Os pecadores (Sinners) - Ryan Coogler

    Depois de dirigir os filmes da Marvel de Pantera negra, Ryan Coogler roteiriza, produz e dirige Os pecadores.

    O projeto parte de fatos reais muito duros do racismo vivido nos EUA e os metaforiza numa história de heróis e vilões. O dom, a magia, a cobiça e a disputa giram em torno da música, da qual os negros podem realmente apontar que foram vampirizados pelos brancos, mas para ultrapassar uma narrativa de ação juvenil falta mais.

    O conteúdo é bem posto e a metáfora muito interessante, mas esse potencial é desperdiçado sem que se aprofunde as personagens.

Temos o jovem Sammie (Miles Caton) bem apresentado em seu conflito de amar a música, ter o dom para executá-la, mas com sua prática ferir os valores morais de seu pai, pastor de uma pequena igreja local. 

O confronto entre a retidão da vida religiosa e a libertinagem da vida artística estão muito bem postos.

Entretanto as personagens que chegam para mover a trama, os gêmeos Smoke e Stack, vividos por Michael B. Jordan, filho do astro do basquete, trazem ação, mas não consistência à narrativa. 

    Eles saíram da região, passaram um tempo em Chicago, fizeram fortuna de maneira ilícita e obscura e voltam para tentar mudar a região, abrir seu próprio bar, espaço de refúgio para a comunidade negra. Esse parece um bom propósito, mas a violência, as histórias de afetos entrecortadas e não aprofundadas, nos deixam um pouco no ar.

    A seguir aparecem os "vilões", os brancos, representantes da Ku Klux Klan e também de vampiros da música, não apenas os blues tocados naquele bar, mas toda a música pop negra americana (há cena em que se alude de Robert Johnson a Nina Simone, de Michael Jackson a Beyonce, por exemplo).

Mas quem são esses vilões? Qual o incômodo deles? De onde vem sua força? O que a música os provoca?

Nada é muito explorado no filme, o foco fica mais na batalha de ação.

    Com exemplos distintos, de Um drink no inferno de Robert Rodriguez à Deixa ela entrar de Thomas Alfredson, já comentado aqui, passando pelo Labirinto do Fauno de Guillerme del Toro, poderia haver inspiração para aproveitar o universo fantástico como referência ao real.

    Os negros duramente injustiçados nos EUA, os aspectos da vida dos ex-escravizados no início do século, a vida em condições precárias de servidão, o preconceito, os abusos, as violências sofridas e a maneira como a música foi um espaço de resistência para eles é uma linda premissa. A vilanização dos brancos que os perseguiram, tolheram, mataram, roubaram e saquearam também. Mas a narrativa sem um olhar cuidadoso para as personagens, o excesso de fatos, de motivações, de ações e pirotecnias desviam o olhar do espectador, atrapalham, poluem. Pode gerar surpresa e admiração em diversos aspectos, vide às indicações ao Oscar, mas talvez menos histórico (em todos os sentidos) do que poderia.

Reprise - Joachin Trier

     No primeiro longa de Joachin Trier já estava presente o potencial de sua profundidade e talento e também o potencial de uma linguagem diversa mas que também resulta muitas vezes errática e até gratuita.

    Reprise conta a história de dois jovens amigos que sonham ser escritores famosos e para isso escrevem e enviam seus manuscritos a editoras. Porém isso não basta e vamos vendo o quanto os rapazes são ingênuos e imaturos, seja naquele que não consegue a publicação, como no que consegue mas não sustenta o sucesso.

    Eles e seus outros amigos parecem garotos perdidos, que fazem piadas machistas, não sabem falar e assumir seus sentimentos e que têm a petulância juvenil dos desejos de grandeza.

    Talvez funcionem como alteregos do próprio diretor, que não se contenta em retratar a dupla principal e adensar suas questões psicológicas, ele traz várias outras personagens e faz brincadeiras de linguagem, com narrações, recortes e colagens, fazendo lembrar a linguagem dinâmica de Cédric Klapisch, que há pouco havia lançado O Albergue espanhol, já comentado aqui.

    Os protagonistas também sonham alto, querem conversar com seus ídolos literários de igual para igual e se ver na estante ao lado de Camus.

    Porém a vida é mais complexa e Trier sabe enredar os conflitos afetivos: as dificuldades dos rapazes em lidar com a amizade: o apoio, a inveja, o amor e a raiva; as dificuldades com seus namoros: assumir o amor, lidar com o ideal versus o real, se entregar; o conflito deles consigo próprios: surtos psicóticos, necessidade de distância, tempo e espaço, carência e dependência das relações... 

    Tudo isso é bem colocado e o acerto está inclusive nas medidas desequilibradas das cenas. Muitas vezes as apresentações são estranhas, as situações quase inverossímeis, mas acabam sendo tocantes na imperfeição e por isso ainda mais humanas.

    Na sequência de sua filmografia podemos acompanhar seu aprofundamento e errância, como em Oslo, 31 de agosto e Thelma, também comentados aqui.

