Ritas - Oswaldo Santana e Karen Harley

    Os conhecidos montadores do audiovisual brasileiro, Oswaldo Santana responsável por obras como Tropicália e Bruna Surfistinha e Karen Harley responsável por Viajo porque preciso, volto porque te amo e Que horas ela volta? (já comentados aqui no blog) se uniram em um projeto especial. 

    A dupla comprou os direitos da autobiografia de Rita Lee em 2018 e começaram a trabalhar na narrativa da vida da artista, tanto fazendo uma longa entrevista - a última dada por ela, quanto pesquisa de material de arquivo.     

    Entre os materiais também a produção própria de Rita com vídeos feitos por ela em sua casa, ressaltando o humor e autenticidade dela, mas também apresentando o lado sereno e íntimo.

    Algumas frentes de trabalho e muito material em ebulição, a potência e versatilidade de Rita Lee foi transbordando e dando corpo ao documentário, inclusive definindo o título que traz a multiplicidade da artista, o documentário não traz apenas uma Rita, mas Ritas.

    Há a Rita filha de classe média alta paulistana; há a Rita adolescente roqueira rebelde; há a Rita que integrou o Mutantes, alcançou o sucesso, dialogou musicalmente com a efervescência artística dos anos 60 e 70 no Brasil; há a Rita expulsa dos Mutantes numa situação que revela muito sobre ela e sobre a banda, dando um contraponto da versão de Arnaldo Batista, apresentada no documentário Loki - já comentado aqui; há a Rita que se reinventou numa carreira solo; a Rita que encontrou um grande amor e intenso parceiro de vida e de arte, Roberto de Carvalho; a Rita do sexo, das drogas e do rock; a Rita da maturidade, do envelhecimento, mãe e avó...

    Com uma personagem tão rica e encantadora já havia muito potencial para seduzir o público, mas a costura dessa "geléia geral" com belas animações e trilha muito bem pontuada e utilizada valorizam ainda mais a narrativa.

Meu nome é Gal - Dandara Ferreira e Lô Politi

     A onda das cinebiografias musicais é paradoxal: nos enchem de expectativas difíceis de se cumprir por um lado, mas, por outro, ao escutar os grandes sucessos dos artistas, temos nosso deleite garantido...

    Não poderia ser diferente com um filme sobre Gal Costa.

    Aquém da artista e da obra, as diretoras Dandara Ferreira e Lô Politi acertam na narrativa enxuta e intimista, se focam no início da carreira artística de Gal, quando ela ainda era Gracinha, para então se tornar Gal Costa.

    O filme é sobre esse despertar, com uma Gal engatinhante, assustada, experimental.

    Sophie Charlote dá vida a essa busca com encanto e simpatia, da moça tímida mas corajosa, que larga sua cidade para encontrar os amigos músicos e parceiros. A Gal Costa que tenta agarrar oportunidades de mostrar seu talento para interpretar bossa nova, mas que começa a se destacar no movimento que ali se inicia da Tropicalia, até se mostrar consolidada por todo seu talento.

    Eram tempos quentes, de luta entre a ditadura e os movimentos de resistência e guerrilha comunista e de efervescência de posicionamentos frente a esse cenário.

    As artes em especial borbulhavam e a MPB se mostrava especialmente fértil.

    Meu nome é Gal pode não borbulhar, mas provoca a emoção e nostalgia do tempo e dos artistas especiais que retrata.

    Um filme sem arroubos, mas para se curtir e se colocar na vitrola sem medo...

A reserva (Reservatet) - Ingeborg Topsøe

    A reserva de Ingeborg Topsøe é uma minissérie de seis episódios sobre o desaparecimento de uma jovem babá filipina na Dinamarca.

    A série é muito bem feita: boa fotografia, direção de arte interessante, som instigante e boa direção de atores. 

    Há personagens e núcleos bem definidos: os milionários x seus funcionários, os egoístas x os solidários, os adultos x as crianças.

    A série faz de um suspense clássico mais uma oportunidade para se discutir a adolescência: quem são esses novos jovens que vivem um mundo paralelo no universo digital?

    E aqui com a peculiaridade da convivência com babás vindas de outra cultura e nessa relação complexa de alguém que para as crianças merecem um afeto familiar, mas que, ao mesmo tempo, não pertencem ao seu mundo.

    Faz lembrar o filme Que horas ela volta? mas também séries mais recentes como Adolescência e Expatriadas.

    Sem propor grandes arroubos, mas muito bem construída e costurada, envolve e instiga.

