fio de cabelo e mais afiada que uma espada").

Pssica - Stephanie Degreas, Fernando Garrido, Bráulio Mantovani

    

Inspirada no livro de Edyr Augusto, Pssica traz uma temática muito urgente e atual: a violência e predação contra mulher. 

Além da trama principal que retrata o tráfico sexual de meninas no norte do país, há também o bulliying de meninos contra meninas, a divulgação de vídeos não consentidos, o conflito entre sexualidade e religião, o assédio de homens contra meninas, o uso de drogas, a prostituição...

A série traz a crueza do tema em um ritmo envolvente, não há a densidade de Manas, já comentado aqui, mas há potencial para conquistar o público e amplificar a denúncia.

    Com um ótimo elenco, encabeçado pela protagonista Janalice, vivida por Domithila Cattete, que traz o misto de etnias em suas feições, e um rosto e corpo de adolescente em que ora vemos a menina que precisa de proteção e ora vemos a mulher decidida e forte que poderá se tornar.

    Ela começa tendo que lidar com o namorado que a trai divulgando imagens íntimas, depois tendo que lidar com a família que a condena, com outra parte da família que se resigna em aceitá-la, mas sem muito afeto e dedicação e ainda por cima com o risco de abuso. A partir daí ela se vê à própria sorte e busca suas próprias relações.

      Janalice consegue fazer amizades, mas com outras pessoas também vulneráveis, que a vulnerabilizam mais e assim acaba capturada por traficantes sexuais que a leva para outro país para ser prostituída.

    Essa trama envolve criminosos e políticos, de maneira bem realista, em especial em tempos de revelações de arquivos Epstein e denúncias de milhares de feminicídios e Janalice vai se tornando uma real heroína.

    Temas sérios mas que são trabalhados como trama de ação policial, talvez com excesso de movimentações, cores e sons e passagens muito rápidas e que nos dificultam assimilarmos.

Como uma paixão muito repentina de Preá por Janalice por exemplo.  

Ou em conflitos densos como o arrependimento do pai de Janalice pela maneira como age com ela, uma mudança bonita e profunda, mas que poderia ser mais explorada.

 Ainda assim o resultado é ótimo e vale ser visitado!

Dias perfeitos - Joana Jabace / Raphael Montes

Raphael Montes tem feito muito sucesso com seus romances policiais: tramas envolventes e personagens sedutores que nos levam a adentrar o ritmo da narrativa. E histórias que, em geral, funcionam muito em adaptações, pois já são bastante audiovisuais.

    Por isso a ideia da adaptação feita por Joana Jabace para uma minisserie funcionou muito bem com Dias perfeitos.

    A série nos convida a conhecer as personagens, o casting carismático, principalmente na protagonista Clarice, vivida por Julia Dalavia, mas também na sinistra e ambivalente Patrícia, mãe do vilão, vivida por Débora Bloch.

Talvez na tentativa de seduzir demais a trama pese em cenas mais apelativas (ou de romance ou de violência), se apoie em um vilão caricatural, o jovem Téo, vivido por Jaffar Bambirra, e não aprofunde tanto aspectos psicológicos, mas para um produto menos denso e mais ligeiro agrada.