Sirat - Oliver Laxe

     Raros os filmes que se pautem mais em ideias e sinestesias do que em narrativas, é possível pensar em filmes líricos como a adaptação para Estorvo de Ruy Guerra, ou pensar em experiências filosóficas e metafísicas como os filmes de Júlio Bressane, Tarkovski ou Béla Tarr - já comentados aqui. E, agora, em um tempo tão árido e apocalíptico, Sirat de Oliver Laxe chega perturbando, explodindo, arrebatando.

    O ponto de partida do pai espanhol buscando uma filha perdida em alguma rave no Marrocos é um fio condutor que nos insere no universo de raves alternativas, em que vemos figuras gauche, deslocadas de uma sociedade convencional criando um mundo paralelo.

    O pai e o filho caçula aparecem destoando de jovens drogados, mas vão tendo entrada para aqueles que recebem os folhetos com fotos da filha perdida, e assim começam algumas conexões.

    Depois, algumas cenas de uma guerra que se inicia vai aproximando pessoas que vão se tornando de fato uma comunidade, grupo de páreas, radicais, mutilados, animais, sem laços que não aqueles... Não se fala de nenhuma outra família, de nenhum outro trabalho... A missão deles é se conectar com a música, com a paisagem, com a mistura de nacionalidades, culturas e línguas que aquelas pessoas representam.

    E a conexão do espectador também fica com eles, com o estranhamento da música eletrônica e quase inumana, tomadas da paisagem que parecem arte abstrata em movimento e os afetos que surgem como oásis nesse deserto, flores nos cactos, mas às quais não se pode apegar, porque o mundo apresentado é bruto e por isso mesmo extremamente frágil. Não a fragilidade de pétalas, mas de espinhos, de estilhaços.

    O mundo está a ponto de explodir, tal qual o fora das telas e quem seremos nós nessa história?

    Não há redenção, não há final feliz, é o tempo de mal estar, físico, sinestésico, filosófico e metafísico. O que fazemos com o filme? Saímos no meio? Sustentamos até o final? Sorrimos? Choramos? Dançamos junto? Gritamos? Urramos?

    O que faremos de nós? O que faremos do mundo? Como será nossa Sirat? (que significa uma travessia e no islamismo vem com as imagens de ser "uma ponte que atravessa o abismo do inferno em direção ao paraíso e é mais fina que um fio de cabelo e mais afiada que uma espada").

Pssica - Stephanie Degreas, Fernando Garrido, Bráulio Mantovani

    

Inspirada no livro de Edyr Augusto, Pssica traz uma temática muito urgente e atual: a violência e predação contra mulher. 

Além da trama principal que retrata o tráfico sexual de meninas no norte do país, há também o bulliying de meninos contra meninas, a divulgação de vídeos não consentidos, o conflito entre sexualidade e religião, o assédio de homens contra meninas, o uso de drogas, a prostituição...

A série traz a crueza do tema em um ritmo envolvente, não há a densidade de Manas, já comentado aqui, mas há potencial para conquistar o público e amplificar a denúncia.

    Com um ótimo elenco, encabeçado pela protagonista Janalice, vivida por Domithila Cattete, que traz o misto de etnias em suas feições, e um rosto e corpo de adolescente em que ora vemos a menina que precisa de proteção e ora vemos a mulher decidida e forte que poderá se tornar.

    Ela começa tendo que lidar com o namorado que a trai divulgando imagens íntimas, depois tendo que lidar com a família que a condena, com outra parte da família que se resigna em aceitá-la, mas sem muito afeto e dedicação e ainda por cima com o risco de abuso. A partir daí ela se vê à própria sorte e busca suas próprias relações.

      Janalice consegue fazer amizades, mas com outras pessoas também vulneráveis, que a vulnerabilizam mais e assim acaba capturada por traficantes sexuais que a leva para outro país para ser prostituída.

    Essa trama envolve criminosos e políticos, de maneira bem realista, em especial em tempos de revelações de arquivos Epstein e denúncias de milhares de feminicídios e Janalice vai se tornando uma real heroína.

    Temas sérios mas que são trabalhados como trama de ação policial, talvez com excesso de movimentações, cores e sons e passagens muito rápidas e que nos dificultam assimilarmos.

Como uma paixão muito repentina de Preá por Janalice por exemplo.  

Ou em conflitos densos como o arrependimento do pai de Janalice pela maneira como age com ela, uma mudança bonita e profunda, mas que poderia ser mais explorada.

 Ainda assim o resultado é ótimo e vale ser visitado!

Dias perfeitos - Joana Jabace / Raphael Montes

Raphael Montes tem feito muito sucesso com seus romances policiais: tramas envolventes e personagens sedutores que nos levam a adentrar o ritmo da narrativa. E histórias que, em geral, funcionam muito em adaptações, pois já são bastante audiovisuais.

    Por isso a ideia da adaptação feita por Joana Jabace para uma minisserie funcionou muito bem com Dias perfeitos.

    A série nos convida a conhecer as personagens, o casting carismático, principalmente na protagonista Clarice, vivida por Julia Dalavia, mas também na sinistra e ambivalente Patrícia, mãe do vilão, vivida por Débora Bloch.

Talvez na tentativa de seduzir demais a trama pese em cenas mais apelativas (ou de romance ou de violência), se apoie em um vilão caricatural, o jovem Téo, vivido por Jaffar Bambirra, e não aprofunde tanto aspectos psicológicos, mas para um produto menos denso e mais ligeiro agrada.

