culturices

O Artista (The Artist)

2012-02-24T12:51:00.001-08:00

O até então pouco conhecido diretor francês Michel Hazanavicius parece ter caído na graça do público e da crítica, seu último filme lançado no Brasil, O Artista, recebeu dez indicações para o Oscar em 2012.

A história é simples e singela: um grande astro do cinema mudo hollywoodiano não se adapta ao cinema sonoro e decai enquanto uma fã, que surge no mundo cinematográfico com sua ajuda, deslancha a carreira e se torna uma grande estrela.

Momentos divertidos e bem construídos, com um bom elenco e bela trilha sonora, porém sem o ritmo necessário.

Talvez o roteiro tente ser fiel demais à época a que retrata e não dialoga de maneira tão próxima com seu público do século XXI. Até o clássico de 52, Cantando na Chuva, parece ser mais atrativo e envolvente.

Michel parece ter ambições psicológicas de abordar crises de um artista com relação à fama, ego, sucesso, identidade...

Mas esse conflito é colocado logo no início e não há um crescente tão profundo e enriquecedor, não há muitas especulações e não há novas questões agregadas, o conflito parece ficar se rodeando nas mesmas questões, mesmas ameaças e mesmas saídas.

Resulta em um bom filme, mas um pouco cansativo, aquém do que o artista Michel Hazanavicius parece capaz de fazer...

O céu que nos protege (The Sheltering Sky)

2012-02-23T08:29:00.003-08:00

Autor de verdadeiras obras-primas cinematográficas, o italiano Bernardo Bertolucci é um diretor que merece ser visto e revisto em toda sua filmografia. Seja em exemplos mais recentes como Beleza Roubada, Assédio e
Os Sonhadores;

Seja em seus clássicos do início da carreira como
Antes da Revolução e O Último Tango em Paris;

Ou seja nesse exemplar de 1990:
O céu que nos protege.

Apesar do ritmo e estética um pouco datados, a construção do clima e das personagens, a relação construída entre seres e espaço.

O vazio existencial X o vazio do deserto (tema que também presenciei recentemente no livro No teu deserto do português Miguel de Sousa Tavares), se aprofundando em temas como casamento, companheirismo, fidelidade, desejo, traições, ambições, sonhos, objetivos...

E principalmente, uma reflexão indireta e densa sobre a falta de tudo isso, um filme sobre o tédio, sobre perdas de nem se sabe o que, sobre a aridez existencial... (em abordagem, como sempre, repleta de feminilidade, delicadeza e poesia)

Sensação angustiante no sentido mais profundo da palavra. De difícil e longa digestão... Pra ruminar por muitos dias (semanas, meses, anos) e crescer como só o grande cinema é capaz.

E aguardemos o próximo - que já está a caminho!

Triângulo Amoroso (3)

2012-02-22T04:57:00.001-08:00

O diretor e roteirista alemão Tom Tykwer não pode ser acusado por falta de criatividade ou experimentações, destacado após o interessantíssimo Corra, Lola, Corra - verdadeiro exercício de linguagem;

Seguido pelo denso, mas também dinâmico A Princesa e o Guerreiro, depois por experiências internacionais: os hollywoodianos Paraíso e Perfume - a história de um assassino, ou o coletivo Paris, te amo;

Tykwer parece agora ambicionar tramas mais dramáticas e maduras, ao menos é o que parece com Triângulo Amoroso.

Partindo de questões de um casamento de vinte anos de um casal na faixa dos 40: tédio X paixão, cumplicidade X novidade, ter filhos X não ter, ser filho X ser pai, profissão X relação, renovar X envelhecer...

Tykwer constrói a história de Hanna e Simon que passam por situações como embates ideológicos profissionais dela (que trabalha com ciência genética), por câncer dele e de sua mãe, por dúvidas sobre ter filho e pela paixão de ambos por outrem...

Está armado o circo para o triângulo...

O problema é que Tykwer se perde entre tantas ideias e acaba construindo realmente um circo...

O filme começa com jogos de linguagem em mosaicos de telas divididas e efeitos (que instiga ao princípio, mas depois se perde e parece deslocado - lembrando um pouco brincadeiras similares feitas por Cédric Klapisch em O Albergue Espanhol);

Em seguida se passa à história de forma mais convencional: apresentação das personagens e afins; com as questões de doenças e possibilidades de morte vem efeitos espiritistas, que também dispersam no acompanhamento realista que se faz na maior parte do filme;

E por fim as excessivas coincidências em torno do triângulo e o final inverossimelmente harmonioso acabam diluindo a força de questões tão complexas e profundas que são abordadas.

Discutir a monogamia, a opção sexual, o desejo X o amor são questões extremamente interessantes, ricas e profundas - vide inclusive o post anterior com comentários sobre Tomboy, entretanto aqui há muitas janelas abertas e algumas pontas parecem ficar soltas (ou gratuitas e desnecessárias).

Tykwer parece estar em busca de um caminho com temas mais densos, mas parece faltar umas aparadas nas arestas para chegar lá...