Um cabra bom de bola - Tyree Dillihay, Adam Rosette

     Um cabra bom de bola é um filme simpático, aposta num protagonista humilde, sonhador e bem humorado e por isso muito cativante.

    Mesmo com baixa estatura ele sonha jogar Berro Ball, uma espécie de basquete jogado em quadras desafiadoras como cenários de videogame: chãos de montanha, de lava, de gelo etc.

    Ele tem seu time do coração, os Espinhosos, adorado em toda simplória cidade onde vive, mas que está em baixa. A crise do time faz com que a diretoria se abra a novas possibilidades, como testar novos jogadores.

    Assim o sonho do protagonista Cameron parece mais próximo, mas ele ainda vai ter que lidar com as vaidades de outras estrelas do time, falta de crenças, bullyings e desaforos adversários.

    O atrativo dos jogos e desse ambiente tão familiar a todos, em especial às crianças que ainda frequentam escolas e quadras é uma boa jogada. Os animais como personagens-tipo, com caricaturas para todos os gostos (o craque, o inseguro, o briguento, o vaidoso, o teimoso etc) também. E as pitadas de humor completam a receita.

    Não é um grande filme, com narrativa tão surpreendente e criativa e nem com um visual tão especial, mas certamente atrai e diverte.

A vida é uma maratona - Jeff Peixoto, Michel Souza e Thais Roque

  
    Que figura ímpar a do médico Drauzio Varella, essa é, sem dúvida, a principal mensagem do filme A vida é uma maratona.

    A narrativa que vai trazendo uma multiplicidade de temas, tempos e atividades de Drauzio tem dificuldade de acompanhar o ritmo do maratonista: seu passado como filho de imigrantes humildes, a perda precoce da mãe, os laços afetivos familiares; depois a escolha da profissão, seu propósito de vida sempre com causas nobres: das pesquisas do câncer, passando a campanhas de proteção ao HIV, o trabalho em presídios, o talento de comunicador; chegando na vida na maturidade, os casamentos, as filhas e, sim, o tema que dá título ao filme: sua paixão pela corrida.

    É muito tema, todos envolventes e interessantes, mas a maneira como os assuntos se conectam é muito direta, com cortes simples, sem tanto diálogo e rimas entre os assuntos. Somos jogados para cá e para lá e faltam momentos para mergulhos e arrebatamentos.

    Talvez o jeito tão sério e íntegro de Drauzio dificulte encontrar espaços para surpresas, para adensamentos de detalhes... E talvez tantos temas importantes também deixe pouco espaço para o prosaico, para curiosidades onde poderíamos nos conectar mais, mais intimistamente... A quantidade de assuntos pode soar ainda como excesso, já que há momentos em que nos perdemos do todo, bifurcamos em alguma questão como uma doença ou uma amizade, mas que logo é deixada por outro tema/estrada... 

    Aí parecia o desafio do roteiro, da direção, da montagem, nos levar para algum lugar além do registro dessa vida tão nobre...

    Trotamos pelos principais pontos da vida dele, somos comunicados de que sua vida é uma maratona, mas as emoções pelas subidas e descidas, pelos tropeços e conquistas chegam tímidos. 

    Merecida essa reportagem e documentação, mas poderia ser ainda mais cinematográfica, pois sua vida certamente é! Um viva a ele!

O agente secreto - Kleber Mendonça Filho

    É bonito ver um cineasta consolidar e ser reconhecido por seu cinema. Kleber Mendonça Filho faz um cinema autoral, prestigiando sua origem e sendo fiel ao seu tom narrativo, interesses e ideologias.

    Desde seus curtas está lá o Recife, também desde sempre o flerte com um humor sóbrio, com o excêntrico, com o realista inverossímil, entremeando às questões políticas, com enfrentamentos de autoridades e resistência das personagens.

    Em seu primeiro longa, O som ao redor - já comentado aqui, estava lá muito bem construído o clima e um suspense que nunca eclode; o mesmo em Aquarius, longa que lhe deu notoriedade internacional, talvez na sequência haja um pouco mais de ação e distopia mas ainda assim suas marcas se apresentam no excelente Bacurau.

    Agora Kleber volta a se conter e deixar o suspense suspenso e perene em O agente secreto. 

    Difícil descrever e definir O agente secreto, não há uma trama com arco convencional, um conflito apresentado, desenvolvido e desenrolado em um ápice. Há o clima. Há a tensão do risco e da perseguição. A ameaça dos desaparecimentos. Um contexto real da ditadura - com a época muito bem reconstituída esteticamente: na fotografia, arte, figurinos, som... E também a brincadeira com os medos fictícios das pessoas, como as lendas urbanas reais retratadas no filme.

    O filme conquista ainda por trazer personagens realistas, íntegras, afetuosas e generosas, que tentam se salvar, salvar suas famílias, amigos e pessoas que respeitam, seja o protagonista vivido por Wagner Moura e seu filho, ou a comunidade de resistência em que se ampara, como a interessantíssima personagem de Dona Sebastiana, vivida pela estreante Tânia Maria. No elenco ainda há destaques para Hermila Guedes, Alice Carvalho, entre outros.