Eu e meu avô Nihonjin - Célia Catunda

     Célia Catunda tem participado de importantes animações brasileiras como as séries Show da Luna, Peixonauta, Tarsilinha... Sua produtora tem quase 40 anos e com isso um histórico de muita garra, talento e persistência para seguir trabalhando com audiovisual e num segmento que quando não há uma indústria por trás é de um artesanato muito laborioso!

    Seu trabalho mais recente, o longa Eu e meu avô Nihonjin dos roteiristas Oscar Nakasato e Rita Catunda mostra essas qualidades. A partir de uma história singela: um menino que quer conhecer suas origens, ele precisa ouvir as histórias de seu avô e remontar seu passado familiar.

    A estrutura narrativa é extremamente simples: uma lição de casa como ponto de partida e encontros com o avô que vão contando pouco a pouco sobre a vinda dos antepassados do Japão para o Brasil, as dificuldades do início da instalação da família, a adaptação...

    Há um didatismo na narração: tanto nos aspectos históricos quanto nos aspectos emocionais: há personagens muito bem delineadas que mostram os conflitos, a chegada sem dinheiro e vida em servidão, o compartilhar com outros imigrantes sem entender a língua, o respeito aos valores de origem e a abertura a outras culturas, o posicionamento durante a 2a Guerra, os preconceitos sofridos, o desafio entre se instalar num país e fazer valer seu conhecimento de nação... Contrastes culturais, medos e conquistas típicos de imigrantes e que tipicamente provocam conflitos dentro da própria família, entre aqueles que reforçam ainda mais as origens e aqueles que tentam esquecer para se adaptar melhor. 

 

Afetos básicos e complexos ao mesmo tempo, que construídos em ritmo lento e suave contribui no didatismo da narrativa, e que, somados aos belos traços da animação podem cativar o público infantil.

Oppenheimer - Christopher Nolan

     Christopher Nolan muda do universo de fantasia e ficção científica onde tem mais experiência (de filmes como Batman Begins e Interestelar - já comentado aqui) e traz uma história verídica, do desenvolvimento da bomba atômica americana pelo físico Robert Oppenheimer. Entretanto aproveita sua habilidade com narrativas épicas e super-personagens para construir a trama.

    A história de Oppenheimer realmente tem múltiplos vieses, relações e implicações, envolve relações pessoais, egos do mundo acadêmico e muitas questões políticas. Um mundo masculino, competitivo e bélico, que Oppenheimer oscila a quanto adentrar.

    E para desenvolver essa história complexa Nolan faz uma narrativa à altura: muitas personagens, vozes e tempos, tudo se somando e se cruzando. O resultado é confuso e árido, nos aproxima menos das questões filosóficas e existenciais do cientista e mais da arquitetura política, de interesse e disputa de poder.

    É um filme bastante atual, mas que deixa de lado o que poderia ser um antídoto para os nossos tempos, fosse o foco mais sobre os questionamentos da aplicação e extensão do uso da energia nuclear poderia nos envolver e sensibilizar mais e nos aproximar menos desses anos 20 com tantas guerras.

Uma batalha após a outra (One batle after another) - Paul Thomas Anderson

     O jovem promissor de diversos vídeos musicais e filmes como Boogie Nights, Magnólia e Punch-Drunk love, vem ganhando experiência e maturidade, seja em filmes como O Mestre - já comentado aqui - ou no mais recente e de grande repercussão Uma batalha após a outra.

    Antes interessado em personagens "gauche" para desenvolver o que poderia haver por trás delas, construir relações complexas, contraditórias e questionáveis, fazendo o público questionar junto, se emocionar, participar e se envolver, agora Paul Thomas Anderson traz sua maturidade e primor em diálogo com a descrença e o cinismo.

    Uma batalha após a outra começa com guerrilheiros se colocando contra as políticas anti-imigratórias dos EUA, personagens radicais, mas cheios de juventude e propósitos lutando contra conservadores preconceituosos.

    Entretanto essas personagens com quem poderíamos nos identificar vão diminuindo sua força e ética. O casal vivido por Teyana Taylor e Leonardo Di Caprio se perde ao ter uma filha, há um impasse interessante entre a vida familiar que se impõe diante de uma criança e o desejo de seguir sua luta. Porém  os caminhos escolhidos reforçam caricaturas daqueles que se alienam nos cuidados do lar versus os que ignoram a parentalidade para viver seus impulsos. 

    Sim, a luta vira sobre isso: impulsos raivosos e nem se sabe mais contra quem. A mulher negra de corpo voluptuoso é caracterizada como uma mulher selvagem e sexual, que desperta desejo e faz jogos de sedução e tortura inclusive com os fascistas contra quem luta, encarnado principalmente na personagem de Sean Penn.

    E seu ex segue na alienação à qual se entrega se tornando um drogado que precisa até ser cuidado pela filha.

    Entre os conservadores se aponta uma possibilidade de humanismo, mas ao final todos se mostram infantis, mesquinhos e sem empatia por ninguém, fascistas matando fascistas - buscando anos de perdão?

    Quem talvez mantenha seus princípios, siga lutando e contribua por mover a trama seja a personagem de Benício Del Toro, que a partir de sua academia de artes marciais organiza uma sociedade alternativa, com ética e lealdade.

    Paul Thomas Anderson escala um elenco incrível e muito bem dirigido, traz ritmo e estética alucinadamente envolventes, há cenas de ação brilhantemente executadas como raramente se vê e cenas de humor muito bem construídas. Por todas essas qualidades o filme se torna ainda mais lamentável, já que a mensagem parece ser de deboche a qualquer causa e luta.