Tomboy (Céline Sciamma)

2012-02-19T01:31:00.001-08:00

Estimulante ver jovens promissores como a roteirista e diretora francesa Céline Sciamma.

Depois do sucesso com seu curta-metragem Lírios D'água (Naissance des pieuvres), Céline conseguiu projeção e recursos para dirigir uma bela e difícil história: Tomboy.

O mérito começa no casting de crianças e pré-adolescentes que nos conquistam pela graciosidade, espontaneidade e profundidade diante de situações tão complexas.

Especialmente Zoé Héran, que interpreta a protagonista Laure, menina que se apresenta como o menino Michaël, quase em uma versão pré-adolescente de Hilary Swank em Meninos não choram.

Zoé chega a parecer um hermafrodita, tamanha a dúvida gerada sobre sua identidade de gênero, fazendo valer e pensar discussões cada vez mais debatidas -

vide a última entrevista do cartunista Laerte Coutinho na TV, que pode ser assistida no youtube.

Laure é a filha mais velha de uma família classe média que acaba de se mudar para um novo condomínio em uma tranquila cidade francesa.

Laure tem que então se entrosar e se adaptar em uma nova vida e aproveita para se apresentar como Michaël.

As tensões estão então plantadas: a cada novo amigo, nova interação e novo conflito a complexidade da situação vai aparecendo. E sempre num crescente e com uma suavidade e beleza juvenis.

Lembra o aspecto pueril de Minha vida em cor de rosa, do belga Alain Berliner, outro exemplar de como tratar a questão da homossexualidade na infância.

Sem falar no maravilhoso Amigas de Colégio, de Lukas Moodysson.

Em Tomboy as personagens secundárias também se destacam, seja pelo roteiro, pelos diálogos ou pelas atuações, por exemplo da personagem da irmã mais nova de Laure, ou pela menina por quem ela se interessa.

Passagens divertidas, comoventes, estimulantes.

Envolvem, entretem, comovem e incentivam a reflexão. Não é a toa que ganhou prêmios importantes, como Urso em Berlim em 2011, vale a pena!

J. Edgar (de Clint Eastwood)

2012-02-15T12:23:00.002-08:00

Clint Eastwood é um exemplo. Artista surgido como ator de faroestes americanos, um dos principais caubóis de filmes como Três Homens em Conflito de Sérgio Leone,

Clint logo se aventurou também na direção, estreando com Perversa Paixão em 1971 e em seguida passando a atuar também como produtor e compositor de muitos de seus filmes (uma lista com mais de 30 títulos já).

Em quase 60 anos de carreira, Clint se mantém fiel ao cinema clássico e ao estilo durão dos seus primeiros personagens, mas parece estar sempre em busca de temas polêmicos e da subversão de sua própria persona.

Nas últimas décadas, Clint explorou temas como a eutanásia, a participação americana na 2a Guerra Mundial, a situação dos imigrantes nos EUA, a vida após a morte,

e um tema bastante recorrente que são os equívocos cometidos pela lei - fosse na adaptação do excelente livro de Lehane, Sobre Meninos e Lobos, no excessivamente melodramático A Troca ou em seu filme mais recente, J. Edgar.

Aqui, Clint conta a história de um dos mentores e criadores do FBI, J. Edgar Hoover. Hoover é apresentado por Clint como um obcecado pelo trabalho, compulsivo pela justiça, ou ainda, pela anti-criminalidade, já que esta "justiça" é questionada pelo filme.

(Talvez como O Espião que sabia demais, que também parece ter essa intenção, mas escorrega em seus excessos).

Afinal, compulsões exageradas levam a normas muito rígidas, inapropriadas ao comportamento humano.

Comportamento do próprio Hoover inclusive, que vive como um homossexual reprimido, nunca chegandondo a assumir o amor que ele compartilha com seu assistente e que segue fiel mesmo sem a consumação do sentimento.

Por isso, mesmo que não se crie empatia com esse protagonista, mesmo que o filme pareça excessivamente árido em seus ambientes de escritório e de "cenas de crimes", mesmo que o conservadorismo de Clint transpareça em suas escolhas de temas, personagens e linguagens,

mesmo assim há um mérito inquestionável de sua busca incessante para entender o ser humano e colocar à prova sua própria persona (já que ele segue sendo o "machão" nos filmes em que atua).

Essa auto-ironia, esse humor fino, essa complexidade, esse mergulho no ser humano às vezes se perdem no tom,
como em A Troca ou Além da Vida, ou em excessivos elogios e falta de foco, como em Invictus e a história de Mandela.

Mas em outras vezes ele é preciso, ferino, denso e primoroso, como em Menina de Ouro ou Gran Torino.

Em J.Edgar, Clint se sai muito bem, apresenta uma boa (e verídica) trama, apresenta uma parte importante da história dos EUA e uma personagem complexa, tem ótimas atuações e tem um filme competente e equilibrado, mas talvez até por isso não seja tão pleno e não agrade tanto a todos.

Mas o eterno caubói certamente não se importa e continuará sua busca, aparentemente sem pudores, vergonhas ou receios (como prova também por sua atitude de não se envergonhar de seus quase 82 anos e suas marcas, registradas em capa de revista recentemente).