    Em todas essas personagens vemos também as lutas pelo que elas acreditam, quando dizem não à corrupção, quando defendem seus trabalhos, quando se defendem, defendem suas vidas.   

    Por isso mesmo sendo um filme que se passa há quase 40 anos parece tão atual, pois os grupos e pessoas que tentam impor a superioridade na força e no status privilegiado seguem presentes, talvez com a maior intensidade que temos visto nos últimos anos.

    Em tempos fascistas obras que exaltem resistências são importantes.

    Mesmo que o filme não tenha reviravoltas e o protagonista pareça ter emoções contidas há material ali para ser desvendado, há o que se refletir e o que se deixar ecoar no mundo em que vivemos. 

E por isso sem parecer um filme de grande apelo, segue conquistando a todos, público e crítica. Com inúmeros prêmios mundo afora, Kleber Mendonça faz história. E que siga fazendo muitas outras!

Guerreiras do K-Pop (KPop Demon Hunters) - Chris Appelhans e Maggie Kang

      A cultura coreana tem conquistado cada vez mais espaço no mundo, tanto por aquilo que traz de específico e, portanto, diferente para o resto do mundo, como pela maneira como tem misturado elementos e se moldado num formato mais "ocidental".

    A intensidade que podemos ver em filmes de Park Chan-wook, Kim Ki-duk ou Bong Joon-ho entram em narrativas mais populares. Assim a violência que vemos na trilogia da vingança de Chan-wook aparece na série Round 6; Joon-ho traz tramas insólitas e criativas como Ki-duk, mas com mais dinamismo e pitadas de humor, podendo arrebatar públicos, como seu caso com Parasita, por exemplo. 

    Também é o caso das novelas coreanas que têm concorrido com as mexicanas e brasileiras.

    Na animação Guerreiras do K-pop, os diretores, Chris Appelhans e Maggie Kang aproveitam sua proximidade com a cultura oriental - Chris é casado com uma escritora filha de coreanos e Maggie é uma coreana criada no Canadá - e fazem uma envolvente mistura cultural no filme.

    Guerreiras do K-pop traz uma clássica luta entre bem e mal, demônios e guerreiras que lutam contra eles, de maneira bem binária, empoderando as meninas, mas as colocando em luta contra os meninos. A arma encontrada por eles: a música. 

    Uma sacada interessante e que com isso introduz e explora esse elemento cultural universal que é a música. O K-pop coreano já soube se embalar em boy's e girl's band e conquistou o mundo. No filme a luta é para que o bem conquiste o mundo através da música, que ela invada o coração das pessoas, as ilumine e proteja.

    E o filme conquista na energia das músicas e no carisma dos integrantes da banda: as meninas cada qual com sua personalidade: a tímida, atrapalhada, criativa; a impulsiva, decidida, briguenta e a vocalista/protagonista cheia de dúvidas e segredos, em busca de sua própria medida e escolhas. 

Além disso há os meninos em caricaturas de galãs, emos, provocadores... 

Esse jogo com caricaturas também é explorado em muitos momentos de humor, inclusive das protagonistas, que também são mostradas em momentos mais cotidianos de adolescentes típicas.

E a animação acompanha: 

varia o traço certinho, das personagens num mundo "barbie", com momentos fantásticos e assustadores e também aqueles mais cômicos, com traços exagerados.

    Boa trama e condução que talvez pudesse ter buscado mais ambivalências e complexidades para ficar melhor. Especialmente porque se tratando de uma obra infanto-juvenil há uma responsabilidade a mais na comunicação, assim a legião de fãs que conquistaram poderiam estar se questionando mais sobre o binarismo moral e de gênero.

Ladrões de drogas (Dope Thief) - Marcela Said, Jonathan van Tulleken, Peter Craig, Tanya Hamilton e Ridley Scott

     Ladrões de Drogas é uma minissérie em oito episódios com ritmo sedutor e começo extremamente promissor.

    Dois homens planejam e cometem crimes de maneira envolvente e apresentando uma amizade cativante.

    Faz pensar na situação dos EUA atual, em que o consumo de anfetaminas se tornou problema sério de saúde pública e se tornou uma questão gigantesca que passa a ser tema de diversas obras. Impossível não lembrar da já lendária Breaking Bad em que, além das drogas, mas também trazia uma parceria sólida, bonita e inusitada entre Walter White e Jesse Pinkan. 

    Também faz lembrar outras grandes obras audiovisuais de parceiros de crimes, com inúmeros exemplos, seja em Hollywood ou até mesmo em versões tupiniquins como o Zé Pequeno e Bené de Cidade de Deus ou Chicó e João Grilo de O Auto da compadecida.

    Aqui a dupla é muito bem encarnada por Brian Tyree Henry no lugar do protagonista e Wagner Moura como seu parceiro. O roteiro bem apresentado e a interação dos parceiros dão "molho" ao início da trama e nos conquistam para irmos adentrando ao mundo deles de crime.