    Em tempos em que as pessoas se dividem entre os que estão cada vez mais radicais e polarizados e os que tentam entender os movimentos políticos do mundo mas num desgaste e saturação de informações, ao trazer temas políticos, mas fazer piada com eles, o filme parece ser um desserviço de despolitização. 

Hal & Harper - Cooper Raiff

Hal & Harper é mais um projeto autoral do jovem Cooper Raiff que, além de roteirizar e dirigir, é um dos protagonistas da série: vive o jovem Hal, que com a irmã Harper enfrenta o trauma de ter perdido a mãe na infância.

    Como em todo trauma e luto, os acontecimentos não acontecem de forma linear, os afetos não têm uma organização e temporalidade localizada, não há uma geografia específica e por isso tudo se mistura.

    Esse é o grande mérito da série: conseguir nos capturar para um emaranhado de lembranças, acontecimentos e personagens do passado, presente e futuro dos protagonistas. 

    A cada episódio somos preenchidos por acontecimentos ora da infância, ora da juventude e caminhamos um pouco mais para o que está por vir, temos momentos para sorrir puerilmente com as personagens ou chorar copiosamente.

    Entre os fatos dessa trajetória está a família tentando se reerguer logo após a perda da mãe, tanto as duas crianças quanto o pai que ficou como único cuidador delas. Eles oscilam entre a cumplicidade em que um fato deste traz e o estilhaçamento e ressentimento particular de cada um. 

    Esse passado transborda em tudo que tiveram que engolir para seguir vivendo e no que se fixaram e de onde nunca conseguiram sair.

Os jovens irmãos de 20 e poucos anos são ainda as crianças desamparadas da infância, mas também adultos que perderam a inocência e leveza muito cedo. 

Por isso a opção estética de que os mesmos atores interpretem os momentos de infância num primeiro momento podem causar estranhamento e incômodo, mas ao final faz muito sentido.

   

O pai, vivido por Mark Ruffalo, também, ele aparece no presente em uma nova relação, mas se divide entre a construção e a elaboração de seu luto: o que é preciso destruir para que ele se abra ao que está por vir.

    Nos 20 e poucos anos dos jovens cabem as crises clássicas de descoberta e fim de primeiros amores, de sonhos de trabalho versus sonhos de casamento e desejos de se estabelecer, mas também de mudar e alçar voos.

Esses conflitos são muito bem apresentados com diálogos cativantes, profundos e realistas e com interpretações comoventes, com destaque para Lili Reinhart.

    A narrativa densa e dramática é muito boa, mas a linguagem que nos remete à memória, essa matéria metafísica que nos compõe e que faz com que nossas trajetórias e dramas sejam tão singulares é que faz com que Hal & Harper seja tão especial também.   

Valor sentimental (Affeksjonsverdi) - Joachin Trier

     Joachin Trier vem apresentando questões em seus filmes de acordo com suas fases (pós adolescência e começo da vida adulta na estreia em Reprise; juventude de sexo, drogas e depressão em Oslo, 31 de agosto; casamentos e reflexões sobre filhos em A pior pessoa do mundo e questões familiares e afetivas perpassando toda a filmografia).

    Suas personagens revelam olhares cada vez mais maduros e profundos. Assim, em Valor sentimental há uma densidade que ainda não havia sido apresentada em sua obra. As questões complexas e abrangentes sempre estiveram presentes, mas aqui há uma evolução da sensibilidade.

    Não é apenas sobre os conflitos familiares de duas irmãs que perdem a mãe e reencontram o pai que desde o divórcio havia estado ausente, é sobre uma matéria menos sólida e mais indizível. Diz respeito a origens, medos, amores, cumplicidades, ódios... "Valores sentimentais"...

    Essa expressão que usamos para objetos e pode dizer respeito a heranças, é carregada de subjetividade, de narrativas, de memórias... Essa substância tão concreta e tão abstrata que acompanha a todos nós e por isso é tão tocante no filme.

Nora (numa linda interpretação de Renate Reinsve) é uma atriz que tem pânico de estreias.

Se angustia a cada vez que se depara com o novo, com aquilo que não sabe onde pode dar. Por outro lado, Nora não se permite relações estáveis, ou seja, também tem medo daquilo que possa conhecer totalmente e mais: que possa conhecê-la a fundo. Há um medo de se entregar, de confiar. 

    É insegura quanto ao que tem para dar, ao mesmo tempo em que tem bastante autonomia para entregar seu corpo e alma para as personagens que interpreta, para questionar e desafiar os medos da irmã ou o pai que tanto a magoou.

    O pai é vivido pelo experiente Stella Skarsgard, que conhecemos desde filmes de Lars von Trier (veja mais aqui) até produções hollywoodianas como a franquia Piratas do Caribe. Ele traz a ambiguidade de um homem que viveu uma tragédia e de quem podemos ter pena e de um homem que impôs um grande drama (e quase tragédia) à sua família com seu egoísmo e negligência e de quem por isso podemos ter raiva. 

    Esse pai septuagenário é também diretor de cinema e traz um projeto depois de um tempo de ostracismo, com expectativa de que a obra seja o símbolo de sua vida e assim nos instigue e comova.

Comove, por exemplo, outros artistas: produtor, fotógrafo... E a atriz hollywoodiana, vivida pela verdadeiramente hollywoodiana Elle Fanning, que, assim como sua personagem faz uma atuação corajosa de exposição de suas aberturas e fraquezas.

