Segredos de um escândalo (May December) - Todd Haynes

     Todd Haynes parece rodear certos tipos de drama em uma abordagem feminina. Fascinado por tramas de sedução protagonizados por mulheres, se destaca por filmes como o documentário Superstar: a história de Karen Carpenter ou as ficções Longe do paraíso, Carol e agora Segredos de um escândalo.

    Aqui Haynes parte de uma história real do envolvimento de uma mulher de mais de 30 anos com um adolescente de 14, mas tenta falar da situação de maneira indireta. É a partir da investigação de uma atriz que adaptará essa história para o cinema e que faz um laboratório passando alguns dias com a família que nos aproximamos e conhecemos as personagens.

    Elizabeth, a atriz vivida por Natalie Portman, observa todos os membros da família, ora com curiosidade, ora incredulidade, outras vezes com desprezo, e outras tantas com prazer.

    Ela parece instigada pela mulher que interpretará, a mãe de família Gracie, vivida por Juliane Moore. Gracie busca obcecadamente uma vida impecável, inclusive ditando as regras dos que vivem ao seu redor, como seu marido, quem assediou na adolescência e com quem vive há mais de 20 anos e os filhos desse casamento, que se preparam para a formatura e a saída de casa. Com os filhos mais velhos, da idade de seu marido e com os outros familiares, ela parece ter perdido credibilidade e controle e assim se mantém afastada. Também não mantém contato com outras pessoas, já que parece querer estar distante de qualquer possível julgamento que afaste sua ideia de história de amor incontornável e inabalada.

    Para Elizabeth e os espectadores fica a questão: terá sido mesmo um romance incontornável? O que significa um envolvimento entre pessoas com diferença tão grande de idade? 

    Evidentemente que podem surgir histórias de amor nesse contexto, temos exemplos públicos similares, como Caetano Veloso e Paula Lavigne, por exemplo, mas inevitável nos perguntarmos que buscas e encontros se dão nessas situações. Há um desequilíbrio brutal de interesses e influências e é preciso cuidar dos vulneráveis envolvidos e não normalizar algo tão assimétrico.

   

  No filme, o excelente trabalho de atores com um elenco primoroso, nos aproxima mais dos dilemas emocionais e morais, a maneira como Elizabeth ao mesmo tempo quer desfazer aquela farsa de família perfeita e quer abrir os olhos do rapaz para a possibilidade de uma outra vida, também se encanta com a possibilidade de exercer um poder inquestionável de sedução.

    O rapaz também, que em alguns momentos parece um adolescente acuado, em outros um adulto aprisionado, mas que por vezes parece querer se libertar.

    Gracie tem tantas camadas e tantas máscaras para si própria que não conseguimos acessá-la, ficamos com suposições e a certeza de um psiquismo frágil e muito problemático.

   Haynes faz um bom trabalho nesse sentido, nos aproxima dos desequilíbrios psíquicos das personagens sem moralismo, sem nos incitar a julgamentos pré-conceituosos, nos mergulha em um mundo viscoso, nos deixando imersos em horrores, ambiguidades e complexidades, atentos e desconfiados de qualquer traço de voyeurismo, mas empatizados e envolvidos com as personagens.

Anniversary: Mudança Radical (Anniversary) - Jan Komasa

    Anniversary traz o tema bastante atual sobre o desejo de sociedades organizadas e conservadoras que precisam deter e banir membros que não estejam dentro de padrões, porém não traz novidades nem na premissa, nem na narrativa. As personagens têm uma construção rasa e maniqueísta e, assim, não nos envolve tanto.

   

A jovem Elizabeth, se aproxima de uma família com quem já tinha contato. Está namorando o filho de sua professora de faculdade para quem havia apresentado seu projeto de nova sociedade mas por quem havia sido duramente criticada.

    O novo contato com a professora Ellen vem então cheio de ambiguidade: espera de reconhecimento por alguém que ela admira e que havia a rejeitado? Vingança pela exposição que sofreu? Tentativa de se reapresentar e ser aceita?

    Ficamos com essas questões e as vivemos ao lado de Ellen, a mãe que não se rende à educação e gentileza da nora, por quem mantem desconfiança e desprezo.

    Em paralelo vemos como os outros membros da família vão se movimentando, o pai tentando conciliar, duas irmãs a desprezando e a caçula ficando curiosa. 

    Um começo com muito potencial para desenvolver esses sonhos de sociedade e o que revelam dos afetos: as aberturas, os preconceitos, as admirações, invejas, desprezos, medos... Afetos que nos envolvem em tempos de polarizações e fascismos.

   Entretanto, ao invés de aprofundar essa construção, como obras como O conto de aia faz brilhantemente, aqui ficamos na promessa.

    O novo projeto de sociedade vai se consolidando sem que vejamos sua construção, a informação vem pronta, dada, como um anúncio e sem ser visto a partir de cenas. Ficamos em uma linguagem correta porém um pouco asséptica, talvez como o projeto dessa nova sociedade.