    Porém eles não são bandidos profissionais, são apenas malandros tentando se dar bem e conforme o crime toma proporções maiores eles vão se enrolando.

    O mesmo acontece com a série, ela não se sustenta com os grandes crimes, vai apresentando novas personagens e motivações, ensaia uma profundidade nas personagens, suas carências e fraquezas, mas a cada episódio são tantas novidades, tantas pequenas reviravoltas que a série perde força e verossimilhança, derrapa em exageros e melodramas e perde inclusive a graça e o ritmo do começo. Uma pena, mas ainda assim, uma série acima da média.

A rainha do xadrez (Queen of chess) - Rory Kennedy

     Rory Kennedy nos traz aqui uma história muito interessante, mais do que uma pessoa excepcional e fora da curva como foi Judith Polgár, o contexto em que su habilidade surgiu e foi desenvolvida é bastante intrigante.

    O pai de Judith quis fazer um experimento com ela e suas irmãs, as expondo ao xadrez incessantemente e, tentando desenvolver essa habilidade, a vida delas se tornou um "home schooling enxadristra"...

    Isso por si só já rende um filme, faz pensar também na trajetória dos irmãos Jackson, das tenistas Williams, muito bem retratada no filme de King Richars Criando campeãs ou até mesmo de Amy Winehouse, também documentada em filme e comentada aqui.   

Além da figura obsessiva e opressora, cada vez mais popular em tempos fascistas, o filme também demonstra certas dificuldades da vida em um país comunista como a Hungria da infância de Judith: os acessos difíceis e as decisões particulares diferentes (como as do pai de Judith) sem encontrar apoio e amparo. Ao contrário, as buscas individuais eram cerceadas e limitadas e no filme vemos essa dificuldade ilustrada nas inúmeras tentativas de Judith para competir fora do país, por exemplo.

Outra questão perturbadora no documentário é o machismo: Judith era desprezada e até mesmo ridicularizada por onde passava, sobretudo pelos enxadristas homens, de quem, aliás, ela conseguiu ganhar de todos, um a um. 

Cenas constrangedoras e revoltantes pelas quais Judith foi sujeitada e que nos levam ao longo do filme a admirá-la ainda mais. Não só por sua carreira exitosa, mas por se manter afável e carismática, bonito de ver!

A estrada (The road) - John Hillcoat

     A adaptação de John Hillcoat para o livro de Cornac McCarthy, A estrada, é mais um filme sobre fim de mundo. A Terra está definhando, os recursos estão acabando e com isso as pessoas vão ficando mais selvagens e hostis.

    Há milhares de exemplos de filmes assim, de Mad Max à Cegueira, de Não olhe para cima à Melancolia, passando pelo potente Hell - já comentado aqui - ou pela série Last of us, que faz muitos paralelos com A estrada.

    Aqui a trama também se passa na relação entre um adulto cuidador e uma criança que precisa de cuidados, mas que também tem o desafio de aprender a se cuidar.

    Um pai e um filho, um cuidador zeloso e obsessivo e um menino que mistura medo, amor, vulnerabilidade mas, acima de tudo, esperança.

    Os dois acabam entrando em conflitos sobre no que e em quem acreditar: o menino quer se abrir ao mundo, quer se vincular, quer florescer, mas o pai foca apenas em se fechar e se proteger. Como espectadores podemos oscilar entre as duas posturas e ver testadas nossas emoções.

    O filme é árido como poderia ser um fim do mundo, falta vida, falta cor (parece quase em preto e branco), falta ação... Mas o que sobra parece ser o essencial. 

    Por isso que, ao final, o filme parece ser sobre a vida e a morte e mais: sobre o amor ou não amor.  Mesmo com cenas mais convencionais, somos tocados por passagens e diálogos bonitos que nos tragam para essas questões e dilemas.

Ruptura (Severance) - Dan Erickson

     Ruptura é uma série árida e muito contemporânea, traz a trama de uma equipe que trabalha na misteriosa corporação Lumon, na qual trabalham pessoas que aceitaram uma experiência de se alienarem de si mesmas, de viver uma vida alternativa naquele ambiente, sem se lembrar ou ter qualquer conexão com suas vidas "reais".

    Entretanto essa "ruptura" começa a ter falhas, algumas pessoas dentro das empresas parecem se lembrar e ter relações com a vida fora dali e algumas pessoas começam a levar lembranças e informações da empresa para fora dela.

    Há um suspense e uma investigação em relação aos fatos relacionados ao procedimento de "ruptura", que pode atrair aqueles que gostam de um bom thriller, mas há também um potencial dramático, já que cada personagem buscou romper consigo mesmo por um motivo: são lutos, decepções, questões familiares etc.

    A trama flerta com um irreal mas que simboliza certos encaminhamentos que a humanidade tem feito: a virtualidade das relações, a desconexão com os afetos, a robotização do trabalho...

    Nesse aspecto remete um pouco à proposta da série Black Mirror.

    Na estética insólita, árida e sinistra faz lembrar também a série Kidding, inclusive na direção de atores, lá com destaque para Jim Carrey. 