    E instiga sua filha Nora, com quem quer realizar o projeto.

    A trama mais do que desenvolver se a filha vai ou não fazer o filme com ele, vai ou não perdoá-lo, vai ou não fazer o pai entender o que provocou, se ele vai ou não se arrepender, ela é sobre as lacunas e preenchimentos que coexistem nas relações, o que ficam delas para nós e o que há de valor sentimental em nossas memórias.   

Há uma pretensão de desvendar a real "persona" das personagens, explicitada em uma cena que referencia e reverencia a obra-prima de Ingmar Bergman, talvez nesse sentido e nesse momento se exceda, parece mais um jogo de linguagem de Joachin Trier (como nos demais filmes também comentados aqui) e que não se faz necessário. 

    Seu talento e sensibilidade está em construir cenas de cotidiano, cenas realistas e tão carregadas de drama, especialmente pela direção de atores que faz. Os atores mostram as personagens por dentro e nos viram do avesso em emoções.

    Não é só o patriarca, o universo burguês, os atos fálicos e o que está dito, é o que está por trás, as resistências, as pequenas revoluções, a maneira feminina de lidar com as dores... Por isso uma das cenas mais emocionantes é justamente uma em que o pai não está, em que as irmãs falam sobre a força e amor delas. O filme parece ser muito mais sobre isso, ou essa é a herança que parece deixar para mim, fiquemos com este "valor sentimental".

Homem com H - Esmir Filho

    Esmir Filho estreou numa carreira promissora com curtas diversos e muito interessantes: desde o registro despretensioso e hit de internet com Maria Alice Vergueiro: Tapa na Pantera, passando pelo belo e sinestésico Saliva, ou no envolvente Alguma coisa assim.

    Em seguida Esmir passou aos longas, mas sua estreia um tanto ambiciosa, parece menos bem acabada que os curtas, Os famosos e os duendes da morte, já comentado aqui, tem muito potencial, mas resultado irregular.

Agora em seu filme mais recente, Homem com H, vemos a maturidade de seu cinema, alguém já vivendo no mundo artístico há muitos anos, pela carreira de seus filmes, vídeos e séries e também por influências familiares. Esmir soube escolher um ídolo e mergulhar em sua história, captar seus pontos de interesse e entrelaça-los em um excelente enredo, uma homenagem digna para o octagenário Ney Matogrosso.

    Difícil as cinebiografias não se perderem e saberem dosar a quantidade de informações, é comum sairmos sentindo carências ou excessos, desequilíbrios e confusões, mas aqui a cadência funciona. Há lirismo, há drama, há contexto histórico... Há família, infância, amadurecimento, descoberta de sexualidade, romances, casamento, sexo, drogas, rock'n'roll, chiclete, banana, fantasia, carnaval... Há inclusive cenas documentais com Ney atual!

    O menino que desde cedo teve sua delicadeza, sensibilidade e sexualidade questionadas e que precisou lutar por espaço, mas que escolheu uma luta colorida, com muita arte e ironia, intensidade e sofisticação.   

    Ney foi cobrado tanto para que fosse mais "homem", como para que assumisse sua homossexualidade perante o público, mas como ele mesmo já disse, ele não precisa falar sobre suas opções íntimas, o que ele defende está em sua expressão, no palco, nos figurinos, nos discos.

E no filme isso está representado pelo elenco, fotografia, direção de arte, som... Tudo confluindo para um bom resultado.

    Saímos querendo mais, mas num querer satisfeito, de quem teve uma excelente amostra, de quem pode ver e conhecer diversas facetas de Ney e ficar admirado e cativado. O filme entrega e deixa espaço para que possamos seguir acompanhando sua trajetória, com nosso interesse ainda mais aguçado, uma ótima experiência audiomusicovisual!

A pior pessoa do mundo (Verdens verste menneske) - Joachin Trier

    Joachin Trier vem consolidando seu cinema com personagens humanas, conflitos cotidianos, aparentemente triviais, mas sempre com delicadeza, profundidade e graciosidade.

    Foi assim em sua estreia com Reprise, depois em Oslo, 31 de agosto e mesmo ao misturar fantasia como em Thelma, todos comentados aqui.

    Aliás, fantasia que sempre o acompanha em jogos de linguagem... Aqui, por exemplo, temos o filme dividido em capítulos e uma narração que chega a remeter a Amelie Poulain de Jean-Pierre Jenet. Mas ele deixa a fábula do destino de sua protagonista de lado e passa a construi-la através de seu cotidiano, e aí nos conquista. A protagonista Julie, vivida pela carismática e talentosa Renate Reinsve, vive suas dúvidas sobre carreira: começa medicina, tenta psicologia, depois se volta à fotografia sem nunca estar certa de nada.

    Também no campo amoroso: começa um relacionamento com Aksel, vivido pelo "ator alterego" de Trier: Anders Danielsen Lie, mas sempre há dúvidas pairando essa relação. Uma das principais: ter ou não filho. A diferença de cerca de 10 anos entre eles os coloca com desejos diferentes de vida: Aksel quer construir, se estabelecer e Julie ainda quer explorar, errar... E erraticamente se perde, descobre outras coisas, outras paixões, outras pessoas...

Assim é acusada de não fazer o que há de "melhor" para si e para os outros, mas nem por isso se mostra a "pior"... Talvez um pouco pueril... Aliás, a personagem parece mais jovem do que a atriz, tem um comportamento de início de vida adulta, mas a atriz imprime mais segurança e maturidade que isso (difícil pensar outra atriz no papel, mas uma mais jovem teria sido mais convincente em algumas passagens).    