   

Da mesma maneira a movimentação das personagens, não vivemos uma progressão ou mudança de afetos, apenas uma radicalização do que foi anunciado, novamente vemos a protagonista Diane Lane em uma interpretação sem curvas (como em Deixe ele partir, comentado aqui) e até atrizes como Madeline Brewer, de quem temos um registro visceral por seu trabalho em Conto de aia, parece apenas uma jovem  rebelde de um jeito clichê.

    A narrativa resulta empobrecida e de certa forma gratuita. Uma pena, pois é preciso falar do fascismo e seus profundos apelos e nuances.

A terapia certa (Lo dejamos acá) - Hernán Goldfrid

     A dupla diretor - Hernánn Goldfrid e roteirista Emanuel Diez, trazem sua experiência em narrativas de gênero, num encontro do audiovisual argentino em um caráter mais pop para uma premissa com aspectos bastante interessantes: 

    A terapia certa conta sobre Ulises, um psicanalista renomado que recusa um prêmio por ter dúvidas sobre os métodos e eficiência dos atendimentos terapeuticos. 

  Assim, Ulises, vivido por Ricardo Darín, passa a testar novas maneiras de proceder, não mais exercendo a abstinência e esperando o processo moroso de emancipação e tomada de consciência por cada paciente, mas intervindo em suas vidas e provocando verdadeiros "tratamentos de choque".

    Seu principal experimento se torna um escritor, vivido por Diego Peretti, que enfrenta uma crise criativa. Ulises vai então interferir no processo do escritor, desde uma investigação de sua rotina, até chegar a se passar por ele.

    Entretanto, assim como Ulises perde a mão nas análises selvagens que faz dos seus pacientes, o diretor também perde a mão da aproximação que conquista com seus espectadores: desiste da seriedade dos temas que está tratando e passa a explorar e brincar com diferentes gêneros, da comédia ao policial, do suspense ao melodrama, sem muito critério.

    As questões psíquicas e a maneira de abordá-las que são tão instigantes e que até poderiam ser tratadas em tom cômico acabam perdendo sua importância na trama: a insegurança de uma moça que por conta de Ulises enfrenta sua mãe autoritária, uma mulher com medo de encerrar um casamento e cujo marido é instigado por Ulises a romper com ela ou o escritor que finalmente publica um livro novo após a terapia com Ulises, tudo se torna pano de fundo para uma jornada de anti-herói de Ulises.

    Mas tampouco sabemos o quanto Ulises está se perdendo, já que ele não é apresentado com profundidade em nenhum momento, o vemos solitário, acompanhamos seu afã de salvador da pátria, percebemos que ele vai passando dos limites, mas sem aferir ao certo o quanto compromete sua vida e suas relações íntimas.

    Ao final não se aproveitam as reflexões sobre aspectos ambivalentes das inseguranças, dependências e travas dos sujeitos. Não levamos adiante questionamentos sobre como nossos sintomas revelam nossa essência e, por isso, podem ser vistos como defeitos, mas também como qualidades. Explorar essa tridimensionalidade das personalidades traria mais profundidade sem que impedisse que a narrativa flertasse com o humor e com obras mais populares.

   A terapia certa mostra que um filme pode começar com muito potencial, mas terminar banal e previsível.

17 - Kosara Mitic

     São poucas as referências que nos chegam do cinema da Macedônia, mas temos a excelente referência de Antes da chuva de Milcho Manchevski. Agora recebemos aqui, na Mostra Internacional de Cinema de São Paulo o potente 17, da jovem Kosara Mitic.

    Kosara se inspira numa história real, de uma jovem universitária que deu a luz a um bebê em um banheiro público sem saber que estava grávida.

    Aqui vemos uma turma de adolescentes numa viagem de formatura da Macedônia até a Grécia, na qual desde a partida tudo parece estar ponto de fugir do controle. Faz lembrar o já clássico Kids, de Larry Clark, exibido na Mostra de 1995. 

    Para quem não conhece a cultura macedonia fica a dúvida do quão desenfreados estão seus adolescentes, se os professores e outras autoridades realmente não conseguem impor limites e se são possíveis tantas situações de violência e abusos.

    Acompanhamos tudo ao lado da protagonista Sara, vivida por Eva Kostic. A escolha da janela de exibição quadrada e os incansáveis closes na personagem tornam a narrativa extremamente intimista: suas expressões intensas de angustia, perplexidade, raiva e dor parecem sublinhadas a todo momento.

    Antes da viagem Sara sofre uma violência sexual e tem que conviver com os agressores, sem saber ao certo o que aconteceu por conta das drogas e álcool, depois tem que lidar com o bullying, as disputas afetivas e o gatilho de outros possíveis abusos.

    A ameaça de abuso também se aproxima de uma colega muito vulnerável que Sara tenta proteger, surgindo uma amizade improvável.