Por essas e tantas outras: vida longa ao Clintão!

O espião que sabia demais (tinker tailor soldier spy)

2012-02-14T10:43:00.000-08:00

Depois de seu excelente filme anterior,
Deixa ela entrar, "filme de terror lírico", daqueles que ficam com o espectador (inclusive com lembranças que melhoram e se adensam com o passar do tempo) pela graciosidade e profundidade da relação de dois meninos em meio a uma história de vampiro...

Agora o sueco Tomas Alfredson se arrisca ao clássico livro de John le Carré, para falar dos bastidores do Serviço de Inteligência do Reino Unido em uma época de extrema desconfiança e violência, os anos 70 e sua Guerra Fria.

Tema interessante, bom trabalho técnico (fotografia, som, arte...), ótimo elenco, porém o roteiro é mal construído. Segredos e não linearidades exageradas, que ao invés de deixarem a trama instigante, a deixam confusa e cansativa.

Quase nada acontece no presente, mesmo situações que acabaram de acontecer, são sempre relatadas por um dos envolvidos.

Assim as narrações se tornam extremamente excessivas, atravancando a fluidez dos fatos e fazendo com que as cenas sejam relatos ilustrados com alguns quadros praticamente estáticos dos acontecimentos.

As traições, assassinatos, diálogos perdem todo seu caráter de ação (aviões e carros aparecem estacionados e sexo e flagrante são vistos em plano geral), que poderiam aproximar o filme de sucessos como a sequência 007 ou a trilogia Bourne.

Ou ainda exemplos de tramas policiais ou de suspense mais elaborados e profundos, como outra adaptação de Carré, O Jardineiro Fiel, de Fernando Meirelles ou o excelente exemplo alemão Os Falsários.

Ao final, Tomas acaba desgastando o espectador e fazendo diluir questões interessantes deste Espião, como a moral humana em relação à vida, as questões pessoais em relação às questões de Estado, os custos de se manter a ordem de um país, as crises de consciência etc.

Talvez com o sucesso, ele tenha querido explorar muitos aspectos da trama com muitas desconstruções de linguagens e tenha se perdido de pequenos focos mais instigantes (como era o caso de Deixa ela entrar...).

A Separação (de Asghar Farhadi)

2012-02-13T20:03:00.000-08:00

Diferente de outros filmes iranianos mais contemplativos ou nostálgicos, Asghar Farhadi nem aborda a infância como em
Balão Branco, A Maçã e O Silêncio; nem mais filosóficos e metalinguísticos como Gosto de Cereja ou Salve o cinema; nem políticos como os recentes Dias Verdes ou Isso não é um filme.

A Separação tampouco fala da condição da mulher como ocorre em O Círculo e Olhando espelhos, Farhadi fala de um cotidiano sutil, prosaico e extremamente complexo ao mesmo tempo.

O filme parte da discordância de um casal de classe média e seu pedido de separação muito mais para falar sobre impasses: os motivadores, a relação religiosa, moral e jurídica no cotidiano iraniano e desdobramentos possíveis.

Assim, a esposa que quer mudar de país e vê na discordância do marido um obstáculo na relação, a levam a um pedido de divórcio; discordância essa gerada pela dependência de um pai/sogro já debilitado que exige cuidados especiais;

Dependência essa que leva à contratação de uma empregada; empregada essa que tem vários problemas pessoais - filhos, crises financeiras que geram crises emocionais: desemprego, dívidas, prisões, depressões; problemas esses que levam a tensões e vulnerabilidades...

Vulnerabilidades que são gerais e fazem com que todas as personagens envolvidas sejam ao mesmo tempo culpadas e inocentes e que a cada dado apresentado a situação se torne mais complexa.

Construção audiovisual simples: câmera ágil; fotografia, arte e som discretos; bom elenco; mas mais que tudo: uma boa premissa, bons diálogos, um ótimo roteiro, que apresentam as situações e as personagens por camadas e constroem um crescente instigante da trama.

Não há rebuscamento, é a situação crua e a condução enxuta que dão o tom realista e que nos fazem acompanhar com proximidade tudo que está se passando e, consequentemente, fazendo com que seja mais difícil ainda com que nos posicionemos.

Um filme em defesa do diálogo, justamente por tantas tentativas frustradas de remendos de confissões, dúvidas, meias-verdades...

Profundo e inquietante, vale as horas de reflexão (bem além dos 123 minutos de sessão).

L'Apollonide: Os Amores da Casa de Tolerância (Souvenirs de la maison close)

2012-01-31T21:33:00.000-08:00

Bertrand Bonello parece instigado com o poder que o sexo pode exercer entre as pessoas, suas implicações e seu comércio.

Pelo menos é o que se observa vendo O Pornógrafo, longa deste diretor francês exibido há cerca de dez anos e em seu filme mais recente: L'Apollonide.

Aqui, Bertrand se inspira nas casas de comércio sexual - ou puteiros - na virada do século XIX para o XX na França.