    A dificuldade de não saber para onde ir de Julie parece acometer Trier também, que no ápice do filme faz uma cena epifânica, com tudo em suspenso ao redor das dúvidas de Julie (um congelamento estético da cena). 

No ponto de envolvimento em que estamos na trama, passada a sequência espetacular em que ela conhece outro rapaz, numa sedução sem nenhuma explicitude e por isso mesmo tão sexy, já estamos aderidos aos seus pensamentos e emoções, não precisava nenhuma metáfora visual tão acintosa.

    Mas também não compromete, ainda mais que na sequência veremos questões de vida e morte sendo exploradas com uma densidade suave muito envolventes.

    Um filme com ritmo, cenas e personagens agradáveis e muitas questões com as quais nos identificamos e que nos fazem pensar, merecido o reconhecimento de público e crítica que teve.

Os pecadores (Sinners) - Ryan Coogler

    Depois de dirigir os filmes da Marvel de Pantera negra, Ryan Coogler roteiriza, produz e dirige Os pecadores.

    O projeto parte de fatos reais muito duros do racismo vivido nos EUA e os metaforiza numa história de heróis e vilões. O dom, a magia, a cobiça e a disputa giram em torno da música, da qual os negros podem realmente apontar que foram vampirizados pelos brancos, mas para ultrapassar uma narrativa de ação juvenil falta mais.

    O conteúdo é bem posto e a metáfora muito interessante, mas esse potencial é desperdiçado sem que se aprofunde as personagens.

Temos o jovem Sammie (Miles Caton) bem apresentado em seu conflito de amar a música, ter o dom para executá-la, mas com sua prática ferir os valores morais de seu pai, pastor de uma pequena igreja local. 

O confronto entre a retidão da vida religiosa e a libertinagem da vida artística estão muito bem postos.

Entretanto as personagens que chegam para mover a trama, os gêmeos Smoke e Stack, vividos por Michael B. Jordan, filho do astro do basquete, trazem ação, mas não consistência à narrativa. 

    Eles saíram da região, passaram um tempo em Chicago, fizeram fortuna de maneira ilícita e obscura e voltam para tentar mudar a região, abrir seu próprio bar, espaço de refúgio para a comunidade negra. Esse parece um bom propósito, mas a violência, as histórias de afetos entrecortadas e não aprofundadas, nos deixam um pouco no ar.

    A seguir aparecem os "vilões", os brancos, representantes da Ku Klux Klan e também de vampiros da música, não apenas os blues tocados naquele bar, mas toda a música pop negra americana (há cena em que se alude de Robert Johnson a Nina Simone, de Michael Jackson a Beyonce, por exemplo).

Mas quem são esses vilões? Qual o incômodo deles? De onde vem sua força? O que a música os provoca?

Nada é muito explorado no filme, o foco fica mais na batalha de ação.

    Com exemplos distintos, de Deixa ela entrar de Thomas Alfredson, já comentado aqui, a Labirinto do Fauno de Guillerme del Toro, poderia haver inspiração para aproveitar o universo fantástico como referência ao real.

    Os negros duramente injustiçados nos EUA, os aspectos da vida dos ex-escravizados no início do século, a vida em condições precárias de servidão, o preconceito, os abusos, as violências sofridas e a maneira como a música foi um espaço de resistência para eles é uma linda premissa. A vilanização dos brancos que os perseguiram, tolheram, mataram, roubaram e saquearam também. Mas a narrativa sem um olhar cuidadoso para as personagens, o excesso de fatos, de motivações, de ações e pirotecnias desviam o olhar do espectador, atrapalham, poluem. Pode gerar surpresa e admiração em diversos aspectos, vide às indicações ao Oscar, mas talvez menos histórico (em todos os sentidos) do que poderia.

Reprise - Joachin Trier

     No primeiro longa de Joachin Trier já estava presente o potencial de sua profundidade e talento e também o potencial de uma linguagem diversa mas que também resulta muitas vezes errática e até gratuita.

    Reprise conta a história de dois jovens amigos que sonham ser escritores famosos e para isso escrevem e enviam seus manuscritos a editoras. Porém isso não basta e vamos vendo o quanto os rapazes são ingênuos e imaturos, seja naquele que não consegue a publicação, como no que consegue mas não sustenta o sucesso.

    Eles e seus outros amigos parecem garotos perdidos, que fazem piadas machistas, não sabem falar e assumir seus sentimentos e que têm a petulância juvenil dos desejos de grandeza.

    Talvez funcionem como alteregos do próprio diretor, que não se contenta em retratar a dupla principal e adensar suas questões psicológicas, ele traz várias outras personagens e faz brincadeiras de linguagem, com narrações, recortes e colagens, fazendo lembrar a linguagem dinâmica de Cédric Klapisch, que há pouco havia lançado O Albergue espanhol, já comentado aqui.

    Os protagonistas também sonham alto, querem conversar com seus ídolos literários de igual para igual e se ver na estante ao lado de Camus.

    Porém a vida é mais complexa e Trier sabe enredar os conflitos afetivos: as dificuldades dos rapazes em lidar com a amizade: o apoio, a inveja, o amor e a raiva; as dificuldades com seus namoros: assumir o amor, lidar com o ideal versus o real, se entregar; o conflito deles consigo próprios: surtos psicóticos, necessidade de distância, tempo e espaço, carência e dependência das relações... 