    O jeito hostil mas protetor de Sara nos deixa intrigados, estabelecemos uma relação ambivalente, que começa com estranhamento, mas termina com nossa empatia e emoção. Um raro exemplo de como uma abordagem crua pode itensificar nossa relação com um filme!

Margô está em apuros (Margo's got money troubles) - David E. Kelley

     David E. Kelley é um criador de séries com alguns casos de bastante sucesso como Ally McBeal e Big little lies. 

    Agora apresenta Margô está em apuros, estrelada por Elle Fanning, sua esposa Michelle Pfeiffer, Nick Offerman, Greg Kinnear e participação especial de Nicole Kidman.

    David traz a crise com a maturidade como tema central: os jovens atravessando a adultescência e os mais velhos chegando à terceira idade e se havendo com suas escolhas da vida adulta... O que estão colhendo, o que ainda podem desejar, o que de seus sonhos e ideais está sendo confrontado no novo mundo que vai se apresentando...

    O conflito inicial por onde a série gira é a gravidez e a criação do filho que nasce da jovem Margô, vivida por Fanning. Bons argumentos são colocados, desde a sedução vivida com seu professor e a maneira como ele se desresponsabiliza da questão.

    Depois acompanhamos os conflitos da convivência com um recém-nascido a adaptação à nova vida. Pontos bem apresentados mas dramatizados muito apressadamente, como se conhecer e passar pelos conflitos já fosse superá-los.    Também são colocadas questões morais nas decisões de sobrevivência, assim se fala de pornografia e casamentos de interesse, por exemplo.

      O moralismo também é confrontado quando a família do pai, que não assumiu a criança, se ofende com a maneira como a ela está sendo criada, uma temática muito interessante e bastante pertinente no Brasil, mas que não é aprofundada e vira mais um plot pelo qual a série passa sem se alongar.

    Além das saídas e soluções positivas, os conflitos e fugas ganham destaque com temática de uso de drogas e tentativa de suicídio, que mais uma vez movimentam a série, mas a mantêm na rasidade.   

    Acompanhamos com interesse, nos entretendo com sua graciosidade, mas se esperamos um pouco mais acabamos incomodados e insatisfeitos.

Aqui é o meu lugar (This must be the place) - Paolo Sorrentino

    Paolo Sorrentino é um diretor ambicioso, de temas profundos, questões universais, linguagem hermética e estética pretenciosa, que traz filmes excêntricos e singulares... Herdeiro de Fellini talvez? 

    Sorrentino começou a ganhar mais destaque com As consequências do amor, e foi consagrado com A grande beleza - já comentado aqui, pelo qual ganhou BAFTA, Globo de ouro e Oscar. Desde então seus filmes entraram no radar do público e com isso, ao invés de firmar uma linguagem, ele seguiu brincando e explorando com seus filmes.

    Por exemplo no seu mais recente A graça - também comentado aqui, mas em filmes como Aqui é o meu lugar.

    Neste filme Sorrentino cria um universo B para o mundo pop, algo que também vemos em Juventude. Ele transforma Sean Penn em um roqueiro em decadência, que vive a vida de maneira caricata e desafetada, mas no percurso se depara com a morte do pai e revelações de sua vida.

    A partir daí o roqueiro vai em busca do passado do pai, mas não com motivações claras e emocionadas, ele apenas parece ganhar um rumo para sua personalidade perdida. Os afetos seguem desencontrados, assim como as cenas e os temas apresentados.

    Não há encadeamentos organizados, nem progressão narrativa, mas há cenas graciosas, ou pela excentricidade e comicidade, ou pela ternura e singeleza. 

   Sean Penn, Frances Mc Dormand ou mesmo a participação especial de David Byrne colaboram com isso.

    Nos instigamos e nos entretemos filme adentro, mas ao final não sabemos se chegamos a muitos lugares.

The Bear - Christopher Storer

     The Bear é uma série americana com cinco temporadas, exemplar raro, no tema, na construção das personagens, na densidade, no ritmo, na estética, nas experimentações...

    Um chef de cozinha, Carmy, resolve assumir o restaurante da família - chamado The Bear - e volta a conviver não apenas com seus familiares, mas com suas memórias, em paralelo com a vivência intensa de uma cozinha de restaurante em Chicago.

    Uma história cheia de traumas, com casamentos, separações, filhos, netos, maternidades bipolares, dependências químicas, falências, depressões, suicídios... 

    Episósios com muita ação: de negociações comerciais a elaborações de cardápio, reformas a acidentes de todos os tipos, infinitas mise en places e correrias de serviço e equipes em rotatividade trazendo conflito e dinamismo à trama e às temporadas.