    Aqui o destaque vai para o protagonista vivido por Adam Scott e participações especiais de John Turturro, Christopher Walken e Patricia Arquete.

    Já na trama dramática nos faz pensar em Brilho eterno de uma mente sem lembranças, (já comentado aqui), afinal até onde pode ir nosso desejo de não lembrar? Será que vale apagar tudo para apagar uma dor? O quanto nos apagamos a nós mesmos querendo não sofrer? Optaríamos pela pílula azul do Matrix, escolhendo a alienação?   

Questões profundas e bastante interessantes, mas que se perdem e se arrastam um pouco. 

Cria-se mais expectativa do que a narrativa entrega.  Se investem e desinvestem em personagens fazendo termos uma experiência errática e irregular. Há momentos sublimes e outros gratuitos.

De qualquer forma, as questões e o clima da narrativa permanecem em nós, talvez sem rupturas possíveis...

Thelma - Joachin Trier

     Vindo de uma família com muitos artistas: pai, avô e até seu conhecido primo distante Lars, Joachim Trier começou no cinema já se destacando com público e crítica. Estreou com Reprise e depois já passou ao premiado Oslo, 31 de agosto - comentado aqui.

    Entre os filmes seguintes esteve Thelma, com um tema tocante e uma busca ousada de linguagem.

    Trier conta a história de Thelma, jovem que inicia seus estudos na faculdade e tem um episódio de uma espécie de convulsão. Na investigação do que poderia ter acontecido com ela vão surgindo seus sentimentos, sua sexualidade reprimida, a educação rígida de pais religiosos e um passado traumático.

    Os ataques e repercussões desses ataques da garota ganham um caráter sobrenatural, misturando o drama intimista com algo mais fantástico. Há passagens e imagens interessantes, mas outras desnecessárias. 

    As cenas parecem metáforas para a psique da personagem: seus afetos, desejos, medos, raivas, potência: o primeiro amor, o beijo, o gozo...

    Talvez se tudo isso fosse trabalhado em chave realista ganhasse mais profundidade e fosse ainda melhor, vide seus outros filmes.

Sonhos de trem (Train dreams) - Clint Bentley

    

    Clint Bentley surpreende pela maturidade em Sonhos de trem, não apenas pela bela execução, mas por se relacionar com temas tão densos e filosóficos. 

    Não são os acontecimentos e a narrativa o que mais importa aqui, é a passagem do tempo e como ele pode ser vivido e sentido. São menos as perdas na vida do protagonista Joel e mais as lacunas que ficam em sua vida, a dor e angustia de sua consciência de não poder preenchê-las. 

    Talvez venha daí o título, o trem, esse meio de transporte que passa numa constância por diferentes paisagens, um veículo em que se senta e se olha pela janela, numa paisagem aqui marcada pela transformação dos Estados Unidos em expansão no início do século XX.

    Assim, frente à tragédia, ele vive quase resignadamente, tentando entender o sentido - ou falta de sentido - das coisas, são poucas interações e diálogos e muita relação com a natureza, com as árvores centenárias que corta ganhando a vida.

    Aqui também entra uma denúncia sutil da ambição dos homens e seu atropelo com a natureza, o desmatamento que cobra seu preço em incêndios mortíferos.

    Dá pra sentir a narrativa mais literária baseada no livro de Denis Johnson, inclusive por trechos lidos por um narrador, que nos convida a adentrar mais nas reflexões, mas também fazem perder um pouco a fluidez do filme.

    Entre os méritos do filme estão de fato a tão falada fotografia do brasileiro Adolpho Veloso, que dá textura e materialidade para as emoções de Joel e tão bem interpretadas por Robert Grainier, este dá vida e poesia, à personagem e ao filme.

Raul Seixas - Eu sou - Paulo Morelli

     Paulo Morelli chega em 2025 com uma diversa e sólida filmografia: publicidades, filmes e séries, com direito a destaques como a série Cidade dos Homens, espécie de spin off do filme de seu parceiro de produtora Fernando Meirelles.

    Em Raul Seixas - Eu sou Morelli aplica toda sua experiência fazendo uma cinebiografia do grande astro da MPB. 

    Figura polêmica e idolatrada com uma trajetória com "início, meio e fim", "sexo, drogas e rock'n'roll". Tá tudo ali, mas para funcionar é preciso alinhar: astros, magias e outras artes, mas o que parece fácil e óbvio muitas vezes derrapa, vide tantas outras cinebiografias confusas, tumultuadas, atropeladas, mal interpretadas, precárias...

    Aqui há uma medida boa de tudo, a dosagem entre as cenas melodramáticas e as musicais, entre o histórico e o romanceado que nos remetem à época. Episódio a episódio a série nos instiga tanto a aspectos mais históricos quanto aos mais pitorescos e nos faz repensar nas obras que conhecemos de Raul (como nas muitas cenas de criação de letras e músicas conhecidas de cor por todos). Também nos faz repensar nele de maneira mais íntima e aprofundada, nos envolvendo em seu drama pessoal: no talento, na irreverência, na megalomania, na errância, nos amores, nas rivalidades, nas curiosidades, nos vícios, nas traições, na crueldade do showbusiness... Caldeirão bombástico como para tantos outros artistas, como por exemplo: Elvis, Fred Mercury, Nina Simone, Amy Winehouse, Arnaldo Batista - todos com filmes comentados no acervo do blog.