Esse contexto histórico justifica e reforça ainda mais uma crítica à certa hipocrisia da sociedade francesa, em seu discurso de liberdade, igualdade, fraternidade, a sociedade culta e requintada que mostra suas mesquinharias e vilanias. Entretanto, apesar disso o filme parece universal e atemporal.

Inclusive nessa percepção de Bertrand está um dos maiores primores do filme: o prólogo com animação de fotos das personagens clipadas com música de outra época e um epílogo genial, em cena verídica, contundente, dramática, belamente triste e tristemente bela...

Nas demais partes - o meio, ou o filme propriamente dito - o que vemos é o dia-a-dia da tal casa de tolerância: as meninas à paisana, fora do trabalho - suas brincadeiras, cumplicidade, simplicidade, sonhos, cansaços...

E também as meninas "na função": sua abordagem com os clientes, certa diversão, mecanicismo, sentimentos, sensações (do melhor ao pior), perversões, mostrando muitas vezes o lado intolerante da tal casa.

(Há cenas de meninas violentadas, outras adoecendo, meninas totalmente enojadas com o sexo, a ponto de perderem totalmente o prazer, outras perdidas em busca de preenchimentos por exemplo em drogas efêmeras, etc).

E também o lado muitas vezes mais intolerante ainda de fora da casa. As belas jovens conversam sobre o mundo de fora e sem nenhum romantismo com as possíveis vidas de empregadas em outros trabalhos. Tampouco por isso elas se glamourizam como putas, elas encaram com crueza e realismo a condição de serviçais (ou servas, já que esse parece o regime em que trabalham). Tratam da higiene, calculam os gestos e as conversas, falam do trabalho como "negócio".

Um universo extremamente rico. E Bertrand o capta muito bem. Excelente direção de arte e fotografia, casting preciso e diversificado, diálogos interessantes, cenas e curvas criativas no roteiro...

Mostrando a singularidade, a beleza e a poesia, fora do glamour, de sua história. Mas se desgastando um pouco nessas descrições.

O filme é longo e é muito mais adjetivo do que narrativo, a mise-en-scène e as interpretações chegam muitas vezes a ser afetadas e quando não nos afetam com sensibilidade, nos cansam.

Fosse um pouco mais enxuto e seria mais acachapante.

De qualquer maneira é um filme ímpar: forte, poético e eloquente! Sem dúvida vale a sessão!

Os Famosos e os Duendes da Morte

2012-01-30T17:22:00.000-08:00

Primeiro longa-metragem do jovem diretor brasileiro Esmir Filho, já datado de 2009,
Os Famosos e os Duendes da Morte é ousado, intimista e com cenas valiosas.

Em seus curtas, Esmir já esboçava uma carreira interessante, com domínio da linguagem (Saliva - foto à esquerda);

Brincadeiras de gêneros (Ímpar Par); ótima direção de atores (Alguma Coisa Assim - foto à direita); texto prosaico, inusitado, interessante... E até brincadeiras de sucesso (Tapa na Pantera , um hit no youtube).

Em Os Famosos e os Duendes da Morte Esmir parece buscar um filme tão intimista que muitas vezes parece etéreo. Filme de clima, cheio de subjetividades e poesia.

Às vezes nem tão bem dosadas e trabalhadas já que há desníveis de interpretação e a linguagem poética em alguns momentos chega a ser afetada...

Mas no geral o filme é envolvente, profundo e instigante. História de um garoto em uma pequena cidade do sul do Brasil, se deparando com desejos, encantos, ídolos, mortes, família, solidão e sua própria expressão (em linguagens contemporâneas de blogs, chats e afins).

Valeu a pena o preenchimento desta lacuna da cena brasileira atual de cinema! E entusiasmou na espera pelo próximo filme de Esmir!

2 Coelhos

2012-01-27T08:43:00.000-08:00

Estréia cinematográfica de Afonso Poyart, que antes apenas havia feito o curta:
Eu te darei o céu.

Entretanto Poyart tem experiência e fica nítido no ritmo e estética de 2 Coelhos: a publicidade.

2 Coelhos conta a história de um rapaz de classe média que se vê envolvido direta e indiretamente em crimes, falcatruas, trapaças, perseguições etc.

Filme de ação bem intenso, entretanto com um roteiro fraco e muitas vezes gratuito.

Pelo gosto pelo roteiro não linear há um quebra-cabeça da história que não instiga, nem traz muitas surpresas ou reflexões;

Pelo gosto pela ação vem crimes e situações clichês e a falta de motivação e aprofundamento das personagens (um desperdício com um bom elenco);

Pela ação e como diferencial, animações que muitas vezes parecem ruídos cansativos.

Talvez seja apenas uma questão de gosto, de (des)identificação, de geração...

De qualquer maneira espero que o coelho possa sair da toca, pois tantas exemplos similares internacionais que fazem sucesso, que esse possa cair no gosto popular, ou ao menos daqueles que gostam de perseguições, intervenções gráficas, músicas pop, qualidade técnica...

Adeus, Primeiro Amor (un amour de jeunesse)

2012-01-24T10:42:00.000-08:00

A diretora francesa Mia Hansen-Løve traz em seu último filme, Adeus, Primeiro Amor, uma temática que lhe deve ser próxima e íntima: o primeiro amor e as descobertas da juventude.