    Tudo isso é bem colocado e o acerto está inclusive nas medidas desequilibradas das cenas. Muitas vezes as apresentações são estranhas, as situações quase inverossímeis, mas acabam sendo tocantes na imperfeição e por isso ainda mais humanas.

    Na sequência de sua filmografia podemos acompanhar seu aprofundamento e errância, como em Oslo, 31 de agosto e Thelma, também comentados aqui.

Um cabra bom de bola - Tyree Dillihay, Adam Rosette

     Um cabra bom de bola é um filme simpático, aposta num protagonista humilde, sonhador e bem humorado e por isso muito cativante.

    Mesmo com baixa estatura ele sonha jogar Berro Ball, uma espécie de basquete jogado em quadras desafiadoras como cenários de videogame: chãos de montanha, de lava, de gelo etc.

    Ele tem seu time do coração, os Espinhosos, adorado em toda simplória cidade onde vive, mas que está em baixa. A crise do time faz com que a diretoria se abra a novas possibilidades, como testar novos jogadores.

    Assim o sonho do protagonista Cameron parece mais próximo, mas ele ainda vai ter que lidar com as vaidades de outras estrelas do time, falta de crenças, bullyings e desaforos adversários.

    O atrativo dos jogos e desse ambiente tão familiar a todos, em especial às crianças que ainda frequentam escolas e quadras é uma boa jogada. Os animais como personagens-tipo, com caricaturas para todos os gostos (o craque, o inseguro, o briguento, o vaidoso, o teimoso etc) também. E as pitadas de humor completam a receita.

    Não é um grande filme, com narrativa tão surpreendente e criativa e nem com um visual tão especial, mas certamente atrai e diverte.

A vida é uma maratona - Jeff Peixoto, Michel Souza e Thais Roque

  
    Que figura ímpar a do médico Drauzio Varella, essa é, sem dúvida, a principal mensagem do filme A vida é uma maratona.

    A narrativa que vai trazendo uma multiplicidade de temas, tempos e atividades de Drauzio tem dificuldade de acompanhar o ritmo do maratonista: seu passado como filho de imigrantes humildes, a perda precoce da mãe, os laços afetivos familiares; depois a escolha da profissão, seu propósito de vida sempre com causas nobres: das pesquisas do câncer, passando a campanhas de proteção ao HIV, o trabalho em presídios, o talento de comunicador; chegando na vida na maturidade, os casamentos, as filhas e, sim, o tema que dá título ao filme: sua paixão pela corrida.

    É muito tema, todos envolventes e interessantes, mas a maneira como os assuntos se conectam é muito direta, com cortes simples, sem tanto diálogo e rimas entre os assuntos. Somos jogados para cá e para lá e faltam momentos para mergulhos e arrebatamentos.

    Talvez o jeito tão sério e íntegro de Drauzio dificulte encontrar espaços para surpresas, para adensamentos de detalhes... E talvez tantos temas importantes também deixe pouco espaço para o prosaico, para curiosidades onde poderíamos nos conectar mais, mais intimistamente... A quantidade de assuntos pode soar ainda como excesso, já que há momentos em que nos perdemos do todo, bifurcamos em alguma questão como uma doença ou uma amizade, mas que logo é deixada por outro tema/estrada... 

    Aí parecia o desafio do roteiro, da direção, da montagem, nos levar para algum lugar além do registro dessa vida tão nobre...

    Trotamos pelos principais pontos da vida dele, somos comunicados de que sua vida é uma maratona, mas as emoções pelas subidas e descidas, pelos tropeços e conquistas chegam tímidos. 

    Merecida essa reportagem e documentação, mas poderia ser ainda mais cinematográfica, pois sua vida certamente é! Um viva a ele!

O agente secreto - Kleber Mendonça Filho

    É bonito ver um cineasta consolidar e ser reconhecido por seu cinema. Kleber Mendonça Filho faz um cinema autoral, prestigiando sua origem e sendo fiel ao seu tom narrativo, interesses e ideologias.

    Desde seus curtas está lá o Recife, também desde sempre o flerte com um humor sóbrio, com o excêntrico, com o realista inverossímil, entremeando às questões políticas, com enfrentamentos de autoridades e resistência das personagens.

    Em seu primeiro longa, O som ao redor - já comentado aqui, estava lá muito bem construído o clima e um suspense que nunca eclode; o mesmo em Aquarius, longa que lhe deu notoriedade internacional, talvez na sequência haja um pouco mais de ação e distopia mas ainda assim suas marcas se apresentam no excelente Bacurau.

    Agora Kleber volta a se conter e deixar o suspense suspenso e perene em O agente secreto. 

    Difícil descrever e definir O agente secreto, não há uma trama com arco convencional, um conflito apresentado, desenvolvido e desenrolado em um ápice. Há o clima. Há a tensão do risco e da perseguição. A ameaça dos desaparecimentos. Um contexto real da ditadura - com a época muito bem reconstituída esteticamente: na fotografia, arte, figurinos, som... E também a brincadeira com os medos fictícios das pessoas, como as lendas urbanas reais retratadas no filme.

    O filme conquista ainda por trazer personagens realistas, íntegras, afetuosas e generosas, que tentam se salvar, salvar suas famílias, amigos e pessoas que respeitam, seja o protagonista vivido por Wagner Moura e seu filho, ou a comunidade de resistência em que se ampara, como a interessantíssima personagem de Dona Sebastiana, vivida pela estreante Tânia Maria. No elenco ainda há destaques para Hermila Guedes, Alice Carvalho, entre outros.