    Nossa aproximação com a trajetória também se dá muito por conta do elenco, com destaque para o trabalho do protagonista Julio Andrade.

    Uma grande homenagem a um importante artista, talvez com possíveis lacunas biográficas - dado o contraste com outra obra audiovisual sobre ele, o documentário Raul - o início, o fim e o meio - já comentado aqui, mas vale muito a aproximação e o entretenimento... Para quem não viu ainda: "Toca Raul!".

Hamnet - a vida antes de Hamlet (Hamnet) - Chloé Zhao

     Chloé Zhao tem ganhado destaque no cinema internacional, a cineasta chinesa atua nos EUA e trouxe em 2020 o instigante Nomadland.

    Agora Chloé traz novamente um tema criativo e pra falar de Shakespeare sem ser repetitiva ou banal é preciso muita autenticidade.

    Chloé se inspira no livro de Maggie O'Farrell, que por sua vez se inspira na vida de Shakespeare. Ela traz uma biografia romanceada, com fragmentos de fatos históricos e costuras de suposições ou imaginações.     

    Hamnet, então, mais do que nos trazer fatos reais, nos transporta uma ambientação, a um tempo e um espaço, à atmosfera de Shakespeare.

    No começo o filme parece romancear demais, as personagens muito irreverentes e quase etéreas nos fazem mergulhar numa poesia, ora tocante, ora artificial, isso se dá especialmente na construção da companheira de William: Agnes, jovem que perdeu a mãe e não se sente devendo obediência nem a sua madrasta, nem a seu namorado ou marido, nem aos sogros, nem a ninguém. Agnes é comprometida com as lembranças de sua própria mãe e seus ensinamentos sobre a natureza, numa força quase de bruxa, numa fragilidade quase de Ofélia...

    William se apaixona por Agnes, mas não pelo cotidiano em família e a rotina doméstica, ele se perde em seus pensamentos, e a toda hora parece sufocado por eles. Agnes o observa, entende que ele precisa de uma forma de transbordar aquela intensidade e incentiva suas buscas.

    Acompanhamos o anseio e produção artísticos de William pela sua ausência. O marido que faz visitas esporádicas e o pai que tenta recuperar o tempo perdido nessas passagens.

    Podemos nos tocar com as diferentes formas de amor apresentadas, as contravenções dessa relação - especialmente para a época, a intimidade de Agnes e a relação com seus filhos, mas tudo com um tom um pouco pueril.

    Mesmo quando há uma tragédia familiar, com a perda de um dos filhos, o melodrama é construído de maneira romanceada.

    Há questões de parentalidade e responsabilidade colocadas, mas sem uma grande profundidade. 

    Porém quando essa situação se torna material para uma das principais obras de Shakespeare, daí vemos a arte de fato transbordar, o luto de William o implica, se mostra dentro dele - seu filho se torna fantasma ou ele é/foi fantasma do filho? Questões sobre vida e morte, presença e ausência, amor e dor se fazem presentes em uma sequência arrebatadora.

    Arrebatadora ao lembrarmos de Shakespeare e arrebatadora também ao vermos o filme: um retrato original de uma verdade romanceada ou uma inédita narrativa verídica...

All her fault - Megan Gallagher, Kate Dennis, Minkie Spiro

    Série que está sendo bastante comentada nas redes por diferentes motivos e não à toa, ela flerta com questões diversas e em diferentes registros, porém o que poderia enriquecer a narrativa a deixa desencontrada (ou mesmo narrativamente disléxica)...

    All her fault é sobre o desaparecimento de um menino de cinco anos e a busca dos pais por seu paradeiro.

    O primeiro episódio nos captura pelo conflito denso e dramático vivido em maravilhosas atuações (embora aqui também haja desequilíbrio já que as protagonistas femininas são desenvolvidas com bastante tridimensionalidade e as masculinas ou mesmo as femininas coadjuvantes são quase caricatas e com atuações mais rasas). Sarah Snook e Dakota Fanning são os destaques.

    No desenrolar dessa apresentação é colocada também uma questão muito contemporânea e profunda de: onde estão os responsáveis por uma criança? Fica evidenciado na série o desequilíbrio entre a divisão de tarefas, o desafio muito maior que é para as mulheres conciliarem a parentalidade com seus trabalhos. Faz lembrar as tirinhas de Mary Catherine Starr: 

 

    Porém a série segue com um crime a ser desvendado e a partir daí intercala momentos de suspense e de tensão em abordagens ora de thriller ora de melodrama, acrescentando o tema de: até onde podemos chegar para defender nossos filhos e nossa parentalidade? Vale corrompermos nossa própria ética? Vale vivermos mentiras?