Longe deste insensato mundo (Far from the Madding Crowd) - Thomas Vinterberg

    Thomas Vinterberg é um dos mentores do Dogma 95 e diretor do filme ícone Festa de família. Também autor de outros filmes profundos e intimistas, como Submarino e A caça, já comentados aqui. Porém Vinterberg é um cineasta versátil e com Longe deste insensato mundo mostra um lado mais clássico seu.

    Vinterberg se baseia no romance do inglês do século XIX Thomas Hardy e traz uma Inglaterra vitoriana. 

    Bathsheba é uma jovem não convencional, estudada e sem pretensões de seguir o destino padrão de casar e constituir família. Assim ela recusa pretendentes e foca sua vida em fazer prosperar a fazenda que herda. 

    São muitas frentes que o filme apresenta, mas acaba não aprofundando nenhum tema. Em seu panorama rasante, acaba realmente raso e pouco convincente. 

    Traz uma protagonista doce, vivida por Carey Mullingan para um papel de muita personalidade e traz pretendentes leais, mas tampouco vemos o que os faz manter tão conectados à heroína.

    Acompanhamos o filme que é muito bem feito com dedicação, mas sem empolgação - bem diferente de outras experiências vinterbergianas!

Uma bela vida (Le Dernier souffle) - Costa-Gravas

    Costa-Gravas é um diretor de seu tempo e de sua história, após filmes com temáticas políticas - alguns já comentados aqui, chega aos 92 anos falando sobre o fim da vida.

    Em Uma bela vida ele traz o filósofo Denis Podalydès às voltas com sua própria saúde e se aproximado do médico Kad Merad, que se especializou em cuidados paliativos. Assim ele tenta entender de que se trata essa especialidade e como funciona seu trabalho.

    E, assim também, Denis se aproxima de diversas pessoas que estão próximas ao seus fins e que querem decidir como viver esse momento: acompanhados, sozinhos, de maneira mais cética, mais religiosa, festivas, introspectivas etc.

    Com cada decisão prática tomada podemos ver as repercussões filosóficas e existenciais.

    Um filme simples, com uma forma despretenciosa, sem grandes cenas e amarrações, mas funcionando como uma boa janela narrativa para essa discussão e reflexão.

    Em tempos de envelhecimento da sociedade e de avanços na medicina, é muito interessante provocar o debate e mantê-lo vivo e em aberto.

Vitória - Andrucha Waddington

    Baseado em fatos reais, Vitória conta a história de uma senhora que foi testemunha ocular do crescimento e banalização do crime no Rio de Janeiro. O tráfico sendo comercializado à luz do dia, indiscriminadamente.

    Indiscriminadamente, palavra que resume um tanto a situação, parece ter o crime em seu centro, mas de forma disfarçada, negada, sem ordem ou controle... Mas pior, um controle pulverizado, de todos que tentam se beneficiar de sua propriedade.

    A denúncia da senhora motivada pela sua busca de sossego e normalidade, de uma vida que não precise ser interrompida por tiroteios a todo momento, mas que vai de desenrolando em uma denúncia muito maior, envolvendo uma rede de tráfico, de policiais, de políticos... O estado atual do crime organizado.

    Alguém da sociedade civil não pareceria ter voz para se levantar contra nada disso, mas acontece. E apenas alguém muito autêntica, como é o caso de Dona Antônia, vivida bravamente por Fernanda Montenegro.

    Fernanda é uma atriz ícone, não há dúvida de sua grandiosidade, mas é lindo vê-la brilhar. Aqui, nos holofotes sombrios das tomadas sem muita luz, dos gestos que se veem eloquentes num virar de olhos, na respiração mais tensa, no colar de cacos da xícara e da vida da personagem... 

(Faz lembrar da Fernanda Montenegro que separava feijões com Gianfrancesco Guarnieri em Eles não usam black-tie de Leon Hirszman, em 1981).

    Vitória dá destaque à história, às personagens, às intimidades envolvidas pelos morros cariocas. Toda sua direção é econômica mas muito precisa e aí está sua força, o filme não se perde em acrobacias narrativas ou de cena, nada é gratuito, tudo se encaixa e se amarra, apenas no desencadear de fatos, sem malabarismos.

    E assim o filme fica íntimo, mas potente, não apenas com a protagonista mas com todo o elenco, não apenas no clímax e em cenas de ação ou reviravoltas, mas também no cotidiano, nas reuniões de condomínio, nas amizade com um dos meninos que vive a vulnerabilidade da vida no morro, vivido por Thawan Lucas, ou com uma mulher trans que busca alternativas para uma vida digna e segura, vivida por Linn da Quebrada, ou ainda na parceria fundamental com o jornalista que assegura sua vida e sua história, vivido por Alan Rocha.