Próxima e íntima ao tema, tanto por seu sobrenome, como por sua idade - Mia tem apenas 30 anos, apesar desse já ser seu 3o longa! (a foto de Mia ao lado foi aos 18 anos, quando entrou no mundo cinematográfico)

Por isso a diretora parece à vontade para trabalhar a história comum de uma adolescente completamente entregue ao seu primeiro amor.

A intensidade do sentimento é tanta que ela se perde em medos e angústias, principalmente após o namorado partir em busca de aventuras pela América Latina, a deixando.

Camille, vivida pela carismática Lola Créton, sofre à exaustação, mas toca a vida. Mesmo com as notícias cada vez menos frequentes e menos carinhosas do namorado, Camille não perde as esperanças e se dedica aos estudos.

E, assim como na vida real, os lutos dos relacionamentos tem fim, e não só Camille começa uma nova vida, tem bons resultados nos estudos, um promissor início de carreira, como acaba se envolvendo com outro homem.

Os méritos desse tema clichê estão na simplicidade da abordagem, no elenco, nos diálogos e em algumas reviravoltas surpreendentes, trilha sonora interessante...

O filme peca um pouco por não dar um tempo maior à contemplação, que poderia nos aproximar mais das personagens.

Há cortes incessantes e as personagens nunca aparecem paradas, estão sempre andando, se movimentando, sentando, levantando... Nem mesmo quando relaxam ou conversam, pois no segundo seguinte já tem uma ação, o que nem sempre combina com o interior delas...

E às vezes deixam os diálogos um pouco frios e repentinos demais (o que sempre pode ser pelo caráter francês dos envolvidos...)

Assistir a filmes de outras culturas sempre nos deixam na dúvida se está verossímil ou se não está exagerado ou se apenas faz parte daquele universo e do ser diferente...

Diferente, mas no caso, impossível também não se identificar... Confira o trailer, o filme e "volva un poco a los 17"...

Românticos Anônimos (Les émotifs anonymes)

2012-01-19T15:01:00.000-08:00

Não muito conhecido por aqui, o diretor
Jean-Pierre Améris já tem cerca de uma dezena de longas em sua filmografia. O mais recente lançado, e que chegou por agora no Brasil, foi Românticos Anônimos, uma comédia singela e agradável.

A história de dois páreas: Angélique e Jean-René unidos pelo amor ao chocolate - que dedicam em uma chocolateria à beira do fracasso. O casal se sente atraído desde a primeira vista, mas ambos são traídos por suas manias, angústias, TOCs, síndromes... Por serem românticos excessivos e por enfim tentarem sair do anonimato...

O filme é correto e bom: casting, direção, qualidade técnica... Entretanto, para ser uma comédia e de um tema batido, faltou algum ponto mais criativo, uma situação a mais no roteiro, um algo a mais na interpretação, um exagero na linguagem, uma aproximação maior com as personagens...

(Algo que marcasse mais, como fez Lasse Hallström, que para adocicar seu romance Chocolate explorou as cenas do próprio doce de cacau afrodisíaco, provocando a imaginação e o padalar dos espectadores, em uma trama que também não esbanjava criatividade...).

De qualquer maneira, Românticos Anônimos é prazeroso. Como Angélique ao se referir ao chocolate: mesmo sem ser tão bom, é bom... Assim é essa comédia romântica...

Vale a degustada!

As Aventuras de Spielberg (Adventures of Tintin)

2012-01-15T07:03:00.000-08:00

Eterno coração de menino, Steven Spielberg parece se sair melhor em histórias de crianças, jovens e aventuras...

(Já que é capaz também de filmes bem irregulares como A.I. - Inteligência Artificial e alguns que nem consegui ver inteiros como Guerra dos Mundos).

Aqui ele se inspira nas clássicas histórias do belga Hergé, Les Aventures de Tintin (tantan), Spielberg parece ter sido fiel aos personagens e a trama de Hergé em sua nova animação 3D.

Jornalista curioso, perspicaz, valente e com uma arma secreta - seu fiel companheiro canino Milu -

Tintin compra uma réplica de um barco antigo e a partir dele descobre as histórias passadas do barco verdadeiro...

Marinheiros, piratas, tesouros, cobiça, traições, vinganças, lealdade, lutas, viagens...

Boa história, bom ritmo, boa técnica (animação, 3D, visual, trilha...).

Tintin desperta o instinto aventureiro de nossas crianças internas e deslumbre por lugares desconhecidos e novas velhas histórias...

Jeunet e Gilliam: duas mentes fantásticas

2012-01-07T12:04:00.000-08:00

Poucos são os cineastas que se arriscam fora do realismo, principalmente em fantasia para adultos, especialmente se não for ficção científica. E raros são os talentosos nessa arte e mais difícil ainda que não sejam puramente comerciais e ainda por cima que sejam exitosos na bilheteria...

Terry Gilliam (esq) e
Jean-Pierre Jeunet (dir) são alguns desses exemplos de exceção.