    A estética da série é construída com maestria: fotografia, montagem e direção envolventes e hipnóticas e um elenco fenomenal: Jeremy Allen White, Ebo Moss-Bachrach, Ayo Edebiri, Lionnel Boyce, Liza Colón-Zayas, Abby Elliot, Oliver Platt e participações pra lá de especiais como Olivia Colman, Bob Odenkirk e Jamie Lee Curtis, como a grande matriarca de toda essa confusão.

    Nos episódios, apesar da intensidade, vamos conhecendo os dramas aos poucos, acompanhando os gritos e discussões entre as personagens e só desvendando as camadas aos poucos.

    Às vezes com episódios focados nos gestos, com horas inteiras puramente plásticas, quase como videoclipes da arte de cozinhar (como Amanhã - da 3a temporada); outros como tramas de ação, em correrias desenfreadas em busca de superações (como os episódios de finais de temporadas ou quase todos da 5a temporada); e também, e o mais especial, episódios com construção de personagens de grande complexidade e profundidade.

    Estes são os episódios mais marcantes, que nos remetem a filmes como Festa de família, de Thomas Vinterberg, o recente Valor sentimental, de Joachin Trier - comentado aqui, ou exemplares mais latinos e gritados do cinema de Fellini ou Almodóvar, por exemplo.

    Destaque para os episódios Peixes - da 2a temporada e Lascas de gelo - da 3a temporada, duas obras-primas que trazem uma densidade à série arrebatadora.

    A diversidade de narrativa e estética da série é um de seus atrativos, mas também um fator de incômodo: não há linearidade para assisti-la, fica mais difícil nos enlaçarmos do início ao fim e também nos envolvermos com todas as suas camadas. Muitas vezes, em meio a acontecimentos sérios e profundos, temos personagens inverossímeis de tão patéticas, quase como se os Três patetas invadissem This is us.

    Essa dinâmica também faz com que muitos episódios sejam cansativos: ação de menos, gritaria demais, muitas repetições..

    A extensão da série em cinco temporadas também não contribui, algumas tramas patinam, vão e voltam e perdem a força, inclusive com o final de Carmy, que bifurca para um desfecho inesperado e inconsistente.

    Ainda assim é uma série excepcional e que merece ser vista e revista, ao menos nos episódios de destaque.

Três vezes adeus (Tre ciotole) - Isabel Coixet

     Diretora sensível de filmes como A vida secreta das palavras - já comentado aqui, Isabel Coixet chega com mais um exemplo de uma bela narrativa.

    Três vezes adeus começa com o término de um relacionamento e muito do que pode estar presente em um recomeço.

    

    As cenas são bonitas e realistas, com os vazios das separações, as dúvidas, arrependimentos, hesitações. Mas, para nos envolvermos ainda mais, faz falta a construção das personagens. 

    Conhecemos muito pouco da protagonista, até temos alguns relatos dos defeitos dela, dados pelo ex, mas as qualidades... Vemos dois homens com interesses por ela, mas pelo que exatamente?

    Como nos aproximar e nos apaixonar e desapaixonar também por ela sem conhecê-la?

      E como nos comover mais quando ela adoece?

    Maravilhoso filmes que contam dos detalhes, que mostram os cotidianos, mas ainda mais brilhantes quando nas pequenezas há profundidade... Como na trilogia do Amanhecer de Linklater ou filmes como A pior pessoa do mundo - também comentado aqui - que tem uma narrativa com algumas semelhanças a Três vezes adeus.   

    Ainda assim, aqui temos cenas de extrema sensibilidade e muito emocionantes, com destaque justamente para as despedidas. Mesmo com arestas, um filme que vale muito a pena para pensarmos no amor, na amizade, na vida, na morte, transcendências...

Democracia em vertigem - Petra Costa

     Democracia em Vertigem é o terceiro longa de Petra Costa, que em sua trajetória foi encontrando um lugar para elaborar seus afetos e olhar para o mundo. 

    Fosse sobre seus avós, como no curta de estreia Olhos de Ressaca; em seu primeiro longa Elena, em que faz uma elaboração da morte de sua própria irmã; na troca com outros artistas e na documentação cruzada sobre a montagem de uma peça e a gestação de uma criança como em Olmo e a gaivota; ou aqui pra falar da passagem de vida de um país...

    Em 2013, como muitos que viram manifestações crescerem no Brasil, em quantidade e intensidade, Petra começou a se inquietar. A inquietação cresceu e foi tomando forma quando foi se preparando um golpe, dado com o impeachment da presidente Dilma em 2016.

    Ali Petra se dispôs a documentar o momento, entendendo como uma guinada histórica na jovem retomada da democracia brasileira após décadas de ditadura.

    Uma das inspirações de Petra foi A Batalha do Chile, de Patrício Guzmán, que também na época se viu perdido, angustiado, mas buscando ações frente a ações funestas. Ele documentou diferentes pessoas de distintos grupos e regiões para dar um panorama da luta que se armava.