    Em todas essas personagens vemos também as lutas pelo que elas acreditam, quando dizem não à corrupção, quando defendem seus trabalhos, quando se defendem, defendem suas vidas.   

    Por isso mesmo sendo um filme que se passa há quase 40 anos parece tão atual, pois os grupos e pessoas que tentam impor a superioridade na força e no status privilegiado seguem presentes, talvez com a maior intensidade que temos visto nos últimos anos.

    Em tempos fascistas obras que exaltem resistências são importantes.

    Mesmo que o filme não tenha reviravoltas e o protagonista pareça ter emoções contidas há material ali para ser desvendado, há o que se refletir e o que se deixar ecoar no mundo em que vivemos. 

E por isso sem parecer um filme de grande apelo, segue conquistando a todos, público e crítica. Com inúmeros prêmios mundo afora, Kleber Mendonça faz história. E que siga fazendo muitas outras!

Guerreiras do K-Pop (KPop Demon Hunters) - Chris Appelhans e Maggie Kang

      A cultura coreana tem conquistado cada vez mais espaço no mundo, tanto por aquilo que traz de específico e, portanto, diferente para o resto do mundo, como pela maneira como tem misturado elementos e se moldado num formato mais "ocidental".

    A intensidade que podemos ver em filmes de Park Chan-wook, Kim Ki-duk ou Bong Joon-ho entram em narrativas mais populares. Assim a violência que vemos na trilogia da vingança de Chan-wook aparece na série Round 6; Joon-ho traz tramas insólitas e criativas como Ki-duk, mas com mais dinamismo e pitadas de humor, podendo arrebatar públicos, como seu caso com Parasita, por exemplo. 

    Também é o caso das novelas coreanas que têm concorrido com as mexicanas e brasileiras.

    Na animação Guerreiras do K-pop, os diretores, Chris Appelhans e Maggie Kang aproveitam sua proximidade com a cultura oriental - Chris é casado com uma escritora filha de coreanos e Maggie é uma coreana criada no Canadá - e fazem uma envolvente mistura cultural no filme.

    Guerreiras do K-pop traz uma clássica luta entre bem e mal, demônios e guerreiras que lutam contra eles, de maneira bem binária, empoderando as meninas, mas as colocando em luta contra os meninos. A arma encontrada por eles: a música. 

    Uma sacada interessante e que com isso introduz e explora esse elemento cultural universal que é a música. O K-pop coreano já soube se embalar em boy's e girl's band e conquistou o mundo. No filme a luta é para que o bem conquiste o mundo através da música, que ela invada o coração das pessoas, as ilumine e proteja.

    E o filme conquista na energia das músicas e no carisma dos integrantes da banda: as meninas cada qual com sua personalidade: a tímida, atrapalhada, criativa; a impulsiva, decidida, briguenta e a vocalista/protagonista cheia de dúvidas e segredos, em busca de sua própria medida e escolhas. 

Além disso há os meninos em caricaturas de galãs, emos, provocadores... 

Esse jogo com caricaturas também é explorado em muitos momentos de humor, inclusive das protagonistas, que também são mostradas em momentos mais cotidianos de adolescentes típicas.

E a animação acompanha: 

varia o traço certinho, das personagens num mundo "barbie", com momentos fantásticos e assustadores e também aqueles mais cômicos, com traços exagerados.

    Boa trama e condução que talvez pudesse ter buscado mais ambivalências e complexidades para ficar melhor. Especialmente porque se tratando de uma obra infanto-juvenil há uma responsabilidade a mais na comunicação, assim a legião de fãs que conquistaram poderiam estar se questionando mais sobre o binarismo moral e de gênero.

Ladrões de drogas (Dope Thief) - Marcela Said, Jonathan van Tulleken, Peter Craig, Tanya Hamilton e Ridley Scott

     Ladrões de Drogas é uma minissérie em oito episódios com ritmo sedutor e começo extremamente promissor.

    Dois homens planejam e cometem crimes de maneira envolvente e apresentando uma amizade cativante.

    Faz pensar na situação dos EUA atual, em que o consumo de anfetaminas se tornou problema sério de saúde pública e se tornou uma questão gigantesca que passa a ser tema de diversas obras. Impossível não lembrar da já lendária Breaking Bad em que, além das drogas, mas também trazia uma parceria sólida, bonita e inusitada entre Walter White e Jesse Pinkan. 

    Também faz lembrar outras grandes obras audiovisuais de parceiros de crimes, com inúmeros exemplos, seja em Hollywood ou até mesmo em versões tupiniquins como o Zé Pequeno e Bené de Cidade de Deus ou Chicó e João Grilo de O Auto da compadecida.

    Aqui a dupla é muito bem encarnada por Brian Tyree Henry no lugar do protagonista e Wagner Moura como seu parceiro. O roteiro bem apresentado e a interação dos parceiros dão "molho" ao início da trama e nos conquistam para irmos adentrando ao mundo deles de crime.

    Porém eles não são bandidos profissionais, são apenas malandros tentando se dar bem e conforme o crime toma proporções maiores eles vão se enrolando.

    O mesmo acontece com a série, ela não se sustenta com os grandes crimes, vai apresentando novas personagens e motivações, ensaia uma profundidade nas personagens, suas carências e fraquezas, mas a cada episódio são tantas novidades, tantas pequenas reviravoltas que a série perde força e verossimilhança, derrapa em exageros e melodramas e perde inclusive a graça e o ritmo do começo. Uma pena, mas ainda assim, uma série acima da média.