Conheci Gilliam ainda na infância com o ótimo As Aventuras do Barão de Münchausen (só anos e anos depois vim a conhecer o Monty Python).
Acompanhei alguns de seus seguintes filmes como O Pescador de Ilusões,
Os 12 Macacos e Os Irmãos Grimm.

(além da tentativa de adaptação de
Dom Quixote que infelizmente rendeu apenas um documentário sobre todos os percalços de realização).

Jeunet conheci na parceria com Marc Caro no maravilhoso Ladrão de Sonhos, depois que fui ver Delicatessen, e segui acompanhando sua trajetória com O Fabuloso Destino de Amélie Poulain e Eterno Amor.

Mas esse terreno fantástico não é fácil, muito difícil dosar o inventivo com o narrativo, o absurdo com o atrativo e mais ainda ter certa profundidade como era o caso de Münchausen ou Ladrão de Sonhos.

Por isso em seus exemplos mais recentes:
Micmacs, um plano complicado, de Jeunet e O Mundo Imaginário de Dr. Parnassus, de Gilliam - vejo o talento e a maestria com a qual criam universos paralelos, mas não me envolvo tanto com as histórias.

Muitas vezes parecem quase um pretexto para poder abrigar as personagens mirabolantes e poder dar espaço para tantas cores e luzes.

Micmacs tem uma história divertida e saborosos personagens, mas passados um par de anos (o filme é de 2010) a história já se dilui e já parece quase opaco...

Dr. Parnassus tem ótimos pontos de saída, me promovem mergulhos imagéticos, mas não me levam a lugares tão distantes...

(não sei o quanto o novo percalço pelo qual passou Gilliam o prejudicou - perdendo seu protagonista - Heath Ledger - em uma morte inesperada e tendo que multifaceta-lo em outros atores).

Acabo preferindo meus próprios sonhos, ou filmes realistas mas que com suas profundidades me permitem viajar dentro deles...

Talvez algo pessoal meu, de não me excitar tanto com a magia da arte desses filmes.

Acho incríveis as personagens, lindos os cenários, excelente a fotografia e o som, a arte impecável mas sinto falta de algo a mais nos roteiros...

Mas sigo esperançosa com esses diretores, pois talento há e extremamente promissor (já que tantas vezes certeiros)!

Budapeste - do livro ao filme

2012-01-05T19:17:00.000-08:00

O livro de Chico não é fácil: diversas camadas, tempos e espaços.

O protagonista é um ghost writer e partindo disso já temos diferentes nuances: o universo cotidiano dele, o universo do criar, o universo das criações e o universo da mentira dessa fantasia, já que estamos falando de escritores fantasmas...

Esse protagonista vive a vida dupla de escritor e acaba escolhendo uma vida dupla na Hungria para tentar se encontrar... Larga o Rio de Janeiro e se instala em Budapeste. E vai e volta. E se atrai por histórias, por culturas, por lugares, mas mais do que tudo: por línguas, por palavras, por sonoridades...

Mas essa personagem é daquelas onde não se identifica exatamente a motivação, há uma nebulosidade, um tédio, uma falta de paixão em seu entorno, um pouco como tantas personagens dostoievskianas, por exemplo...

Conclusão: um protagonista sem graça, daqueles que queremos sacudir e de quem esperamos reações o tempo todo.

Mas o livro vai entretendo e o desafio criativo do protagonista e seus duplos nos intrigam e nos levam a um final surpreendente, da narrativa mais simplória e realista se passa a um patamar mais poético e reflexivo sobre criador e criatura...

Difícil adaptação cinematográfica.

Não só pela demanda de poesia e reflexão, mas principalmente pela falta de carisma do protagonista.

No cinema não há muito espaço para personagens assim. Pode-se ter vilões, pode-se ter personagens perdidos, sem rumo, mas há certa máxima em que personagens devem ter objetivos e lutar por eles.

Assim, mesmo um protagonista entediado e perdido como Jack Nicholson em O Iluminado de Kubrick, tem brilho no olhar.

Ou personagens mais cinzentos demandam um entorno, como o coro de personagens em M. O Vampiro de Dusseldorf de Fritz Lang ou ainda a voz narrativa ácida, irônica e cheia de personalidade de Brás Cubas em suas memórias (de Machado às adaptações).

Walter Carvalho se instiga pelo desafio da adaptação buarquiana (outrora magistralmente adaptado por Ruy Guerra em Estorvo).

Walter é bastante fiel, mas se perde justamente no retrato cinza de seu protagonista.

Começando pela seleção de Leonardo Medeiros para o papel, que mais uma vez traz seu tom cotidiano, cansado, sem curvas, sem brilho (como em outros filmes comentados aqui).

As outras personagens tampouco ajudam, pois são justamente projeções da mente enfastiada e cinzenta de seu protagonista.

E assim a narrativa avança competentemente (boa fotografia, cenários, locações, som...), mas sem grandes curvas, sem luz e com o agravante das duas horas não darem conta da progressão de suspense que há no livro.