    Petra fez o mesmo, saiu dando rajadas de registros em todo tipo de evento político: manifestações pró-impeachment, anti-golpe, entrevistas com pessoas comuns, com partidários, apartidários, com políticos, com artistas, consigo própria...

    Assim como nos outros filmes, buscou paralelos pessoais e, vinda de uma família influente no país, se pôs em cena, mais uma vez trazendo sua voz como fio condutor.

    Esse recurso pode parecer pueril para alguns, mas diz de uma implicação e disposição cada vez mais necessárias.

    A década seguinte chegou com mais riscos e erosões, o acordo dito em 2016 que envolveria diferentes estratos da sociedade, multi partidos e "com o supremo, com tudo" foi colocado no ventilador, a política para a maior parte da sociedade foi até assassinada - como apurou o jornalista Tomás Chiaverini em podcast. Em grande parte dos cidadãos se chega em 2026 com uma perplexidade e descrença num futuro.

    Petra fala em 2019 de uma democracia em vertigem, olha para o passado recente, contextualiza brevemente dentro da história do país e nos deixa com certa náusea e bambeamento com sua vertigem.

     Fala do passado de exploração desde a vinda dos portugueses para a região, das famílias beneficiadas, da expansão do país, da construção de Brasília, da organização da política, dos movimentos contra oligárquicos, da luta da classe trabalhadora, das disputas presenciais de Lula, de seus governos, de sua sucessão, de sua derrocada...

    Seu filme seguinte Apocalipse nos trópicos, de 2024, traz no título uma palavra que nos remete a fim do mundo, mas que também significa desvendamento, mas em 2026 fica difícil saber para onde olhar... 

    Temos um medo do futuro generalizado, que produz ao redor uma ascenção do desejo de olhar para si, de se proteger e assim vemos movimentos de extrema direita ganharem força e, por outro lado, para aqueles que sonham com projetos mais amplos - democracia talvez? socialismo ainda? anarquias? Que trilha pode haver? Como lutar por uma ética e por ideais de justiça em sociedade? Como sonhar?

    Não há respostas claras. 

    A democracia passa por ambivalências e certezas são armadilhas extremistas. E, na dificuldade de se sonhar conjuntamente, certamente um caminhos é passar por um olhar sob si e aí o valor de obras como essa.

Deixe ele partir (Let him go) - Thomas Bezucha

     Sempre há espaço para filmes de perdas em família pois há tanto para se elaborar com essas dores, que podemos compartilhar diferentes narrativas e ainda nos envolver, emocionar e surpreender.   

    E em Deixe ele partir há uma situação bastante interessante: do neto de um filho que falece e que vai morar com a mãe e seu novo marido. Mas a vida da nova família se coloca distante e a vó paterna quer se manter perto, também como uma reparação pela perda do filho. 

    Entretanto o que poderia ser um filme da intensidade na sutileza, do desvendamento sobre o vazio, se torna um filme sobre obstinação e orgulhos, numa busca e perseguição pelo paradeiro da criança.

    Um embate entre esses dois avós paternos, protagonizados por Diane Lane e Kevin Costner, e uma família rústica e embrutecida pelas adversidades da vida nos anos 60 em regiões remotas dos Estados Unidos.

    O filme parece querer dialogar com o universo do faroeste de Clint Eastwood, mas não nos aproxima o suficiente desses corações e mentes. As personagens estão mal construídas, não hesitam, não têm nuances... E assim não chegamos a lugares sublimes como Clint no coloca, por exemplo com o romance de As pontes de Madison, com o hermitão de Gran Torino ou o pai angustiado e em luto de Sobre meninos e lobos. (Filme recente que se aproxima mais desse lugar talvez seja o bonito Sonhos de trem também comentado aqui).

    Deixe ele partir ameaça emocionar e instigar, mas fica em um lugar intermediário, traz uma boa premissa, um contexto interessante, inclusive abordando atrocidades imputadas aos indígenas americanos e os machismos da época, mas se perde no caminho.

O convite (The invite) - Olivia Wilde

    Sucesso de público e crítica, O Convite, o novo longa da experiente atriz e recém diretora Olivia Wilde é interessante e agradável.

    Agradável porque tem tom de comédia e interessante porque traz questões importantes como o desejo e o convite ao desejo. E não apenas no fato concreto de um convite de ménage sexual, mas na amplitude dessa palavra: de por onde investimos, como nos relacionamos, o que reivindicamos, com o que nos comprometemos, como balanceamos nossas pulsões e encaminhamos nossos afetos e nossas decisões de vida.

    Aqui, no casal em crise vivido pela própria Olivia Wilde e por Seth Rogen, que após muitos anos de casamento, a filha já adolescendo e a meia idade se instalando vêm questões como frustrações com os caminhos tomados. 

    As escolhas implicam perdas e ganhos e é um árduo processo se haver com isso. E quando não há honestidade, uma  "auto-honestidade", fica fácil se acomodar, culpabilizar os outros, a vida, o destino, o parceiro (como o marido faz) ou tentar ignorar e fingir que tudo está nos "conformes" (como a esposa faz).