    Belo trabalho de Andrucha Waddington.

Marte um - Gabriel Martins

Um retrato da complexa simplicidade do dia a dia. Ou da simples complexidade?

Um filme das individualidades dentro de um coletivo ou do coletivo que se reflete em cada individualidade?

Uma narrativa sobre o prosaico do cotidiano ou sobre o imensurável terror dos pesadelos e brilho dos sonhos?

Marte um parece tudo isso. E muito mais.

Despretensioso, mas de uma profundidade ímpar.

Em seu encadear quase desconexo chega em um dos resultados mais coesos e tocantes do cinema brasileiro recente.

Marte um é o sonho de um menino, mas é também o contraponto do sonho de um pai, tem a cumplicidade dos sonhos da irmã e a redenção das aflições da mãe. Marte um fala de desejos e imaginários, mas apresentados através de um cotidiano extremamente concreto.

Tem as notícias de TV, nosso presente político, os programas de sucesso, a ética e a estética vivida, as possibilidades postas, as pautas de costume, as contraposições das minorias (diferenças de classe, aceitações e ressentimentos, lutas de acesso, quebras de barreiras e preconceitos, modas, sexualidades, paixões - inclusive a "nacional", culturas, vícios, perdições, religiões, amizades, família).

Tem uma boa construção de ambientes e momentos primorosos do elenco.

Tem drama, tem humor, tem realismo, tem poesia.

Tem um índice de questões psicanalíticas postas: enfrentamento aos pais, narcisismos, pulsões de vida e morte, ninhos vazios, angústias, amores.

Tem tudo isso e sem ser didático. Um filme singelo e afetuoso.

Pode causar estranhamento, demorar a aquecer, mas a emoção com certeza chega, quiçá até arrebatando!

Elvis - Baz Luhrmann

Que história genial a de Elvis.

Ícone pop, cantor fenomenal, somado a uma performance sexy e chocante, mas com potencial para muito mais...

Sua entrada na música por influência não só da música country local mas também pela cultura negra em plena ascensão do rhythm and blues, poderiam resultar em algo ainda mais criativo, irreverente e arrebatador.

Acabou sendo "apenas" um ídolo de multidões e um dos principais nomes do início do rock. 

Seu potencial foi corrompido, a figura frágil, o rapaz vulnerável que acabou susceptível a influências familiares, à ganância de seu produtor Tom Parker e à sedução e apelo das drogas.

As personagens estavam todas colocadas: o mocinho, o bandido, os coadjuvantes e o cenário efervescente do choque cultural e da música dos anos 50, 60 e 70. 

O filme traz tudo isso e ainda tenta modernizar mais uma linguagem que por si só já seria eletrizante. Mas o que seria de Baz Luhrmann sem querer brilhar ainda mais do que todas as lantejoulas de Elvis?

E deu certo. Com sua linguagem frenética, captando o ritmo tiktok da atualidade, alcançou um grande público.

Porém, para um público desejoso de adentrar e se emocionar com a história de Elvis, fica faltando espaço (e tempo) para envolvimentos. 

A imagem não para nem por um segundo na tela: são cortes, movimentos de câmera, movimentação de atores, efeitos, sons, narração... O filme é uma metralhadora audiovisual. 

Não dá tempo para respirar e, portanto, falta fôlego para os possíveis momentos de arrebatamento.

Tanto da história pessoal e familiar, quanto pela contemplação de sua arte.

Ao contrário de outros filmes musicais como Bohemian Rhapsody ou Rocketman não dá pra dar "play" no filme como em um disco de melhores músicas. Talvez como um clipe de melhores momentos das melhores músicas (com duração de 2h40).

O filme acaba "faltando", dado tantos excessos...

Pureza - Renato Barbieri

Personagem incrível, típica pessoa que ao ouvir a história falaríamos: "daria um filme". E deu.

Tema atual e extremamente importante: trabalhos análogos à escravidão, exploração, desigualdade social, concentração de terras, favorecimentos políticos...

Na contramão: uma mãe em busca do paradeiro de seu filho, se infiltrando numa fazenda e se aproximando dos "inimigos" pela esperança do reencontro.

Trama muito boa e construída equilibradamente. Atuação de Dira Paes à altura da personagem. 

Talvez pudesse ter um trabalho a mais em alguns diálogos, que às vezes parecem esquemáticos demais (como nas cenas em Brasília), o mesmo nas interpretações.

Mas essas "impurezas" não comprometem a experiência emocionante do filme.