    Ao final traz justificativas mirabolantes e que perdem o potencial de falar de questões atuais tão ricas e necessárias, se distancia do drama real, intimista e contemporâneo da parentalidade e se torna um suspense/novela mexicana/Manoel Carlos/Gloria Perez. Tem sua força, sua potencialidade, mas se perde nas chaves em que vai se desenvolvendo.

    Começa dialogando com séries como Expatriadas ou a primorosa Mare of Easttown, segue explorando a trama intimista familiar remetendo a Big little lies, a própria Succession onde Sarah Snook também brilhou, ou a potente The Bear que também traz outro destaque do elenco: Abby Elliott. 

    Porém acaba por fazer lembrar da narrativa errática de Wanderlust ou Ladrões de drogas que começam com propostas consistentes, mas se perdem no caminho.

    Em All her fault o final tenta amarrar tantas situações e de maneira tão exagerada que beira a inverossimilhança, nem se assume no gênero melodramático da novela como Por amor de Manoel Carlos, por exemplo, em que se assemelha bastante na trama. E tampouco se consolida na proposta mais densa. Na busca por justificativas psicológicas acaba por desresponsabilizar conflitos cotidianos como são os da parentalidade, postos todos os dias em todas as famílias e vividos dramaticamente o tempo todo, em especial pelas mulheres.

Maya, me dê um título (Maya, donne-moi un titre) - Michel Gondry

    Michel Gondry esbanja criatividade em tudo que faz: vídeos musicais ímpares, filmes memoráveis como Brilho eterno de uma mente sem lembranças, já comentado aqui ou mais recentemente séries como a interessante Kidding.

    Mas nem sempre a originalidade de argumentos e o rico apelo visual dão conta de uma narrativa, caso de A espuma dos dias, também comentado aqui e de seu filme mais recente, o infantil Maya, me dê um título.

    A proposta é bastante simpática: Gondry dá vida a ideias de histórias de sua filha, Maya... Ela lhe dá um título e ele desenvolve a história com intervenções dela. O resultado tem momentos divertidos e singelos, mas em geral é simplório. Parece um excelente exercício familiar mas que não fosse Gondry mundialmente famoso talvez não fosse finalizado como um longa-metragem ganhando telas pelo mundo...

    Podemos ter prazer em adentrar aquele ambiente intimista em suas criações e artes, mas suas histórias acabam não envolvendo tanto quanto poderiam.

Foi apenas um acidente - Jafar Panahi

    Jafar Panahi tem se mostrado um cineasta incansável: artista inquieto e criativo, não para sua expressão apenas pela arte, mas para registrar e denunciar o momento político do Irã e que, em contrapartida, geram interesse não apenas como obras de artísticas, mas como documentos históricos.

    Se distanciando de um início mais puro e bucólico como o maravilhoso Balão Branco, Jafar vem se consolidando com seus filmes clandestinos, que ele faz enquanto está preso ou de maneira escondida, com a importante colaboração de parceiros ao redor do mundo. É o caso de Isto não é um filme e Cortinas Fechadas - já comentados aqui e é o caso de seu filme mais recente: Foi apenas um acidente.

    

    O filme traz um homem que reconhece uma autoridade do regime e que o torturou. Ele pensa em se vingar, mas hesita, com dúvida de se tratar realmente de seu torturador. Ele vai em busca de outras pessoas que possam ajudar a confirmar a identidade do homem e acaba reunindo outras pessoas que foram torturadas pelo regime.

    

    O filme, feito clandestinamente, vai trazendo pequenos conflitos dessa trajetória, em registros quase documentais, muitas vezes pendendo para o cômico.

    Mas o que a obra traz de mais especial são seus diálogos, a conversa entre as vítimas sobre as prisões, as torturas e como buscar mudança: é pela vingança? É pelo esquecimento? É pelo perdão?

    O filme não aprofunda muito as questões e muito menos traz as respostas, mas certamente sensibiliza para o tema, nos sensibiliza para suas dimensões históricas, políticas, éticas e também as dimensões psicológicas.

    Singelo, bonito e muito necessário, por isso principalmente que parece atrair tanta simpatia e reconhecimento no mundo todo, conquistando a palma de cannes e concorrendo ao oscar, por exemplo.

Ainda estou aqui - Walter Salles

    Walter Salles é muito cuidadoso em escolher seus projetos, sempre com grandes obras e personagens como referência e/ou inspiração traz obras consistentes e com grandes equipes, como Terra Estrangeira, Diários de Motocicleta ou Na estrada - já comentado aqui.

    Nem sempre tudo isso garante a obra-prima, mas quando acontece temos a chance de ter um Central do Brasil, por exemplo.

    Ainda estou aqui também conquistou público e critica Brasil e "afora"...