        

    E um outro casal, vivido por Penélope Cruz e Edward Norton, entra aqui mais do que para convites eróticos, mas como um novo olhar para o que está presente, para o que está em jogo na cena. 

    Com perguntas simples e honestas fazem com que eles - e nós - olhemos os porquês as coisas estão como estão e por que não aceitar ou mudar.

    Para o próprio espectador, que é um tanto levado a olhar para aquele casal de maneira cristalizada, já que também é uma direção que tende à comédia e à construção de personagens com certo ar caricato, as intervenções feitas por essas personagens disruptivas, surpreendentes e sedutoras também nos impactam e arejam nosso olhar, convocando a novos pontos de vista e direções.

    Nos vemos por um lado no íntimo, como em narrativas entre quatro paredes de casais como a série recente Cenas de um casamento ou Deus da Carnificina - já comentado aqui, ao qual lembramos muito por também ser uma adaptação de peça de teatro e também ser feita em apenas um apartamento e com dois casais. E por outro lado nos vemos convidados a explorar os desejos e sonhar com o que pode estar fora... Seja o passado deles que os levou ali, seja novas decisões e escolhas que podem surgir.

    Assim, O Convite é mesmo um convite, sem tanta densidade e dramaticidade, mas com a profundidade do cotidiano e da atualidade árida e isolada em que vivemos.

Blue Jay - Alex Lehmann

     Projeto de autoria de Mark Duplass, que também protagoniza o filme ao lado de Sarah Paulson, e que foi dirigido por Alex Lehman.

    Lehman constroi bem a nostalgia e intensidade de um reencontro entre dois ex-namorados quase vinte anos depois. Em aspectos desde a escolha de trilhas ou a fotografia em preto e branco, até o ritmo bem realista...

    O filme começa devagar, como um reencontro estranho e vamos aos poucos entendendo quem são aquelas personagens e, principalmente, entendendo a relação entre elas. 

    Como em outros filmes de encontros e reencontros, por exemplo a trilogia de Richard Linklater Antes do Amanhecer/Por do sol/Meia-noite - já comentados aqui - ou o recente Vidas Passadas de Celine Song, Blue Jay vai nos envolvendo nos diálogos, olhares e silêncios. 

    A história desses ex-namorados de colégio, que voltam à cidade natal por circunstâncias distintas no mesmo momento, e que tiveram trajetórias bem diferentes no campo profissional e emocional vai sendo compartilhada por eles e com o público.

    E a delicadeza e densidade com que trabalha os fatos, ora em cenas prosaicas e graciosas, ora com confissões profundas, faz com que o filme entregue muito mais do que uma história do que poderia ou não ter acontecido, mas uma história de como as vivências, enamoramentos e traumas seguem conosco, como as reelaboramos ou recalcamos para dar sequência às nossas vidas, mas elas seguem fazendo parte de nós.

A última casa (The last house) - Louis Leterrier

     Louis Leterrier tem destaque por filmes de ação como Transformers e Hulk, mas aqui vai para um gênero mais de suspense.

    A última casa apresenta um fenômeno em que as pessoas ficam trancadas em casa sem conseguir sair, uma espécie de fim de mundo intimista. O filme então se foca em uma dessas casas e a vida de sua família em confinamento.

    As cenas vão desde cotidianos que nos remetem aos tempos de pandemia com gestos de cuidados com higiene e racionamento, até alusões a algo mais transcendente e fantástico, como a ameaça de zumbis ou alienígenas.

   

    Dialoga, nesse sentido, com produções recentes como Last of us ou O eternauta. Mas o que poderia ser um diferencial atrativo, que é a intimidade de uma família (vivida por bons atores como Wagner Moura e Greta Lee), não é bem construída. 

    As personagens são rasas e não têm nuances, a gradação de emoções por que cada um passa não tem a dimensão da passagem de anos e dificuldade de sobrevivência.    

    Leterrier compensa a falta de conflito psíquicos com cenas de ação, mas que também não são tão bem justificadas e acabam perdendo nossa adesão à trama.  Muita tensão e expectativa é semeada, mas não frutifica como poderia.

Nem tudo é paz e amor - Betão Aguiar

     O documentarista Betão Aguiar traz com Nem tudo é paz e amor uma narrativa ao mesmo tempo pessoal e excêntrica, mas que pode transcender e ecoar de diferentes maneiras.

    Com depoimentos de filhos de ícones da contracultura brasileira, partindo dele mesmo, filho de Paulinho Boca de Cantor dos Novos Baianos e da produtora Marília Aguiar, que também estão presentes no filme. Fala também com outros filhos da banda, como Sarah Sheeva, filha de Baby e Pepeu Gomes ou Ciça Morais, filha de Morais Moreira. Além deles marcam os depoimentos de Moreno Veloso, Anelis Assumpção, Beto Lee, entre outros.