Filme necessário para os dias de hoje no Brasil. Pela luta e pela esperança.

Tudo em todo lugar ao mesmo tempo (Everything Everywhere All at Once ) - Dan Kwan & Daniel Scheinert

Filme bastante interessante, com uma premissa atual, distopia abordando o ser e estar contemporâneo: real X irreal ou virtual e a maneira como entram os afetos dentre tantas outras demandas em nossas vidas.

Pode-se pensar numa mistura de Matrix com linguagem tarantinesca, ou mesmo em aspectos filosóficos de Michel Gondry e narrativas como Brilho eterno de uma mente sem lembrança ou mesmo a série Kidding e certamente com muitas outras referências pop das quais muitas me escapam.

Porém onde está o grande potencial do filme é também onde há uma dispersão: são tantas referências, tanta colagem, tantas linguagens que o filme se excede.

Fica cansativo e não apenas por seus 140 minutos, mas também pelo ritmo frenético e pelo excesso de tudo. Ainda mais sem que haja uma base forte para a costura. Não há personagens tão densos para nos identificarmos e que ancorem tantas cenas de disputa, luta, transições de tempo e espaço.

Vira um espetáculo desse frenesi. Talvez de muito sucesso para um certo público, mas menos universal do que poderia.

Medida provisória - o filme - Lázaro Ramos

 Ótimo filme. Necessário para os tempos de hoje.

Não só pela semi-distopia descrita em que uma medida provisória determina que os afrodescendentes sejam enviados de volta à África, "higienizando" o Brasil, mas pelo filme cheio de qualidades.

Pelo frescor de uma direção que mistura tons, gêneros, ritmos (ora mais cômica, ora mais dramática, ora mais intimista, ora mais épica), que inclusive às vezes também dificultam nossa imersão (se estamos no drama as piadas podem parecer excessivas, se estamos no realismo certas interpretações mais empostadas podem nos distrair um pouco).

Seja como for o filme tem uma premissa pulsante, um roteiro bem construído, interpretações excelentes, uma ótima fotografia e uma trilha sonora vigorosa.

O filme se faz épico e coloca sua trama contextualizado na história, não à toa termina com cenas e personagens documentais, nos situando e também nos implicando.

Excelente estreia de Lázaro Ramos na direção, vida longa a essa nova carreira!

Intocáveis (Intouchables) - Olivier Nakache, Éric Toledano / Inseparáveis (Inseparables) - Marcos Carnevale

Filme de 2011, Intocáveis traz um drama cômico sobre a amizade improvável entre um senhor cadeirante, rico e rabugento e um jovem ajudante imigrante.

A parceria de Oliver Nakache e Éric Toledano percorre toda a filmografia dos dois franceses e nesse caso mostra uma fórmula de sucesso.

Em uma narrativa clássica vemos a apresentação de personagens, seus conflitos, embates, contrastes e o crescente da relação.

Com muitos clichês e atores carismáticos é difícil não se envolver.

Também é difícil se surpreender e esperar que a trama vá além - no máximo pelo humor negro e acidez em dosagem acima do convencional.

De maneira geral o filme proporciona horas agradáveis em uma bela sessão da tarde.

E daí vemos a fórmula ser repetida, cinco anos depois, numa adaptação argentina, que também têm talento para a combinação de humor e drama, como vemos em exemplos como Um Conto Chinês - já comentado aqui, ou nos filmes de Campanella - também comentados aqui.

Porém ao adaptar o filme francês, o diretor Marcos Carnevale perde a sutileza e a trama fica parecendo de um telefilme (talvez até por conta da intensa experiência televisiva de Carnevale).

Em Inseparáveis, a  transposição do contexto das personagens e sua situação social é boa, mas Carnevale carrega nas piadas e gagues e acaba em um resultado mais raso, tendendo ao pastelão.

Poesia sem fim (Poesía sin fin) - Alejandro Jodorowsky

O artista chileno Alejandro Jodorowsky apresentou em 2016 seu último longa: Poesia sem fim.

Com uma trama autobiográfica, ele conta a saga de um garoto que quer ser poeta e nada contra a corrente de sua família, confronta e rompe com seu pai.

Também aceita a precariedade e liberdade da vida boêmia, sofre com a intensidade da vida.

Em especial das paixões, com sua criação e a busca de reconhecimento... 

A construção do filme é alegórica, lembrando Fellini ou mesmo Joaquim Pedro de Andrade, e nessa escolha sofre o risco da distância com seu espectador. 