Walter tem consolidado uma carreira de fotógrafo brilhante e uma cinematografia já sólida e eclética, começando com seu excelente documentário Janela da Alma e passando pelos mais comerciais Cazuza, o tempo não para e Raul, o início, o fim e o meio (a estrear em breve).

Mas aqui, em Budapeste, o resultado foi um filme morno e que se distancia do livro pela frase - que inclusive abre o filme: "Pensei que Budapeste fosse cinza, mas Budapeste é amarela"...

Faltou o amarelo e essa luz e esse dourado que poderiam fazer do filme algo mais fiel à cidade-título...

A Chave de Sarah (Elle s'appelait Sarah)

2012-01-05T00:52:00.000-08:00

Adaptação de livro homônimo de Tatiane de Rosnay, A Chave de Sarah se inspira em passagem real da história: a prisão e encaminhamento de milhares de judeus franceses para Auschwitz em 1942.

Apesar das dezenas de filmes (entre eles verdadeiras obras-primas) sobre o assunto, o diretor francês Gilles Paquet-Brenner consegue trazer uma abordagem com pontos diferentes e bem interessantes.

O filme segue duas linhas narrativas: uma no presente, onde a jornalista Julia Jarmond, vivida pela excelente Kristin Scott Thomas (marcante por filmes como Há Tanto Tempo que te Amo - já comentado aqui), que pesquisa essa passagem da 2a Guerra.

Tanto por demandas de sua profissão quanto por circunstâncias e coincidências pessoais que também trazem novos pontos de vista e perspectiva à história (ao falar de família, casamento, maternidade etc).

A outra linha é a que se passa no período de guerra e que tem como protagonista Sarah, uma menina que tem sua vida interrompida ao ser capturada junto com sua mãe e seu pai, mas que consegue proteger seu irmão o trancando no armário na promessa de salva-lo com a chave que leva...

Por um lado cenas de investigação jornalística, dor e pesar, por outro cenas de campo de concentração, dureza, privação, preconceito, compaixão...

Um pouco do que já foi narrado e visto muitas outras vezes mas com um acréscimo sobre a importância da história na vida das pessoas:

O trauma de lembrar e a angústia maior de esquecer, não tomar conhecimento ou nem saber. Aí está o principal conflito desse filme de tantas camadas e aí está seu principal mérito.

Bonito, profundo e bem realizado, talvez se perca um pouco no roteiro e na adaptação já que trabalha com muitas idas e vindas, providências, coincidências...

Há momentos de certo rococó e rebuscamento que distanciam um pouco. Fosse o filme mais simples e cru e nos deixaria mais próximos dessas duas mulheres tão fortes que nos cativam e nos emocionam filme afora, ou melhor, filme adentro...

Tudo Pelo Poder - The Ides of March

2012-01-03T14:31:00.000-08:00

George Clooney vem se alternando na direção (e de certa forma, um pouco mais desigual, também na interpretação) entre filmes mais cômicos, românticos, leves e populares e filmes de temas mais densos e espinhosos.

Começou com Confissões de uma Mente Perigosa (Confessions of a Dangerous Mind), passou ao ótimo Boa Noite, Boa Sorte (Good Night and Good Luck), no qual narrava um episódio da televisão americana e seus anos de censura em uma luta entre o apresentador Edward Murrow e Joseph McCarthy.

Tema político, ao mesmo tempo histórico e contemporâneo, tamanha a influência da mídia e sua repercussão na vida das pessoas desde seu surgimento. Um filme simples, sintético (poucos atores, locações, cenários) e muito elegante (bela fotografia PB, ritmo e elenco precisos).

Em seguida uma comédia para refrescar - O Amor não tem Regras (Leatherheads).

E novamente o tema político, explicitando ainda mais relações de poder e política.

Tudo pelo Poder (The Ides of March) é uma adaptação da peça de Beau Willimon sobre os bastidores de uma campanha política:

Um candidato à presidência (Clooney - explorando seu carisma para a personagem);

Seus assessores (o excelente Philip Seymour Hoffman - como velho amigo e companheiro - o pouco conhecido Ryan Gosling - como jovem promissor);

E o assessor do concorrente (Paul Giamatti).

No filme as verdadeiras "táticas de guerrilha" de uma campanha: limites de sonhos, metas, aspirações, ética, escrúpulos... Diálogos inteligentes, de humor ácido, de realismo podre (ou de poder).

E em meio às aspirações de poder surgem os desejos da carne (através da jornalista vivida por Marisa Tomei e pela carinha mais conhecida pelas séries americanas, mas com futuro promissor para as telonas: Evan Rachel Wood), para dar mais nuances e mais suspense a esse thriller político.

E nesse triangular de sexo, poder e disputas vem reflexões mais profundas e inquietantes que fazem o filme se destacar além dos bons diálogos e do bom registro dos bastidores políticos.

Filme com temática mais intelectual, mas em roupagem mais comercial... Nos EUA parece que não atraiu muito público, mas parece que renderá bons prêmios. Aqui, dentre várias opções, vale a pena se ver!

As Canções de Coutinho

2011-12-28T07:26:00.000-08:00

Autor de um dos documentários mais importantes do cinema brasileiro - Cabra Marcado para Morrer, Coutinho toca pela simplicidade, pela crueza e intensidade dos depoimentos selecionados.