    A riqueza dessa lista se expressa nas experiências que eles narram e sua complexidade: a dificuldade de lidar com uma infância em que presenciavam a efervescência cultural de seus pais e parceiros e a dificuldade com a falta de rotina e a convivência íntima com sexo, drogas e mpb'n'roll...

    A densidade já vem nas cenas iniciais, com um super 8 de crianças pequenas fumando cigarros como se fosse uma bricadeira.

    E a partir daí as questões se desdobram em depoimentos, como Moreno Veloso falando de voltas da escola com sua casa com artistas do nível de Tom Jobim e João Gilberto tocando e no ambiente ao lado cenas muito impróprias.

    Sarah Sheeva também impacta contando de sua aproximação com a igreja, de quando ela foi a um culto e descobriu um lugar em que era permitido chorar, em que não precisava ser feliz o tempo todo, como na comunidade em que crescia com os Novos Baianos. Ela conta dessa descoberta e da valorização de regras e "conservações" que a fizeram se tornar pastora e ir na direção contrária a toda transgressão dos pais.

    No filme vão sendo pautados os costumes e os conflitos parentais presentes, mas que se dão em qualquer família: até onde devemos com nossos filhos limitar, liberar, proibir, proibir a proibição...?   

    A investigação vai aida aonde está o amor em tudo isso: o que é sobre os pais e seus próprios narcisismos colocado na outra geração e o que tem de experimentação numa busca de um mundo melhor, diferente, com novos parâmetros... 

    Até onde os pais devem experimentar e o quanto com isso proporcionam descobertas ou o quanto com isso deixam de olhar seus filhos e o que eles estão demandando, o quanto suas ideologias de um futuro podem descuidar do presente. O presente pulsante que é dado pela infância.

    Nem tudo é paz e amor traz temas e não se dispõe a fechá-los, talvez traga inclusive questões demais, numa narrativa que em alguns momentos parece faltar direcionamento.

    Por exemplo, Anelis Assumpção com o debate importantíssimo sobre a diferença da recepção de uma postura transgressora de brancos ou pretos.

    Também cenas anedóticas, de crianças que tinham a liberdade de escolherem seus nomes e assim ficavam sem uma alcunha por muito tempo - e, no caso, após tanta indefinicação, terminando com o nome "Maria".

    Mas essa narrativa meio fluida e em momentos perdida também compõe o aspecto libertário e vamos seguindo e nos envolvendo, embalados por uma excelente trilha musical...

O Drama (The drama) - Kristoffer Borgli

   O norueguês Kristoffer Borgli começou sua carreira na Europa, mas passou a ser mais conhecido em sua fase americana, com seu longa O homem dos teus sonhos.

    Agora, na sequência, estreia O drama, com os "jovens" baladados Zendaya, Robert Pattinson, Alana Haim e Mamoudou Athie.

    Borgli investe no carisma melancólico de Pattinson, velho conhecido de jovens já de outras gerações por conta de Crepúsculo e que tem aparecido em filmes mais sérios nos últimos anos. E no magnetismo potente de Zendaya, que ficou conhecida ao protagonizar a série Euphoria, mas que também seguiu a carreira em filmes mais sérios, como Rivais.

    

    De um filme mais clichê de encontro amoroso, com jovens desajustados e tímidos começando a se relacionar e se apaixonando pelas qualidades e defeitos graciosos um do outro, passa a um filme com traumas e questões culturais - personagens com passados marcados por bullyings, uso de armas, uso de drogas, planejamentos de ataques terroristas, pais ausentes, pais conservadores, amigos hipócritas...

     Interessante ver como a trama se desdobra e revela da relação dos americanos com esses temas por exemplo minimizando bullyings e/ou tendo reações terroristas.

    O Drama quase vira um drama menor e repetitivo, mas sabe dosar a ironia e o humor e costura tudo com ritmo, chegando num bom resultado.

Cabo do medo - Martin Scorcese / Nick Antosca

    Cabo do medo foi um filme de muita potência e impacto, filmado por Martin Scorcese em 1991 e estrelado por Robert de Niro, Jessica Lange, Nick Nolte e uma jovem Juliette Lewis.

    O suspense baseado no livro de John D. MacDonald apresenta Max, um homem que sai da prisão após cumprir uma pena de 14 anos que poderia não ter sido sentenciada com as provas que seu advogado retem, ele se aproxima então da família do advogado e nos deixa na tensão de se haverá uma vingança e qual poderá ser.

 Com essa premissa envolvente, atores talentosos e uma direção precisa, o filme é uma experiência muito eletrizante.

   

    Portanto, o projeto de transformar Cabo do medo em série soa promissor e a aposta de Nick Atosca, com sua experiência em filmes de suspense e terror lhe dava crédito. E ele soube explorar muito bem a estética, não só no elenco, mas também na trilha e fotografia.