É difícil aderir ao filme e ser cativados por suas personagens não realistas. Há cenas interessantes e de grande riqueza estética, mas no geral as interpretações são fracas e não há carisma.

Há quem se interesse e se apaixone, mas no geral o filme é difícil, instiga um tanto, mas cansa outro tanto.

Bohemian Rhapsody - Bryan Singer

Um filme biográfico de uma das maiores lendas da música pop mundial é garantia de sucesso: canções famosas, enérgicas, poéticas acompanham toda a narrativa e nos envolvem e nos entusiasmam. Porém, com todo potencial da história de Freddie Mercury e sua trajetória no Queen, Bohemian Rhapsody deixa a desejar.

O filme traz o começo da carreira, a relação com sua família e algumas barreiras que Freddie teve que romper;

A relação com seus companheiros de banda e questões delicadas sobre talento, ego e fama;

Alguns dos principais relacionamentos amorosos e as polêmicas sobre seu comportamento e sexualidade. 

Mostra também sua excentricidade, genialidade e solidão, só que sem se aprofundar.

Não compartilhamos seus sentimentos, suas ambições e temores. Vemos alguns sendo citados em diálogos rasos, mas não temos momentos de silêncio e gestos cotidianos em que isso seja apresentado.

Ao contrário, o filme investe em um personagem histriônico, exagerado. Em que mesmo a grande arcada dentária é acentuada de forma artificial e chega até a atrapalhar a  interpretação de Rami Malek pelo tanto que chama a atenção.

Talvez esse direcionamento venha da experiência de Singer como diretor de heróis, em que se ressalta mais a potência das qualidades, sem apresentar complexidade e ambiguidade.

Porém em uma figura como a de Freddie o aprofundamento psicológico faz muita falta.

Podemos cantar, aplaudir e vibrar com o espetáculo, mas não conseguimos nos sentir frente a um drama complexo e real.

Assim nem vemos um filme com um pout pourri equilibrado entre drama e cenas musicais como Cazuza, nem vemos um exemplo de entretenimento menos ambicioso e mais gracioso como Quase famosos, nem um de biografia mais densa como Saint Laurent - já comentado aqui.

Uma pena, pois há muito nas entrelinhas dos versos dessa Bohemian rhapsody e todas realezas envolvidas nessa majestosa história...

O filme da minha vida - Selton Mello

Após Feliz Natal e O Palhaço - já comentados aqui, Selton Mello apresenta seu terceiro filme: O filme da minha vida.

Com uma construção narrativa cada vez mais madura: belos cenários, boa reconstituição de época, linda fotografia, Selton se mostra exemplar no apuro técnico.

A trama dessa vez também parece mais complexa do que as anteriores, com mais nuances, tempos, épocas e espaços, mas ainda assim se cria a dificuldade de identificação com as personagens. 

Selton parece gostar de personagens contidas, que têm a densidade guardadas dentro de si, mas falta vermos a latência desses dramas, as faíscas do que pode haver por trás, ou melhor, por dentro.

Vemos personagens contidas, com ares de segredos e grande profundidade, mas que não se desenvolvem plenamente. A maneira como se relacionam muitas vezes parece artificial e truncada demais, os diálogos não deslancham e as emoções não vêm à tona...

Justo Selton Mello, um de nossos atores mais carismáticos, não nos apresenta personagens com carisma.

Vemos um contexto e uma história com imenso potencial, mas a vontade é, mais uma vez, de querer ver mais.

As Pontes de Madison (The Bridges of Madison County) - Clint Eastwood

Com atuação em mais de 70 filmes e a direção de 40 títulos, Clint Eastwood é um dos cineastas mais produtivos da atualidade, 88 anos e sem menção de parar.

E sempre se renovando, reciclando, nem sempre arrebatando e surpreendendo, mas muitas vezes nos extasiando com seu talento.

Em geral são narrativas clássicas, mas que ele também gosta de subverter como em Menina de Ouro, que o filme começa um e termina outro. Muitos de seus filmes estão comentados aqui.

Mas seu passado clássico impera e se impõe, e vale a pena. É o caso de As Pontes de Madison.

Um romance simples, em que a narrativa surge em flashback e relata o encontro de duas pessoas improváveis, mas que se apaixonam arrebatadamente.

Premissa clichê, onde o interesse surge pela condução de Clint: a boa direção, os tempos, os enquadramentos, a música e as atuações (dele mesmo e da merecedora do oscar Meryl Streep).

E mesmo vendo hoje, 25 anos depois, o filme ainda nos toca. Algo está datado, no gestual e no visual, mas o principal - o drama e seus diálogos - seguem atuais e permanecem.