    A história da família Paiva comoveu pessoas ao redor do mundo. Uma família de classe média alta no Rio de Janeiro orbitada ao redor de Rubens, engenheiro, deputado, pai de família, bom amigo, que vê sua vida abalada pelo golpe de 64: perde seu mandato, amigos, estabilidade... Ainda assim segue a vida e se apoia na família: a mulher, os cinco filhos e os tantos amigos e agregados que circulam em sua casa. Uma casa festiva e movimentada, também pelas inquietações e ações clandestinas em que ele se envolve... Mas nada tão radical que parecesse justificar seu fim: o sumiço silencioso dado pelos militares.

    E o drama do filme surge aí, com o desaparecimento de Rubens, quem vive o grande conflito não é ele, mas sua mulher, Eunice. Eunice que o busca incansavelmente e tenta seguir a vida cuidando dos cinco filhos.

    Não é fácil cativar pelo silêncio. Fernanda Torres que dá vida a Eunice não constrói uma personagem carismática e nem guerreira, é na resiliência, na persistência, na constância que estão suas forças. Por isso não envolve todos e não brilha de maneira óbvia. Como ela mesma diz, sua busca é por uma personagem estoica.

    Assim o filme não tem curvas tão intensas, não apresenta arroubos emocionais ou de ação. Sangue e lágrimas, tônicas daqueles tempos, não estão presentes aqui.

    O filme envolve menos como drama, mas nem por isso faz refletir menos, talvez ao contrário. Talvez tenha feito tanto sucesso por permitir ao público se identificar com o cotidiano daquela família, por nos convidar a estar dentro, fazer parte e, assim, viver sua dor, suas dúvidas, sua angústia, sua perda.

     A violência de uma ditadura não está apenas em violências explícitas, mas nas restrições e proibições: nas mentiras, na omissão, na desinformação, na incerteza e tudo isso está muito bem impresso no filme. Forte contribuição para a luta de Eunice: que a história não seja esquecida e que permaneça aqui, hoje e sempre.

Argentina 1985 - Santiago Mitre

    Santiago Mitre já havia se inscrito em temas político, contra injustiças sociais e imerso no ambiente da justiça. Trouxe essas temáticas nos filmes de Pablo Trapero que roteirizou e também em seu longa Paulina, já comentado aqui.

    Em Argentina 1985 Santiago tematiza uma passagem da Argentina do tempo de sua infância, quando a dura ditadura vivida em seu país recebeu um julgamento.

    O filme é bem didático, traz o passo a passo do julgamento e apresenta os principais envolvidos. Talvez pudesse adensar mais as personagens e explorar mais as situações, mas apenas trazer o básico já foi bastante importante.

    Argentina 1985 faz pensar e rememorar. Dá uma aula sobre a importância da revisão história de acontecimentos importantes como um golpe militar, um governo autoritário, sangrento e que ignora leis. Vale em especial para brasileiros que não olharam de frente essa passagem da história, que em sua luta pela anistia dos guerrilheiros contra a ditadura acabou aceitando a anistia ampla, geral e irrestrita. 

    Não nos confrontamos com nossos traumas, adotamos a postura do "deixa disso" (que volta até hoje em novas situações e roupagens), não analisamos nossas posturas, nosso comportamento, nosso desejo, nossa repressão, nossas feridas. Como curá-las então? Não temos vitórias como essa da Argentina, mas temos muito a resgatar e contar. E nosso cinema também nos ajuda em inúmeros exemplos, seja em filmes do início da retomada do cinema brasileiro como Lamarca ou O que é isso companheiro? Filmes dos anos 2000 como Hoje - já comentado aqui. Ou até filmes em que esse é o contexto de fundo como Tatuagem ou Meu nome é Gal - também comentados no blog. Ou ainda nos sucessos recentes como Ainda estou aqui ou Agente Secreto. E que siga em mais produções, para seguirmos a máxima de Freud de "repetir, recordar e elaborar".

Hacks - Lucia Aniello, Paul W. Downs e Jen Statsky

    Hacks caminha já para sua 5a temporada, um sucesso desde sua estreia, com muito público e prêmios. É mais uma série metalinguística sobre a indústria audiovisual, a trama aqui é sobre o desenvolvimento de programas para a comediante Deborah Vance interpretada por Jean Smart, em sua busca por recolocações e tentativas de se manter ou até ascender em seu sucesso, assim conhece a roteirista em início de carreira Ava Daniels, vivida por Hannah Einbinder.

    A série explora muito bem situações do showbusiness, abordando principalmente a construção do humor: a ironia, a acidez, as críticas, o limiar com ofensas, preconceitos, moralismos...

    E o que cativa nessa série nessa construção é a relação entre as protagonistas, que também se criticam, se ofendem, mas aprendem muito uma com a outra. Elas acabam se alimentando em suas trajetórias e vão criando uma afeição cheia de ambiguidades.

    O público transita com elas, entre defesas e ataques, empatias e antipatias, torcidas contra e torcidas pró. Com isso acaba sendo seduzido menos por Hollywood e mais pela intimidade das personagens, por seus aspectos mundanos e cotidianos, não são as produções milionárias, os picos de audiência, os produtos em franquia, os prêmios e reconhecimentos, mas o desejo de amar e ser amada de Deborah e Ava.