    Há espaço na trama para: se contar mais do que Max pode ter vivido na prisão, nos aproximarmos mais da família e, com isso, vivermos mais de perto toda a tensão com o reaparecimento dele...

    Os primeiros episódios são envolventes, principalmente com a figura de Javier Barden que realmente se destaca em sua atuação. 

    Entretanto, com o decorrer dos episódios, a série não se contenta em adensar a história daquelas personagens, traz outras - irmãos, filhos, exs, amantes, colegas de trabalho, de escola etc. E a cada nova personagem há novos elementos e possíveis tragédias.

    Todas as personagens se desequilibram: são ou vulneráveis demais, ou descontroladamente agressivas, têm motivos para vinganças e assassinatos e nos deixam apreensivos e desconfiados.

   

    Mas o pior é não ter personagens afetuosas, elas não parecem verdadeiras, há uma frieza e desconfiança que paira no ar, uma desumanização que pode ser interessante para manter um suspense, mas não para trazer verossimilhança e empatizarmos. Não somos instigados a querer entender essas pessoas e torcer por elas, não há chance de adensarmos em suas psiques e o terror psicológico resulta frágil. Assim, a série traz vários acréscimos, mas acaba perdendo muito no caminho.

O Diário de Pilar na Amazônia - Eduardo Vaisman / Rodrigo Van Der Put

     Flávia Lins sempre foi uma escritora interessada em viajar, tanto por diferentes países, como pelo mundo de fantasia das crianças. Assim, trabalhou como roteirista em projetos como Caça talentos e Sítio do picapau amarelo, até chegar em sua série de livros Diário de Pilar...

    Num dispositivo similar ao de Lucas Silva e Silva em O mundo da Lua, Pilar tem uma rede mágica para poder mergulhar em outros mundos...

    A primeira experiência foi na Grécia, podendo trazer não apenas uma outra geografia, mas muito de história e cultura, especialmente sua mitologia...

    Com o sucesso do primeiro livro, Pilar passou a viajar por outros países e sua segunda experiência foi pela Amazônia.

    Assim, Eduardo Vaisman e Rodrigo Van Der Put aproveitaram a proximidade regional para produção e decidiram fazer a adaptação pro cinema...

    Com inteligência artificial e efeitos especiais para as cenas de magia (gatinho de estimação de Pilar ou seres do folclore brasileiro como o Curupira), puderam dar brilho à narrativa. Mas o principal do filme está na trama bem amarrada, com desafios e objetivos bem definidos, de valores nobres a serem defendidos (aqueles que querem defender a natureza versus os que têm ambições destruidoras), situações de aventura, suspense e conquistas, está tudo ali bem dosado e costurado.

    O que poderia conquistar mais no filme é a construção de personnagens e o elenco, com mais carisma dos atores - inclusive da própria Pilar, e uma direção menos caricatural, como Dr Ernesto, vivido por Marcelo Adnet, que está tão exagerado que suas habilidades de vozes e corpo ficam estriônicas. Uma personagem como a de Zé Minhoca, que oscila entre a ganância, o medo e a compaixão por quem vai atacar acaba sendo mais interessante e talvez pudessem ensinar mais às crianças que, como todo mundo, não são sempre boas ou más. Afinal, para sermos "bonzinhos", temos que lidar com nossos defeitos...

    Mas o filme funciona e mostra seu potencial para se desdobrar em série como os livros... Que venham as próximas viagens!

Minions & Monsters - Pierre Coffin

     Os Minions já se tornaram personagens bastante conhecidos dos sucessos das animações de Meu malvado favorito e em filmes próprios deles. 

    Aqui temos mais uma trama com essas criaturas carismática e politicamente incorretas. Embora em alguns momentos violentas demais, o que em um filme infantil poderia ser melhor cuidado (por exemplo o caso da cena do vilão sendo empalado).

    Em Minions & Monsters acompanhamos outra vez a saga da turma de Minions para encontrar um vilão a quem servir e idolatrar. Neste caso, além de exemplos monstruosos e brincadeiras com o imaginário de múmias, monstros das cavernas, bruxos, ETs, acompanhamos menções históricas das referências. Não só dos vilões, mas até de armas, como os legos que ao serem pisados são capazes de aniquilar uma personagem... (que pai de criança pequena não tem uma lembrança similar?).

    Cenas que dialoguem com os adultos, especialmente os pais, é uma preocupação cada vez mais presente nos filmes infantis, que buscam nas trilhas e panos de fundo atrativos para maiores de 18.

    Entretanto neste filme há um excesso de referências. Além das históricas, há menções específicas a filmes icônicos da história do cinema, só que não os pops e clássicos, mas alguns menos conhecidos. Talvez referências triviais para o diretor francês Pierre Coffin, mas que se tornam citações cifradas e que poluem a trama. Entre os Minions, fica um filme certamente de malvados menos favoritos...