A rainha do xadrez (Queen of chess) - Rory Kennedy

     Rory Kennedy nos traz aqui uma história muito interessante, mais do que uma pessoa excepcional e fora da curva como foi Judith Polgár, o contexto em que su habilidade surgiu e foi desenvolvida é bastante intrigante.

    O pai de Judith quis fazer um experimento com ela e suas irmãs, as expondo ao xadrez incessantemente e, tentando desenvolver essa habilidade, a vida delas se tornou um "home schooling enxadristra"...

    Isso por si só já rende um filme, faz pensar também na trajetória dos irmãos Jackson, das tenistas Williams, muito bem retratada no filme de King Richars Criando campeãs ou até mesmo de Amy Winehouse, também documentada em filme e comentada aqui.   

Além da figura obsessiva e opressora, cada vez mais popular em tempos fascistas, o filme também demonstra certas dificuldades da vida em um país comunista como a Hungria da infância de Judith: os acessos difíceis e as decisões particulares diferentes (como as do pai de Judith) sem encontrar apoio e amparo. Ao contrário, as buscas individuais eram cerceadas e limitadas e no filme vemos essa dificuldade ilustrada nas inúmeras tentativas de Judith para competir fora do país, por exemplo.

Outra questão perturbadora no documentário é o machismo: Judith era desprezada e até mesmo ridicularizada por onde passava, sobretudo pelos enxadristas homens, de quem, aliás, ela conseguiu ganhar de todos, um a um. 

Cenas constrangedoras e revoltantes pelas quais Judith foi sujeitada e que nos levam ao longo do filme a admirá-la ainda mais. Não só por sua carreira exitosa, mas por se manter afável e carismática, bonito de ver!

A estrada (The road) - John Hillcoat

     A adaptação de John Hillcoat para o livro de Cornac McCarthy, A estrada, é mais um filme sobre fim de mundo. A Terra está definhando, os recursos estão acabando e com isso as pessoas vão ficando mais selvagens e hostis.

    Há milhares de exemplos de filmes assim, de Mad Max à Cegueira, de Não olhe para cima à Melancolia, passando pelo potente Hell - já comentado aqui - ou pela série Last of us, que faz muitos paralelos com A estrada.

    Aqui a trama também se passa na relação entre um adulto cuidador e uma criança que precisa de cuidados, mas que também tem o desafio de aprender a se cuidar.

    Um pai e um filho, um cuidador zeloso e obsessivo e um menino que mistura medo, amor, vulnerabilidade mas, acima de tudo, esperança.

    Os dois acabam entrando em conflitos sobre no que e em quem acreditar: o menino quer se abrir ao mundo, quer se vincular, quer florescer, mas o pai foca apenas em se fechar e se proteger. Como espectadores podemos oscilar entre as duas posturas e ver testadas nossas emoções.

    O filme é árido como poderia ser um fim do mundo, falta vida, falta cor (parece quase em preto e branco), falta ação... Mas o que sobra parece ser o essencial. 

    Por isso que, ao final, o filme parece ser sobre a vida e a morte e mais: sobre o amor ou não amor.  Mesmo com cenas mais convencionais, somos tocados por passagens e diálogos bonitos que nos tragam para essas questões e dilemas.

Ruptura (Severance) - Dan Erickson

     Ruptura é uma série árida e muito contemporânea, traz a trama de uma equipe que trabalha na misteriosa corporação Lumon, na qual trabalham pessoas que aceitaram uma experiência de se alienarem de si mesmas, de viver uma vida alternativa naquele ambiente, sem se lembrar ou ter qualquer conexão com suas vidas "reais".

    Entretanto essa "ruptura" começa a ter falhas, algumas pessoas dentro das empresas parecem se lembrar e ter relações com a vida fora dali e algumas pessoas começam a levar lembranças e informações da empresa para fora dela.

    Há um suspense e uma investigação em relação aos fatos relacionados ao procedimento de "ruptura", que pode atrair aqueles que gostam de um bom thriller, mas há também um potencial dramático, já que cada personagem buscou romper consigo mesmo por um motivo: são lutos, decepções, questões familiares etc.

    A trama flerta com um irreal mas que simboliza certos encaminhamentos que a humanidade tem feito: a virtualidade das relações, a desconexão com os afetos, a robotização do trabalho...

    Nesse aspecto remete um pouco à proposta da série Black Mirror.

    Na estética insólita, árida e sinistra faz lembrar também a série Kidding, inclusive na direção de atores, lá com destaque para Jim Carrey. 

    Aqui o destaque vai para o protagonista vivido por Adam Scott e participações especiais de John Turturro, Christopher Walken e Patricia Arquete.

    Já na trama dramática nos faz pensar em Brilho eterno de uma mente sem lembranças, (já comentado aqui), afinal até onde pode ir nosso desejo de não lembrar? Será que vale apagar tudo para apagar uma dor? O quanto nos apagamos a nós mesmos querendo não sofrer? Optaríamos pela pílula azul do Matrix, escolhendo a alienação?   

Questões profundas e bastante interessantes, mas que se perdem e se arrastam um pouco. 

Cria-se mais expectativa do que a narrativa entrega.  Se investem e desinvestem em personagens fazendo termos uma experiência errática e irregular. Há momentos sublimes e outros gratuitos.

De qualquer forma, as questões e o clima da narrativa permanecem em nós, talvez sem rupturas possíveis...