Com temas e cenários ora mais contundentes, como o maravilhoso Boca de Lixo,
ora mais transcendentais, como Santo Forte,
ora mais singelos como O Fim e o Princípio;

E também com exemplares de uma genialidade e sensibilidade incríveis como em Jogo de Cena, um dos melhores filmes brasileiros dos últimos tempos.

Em Jogo de Cena Coutinho embaralha depoimentos reais de mulheres sobre a maternidade e o amor, entre outros assuntos e interpretações desses depoimentos.

O jogo de cena feito mexe com o espectador que vê o pacto que faz com o filme (de credibilidade pela "verdade", de entrega a emoções reais etc) ser quebrado e refeito a todo momento. As reflexões propiciadas por essa montagem são interessantíssimas, emocionantes e profundas.

Difícil pensar o que poderia vir depois desse filme e então Coutinho parte de uma premissa mais "simples", na mesma linguagem minimalista de pessoas falando sem cenário, mas com a mesma seleção emocionante de palavras do coração...

Palavras do coração não no sentido piegas, embora também. A partir de músicas que marcaram a vida de pessoas, elas contam situações de amor pelas quais passaram e daí cantam à capela as palavras e melodias que lhes rondam pelo amor, pela dor, pelo ciúmes, pela frustração, pelo pesar, pela alegria...

De uma intimidade quase constrangedora, tamanha a proximidade e invasão em universos tão particulares.

(Parece quase uma sessão de terapia filmada, que parece beirar a ética da exposição alheia, não houvesse uma pesquisa, uma seleção, um cuidado que legitimam o desejo dos entrevistados de desabafarem para quem quiser ver - e ouvir!).

Mas o que torna o filme tão bom é esses universos tão particulares e íntimos serem também tão universais. Passamos pelos 90 minutos compartilhando histórias bonitas e doídas e rememorando nossas próprias, cantando junto e somando outras ao repertório...

As Canções, filme para ver e ouvir e despertar as lembranças...

Restless e a inquietude de Gus Van Sant

2011-12-18T11:19:00.000-08:00

Gus Van Sant é um diretor extremamente talentoso e que pode variar em narrativas mais clássicas como Gênio Indomável e Milk (já comentado aqui) e outras mais autorais e líricas como Paranoid Park e Elefante, vencedor de Cannes em 2003.

Uma de suas constantes, independente da forma, é a juventude e, mais que isso: jovens deslocados, melancólicos, solitários, gauches...

E é assim em seu novo filme, Restless, no Brasil: Inquietos.

Enoch (Henry Hopper) é um frequentador de enterros morbidamente interessado - ou intrigado - com a morte. Nesse ambiente conhece Annabel (Mia Wasikowska), uma simpática e misteriosa garota que em seguida descobrirá ser uma paciente com câncer.

Os dois se identificam por suas excentricidades, seu gosto pela fantasia e abertura à imaginação. Se propõe jogos, charadas, faz-de-contas e não expõe nenhum preconceito por qualquer dúvida ou diferença que apresentem (muito diferente de uma média onde jovens posam de "sabe-tudo" e tentam seguir padrões).

Essa "fantasia" é o que torna o filme tão bonito e faz com que questões profundamente complexas como o amor e a morte se vejam tão poéticas.

Mas é também nesse tom surreal que o filme se amorna.

Não há em Inquietos um pacto de fantasia como nos filmes de Jean-Pierre Jeneut, por exemplo em seu mais conhecido Amélie Pouilan, ou nos recentes Submarino de Richard Ayoa e
Frango com Ameixas de Marjane Satrapi (já comentados aqui e ali, mas ainda inéditos no circuito comercial).

E assim suas personagens ficam um pouco perdidas em um tempo e espaço que poderiam ser mais interessantes se num universo completamente verossímil, que daria uma dimensão mais exótica e densa - como acontece em Os Sonhadores do mestre Bertolucci.

Alguns aspectos do filme que contribuem para isso são o excesso da trilha musical e a presença de fantasmas, que deixam a dúvida se o filme está sendo narrado em terceira pessoa ou não.

Se há uma mistura de subjetividade com paranóias e traumas envolvidos, já que o filme evoca esses desdobramentos de experiências de morte.

Algumas lapidadas e o filme seria mais intimista, mais profundo, mais poético. Ficaria mais aberto às interpretações do espectador, que sem dúvida se envolveria pois o filme é muito bem construído (elenco, interpretações, fotografia, arte...).

Bonita obra, mas que poderia tocar mais.

Rebobine, por favor

2011-12-15T19:10:00.000-08:00

Gênio do mundo do videoclipe, com grandes obras criativas e estéticas

(de artistas como Björk e Chemical Brothers), de vez em quando Michel Gondry também se aventura pela sétima arte.

Por exemplo com o hit (até excessivamente cultuado) Brilho Eterno de uma Mente sem Lembranças (comentado aqui), no qual explorou além de seu talento visual, sentimentos e pensamentos profundos e abstratos em uma narrativa bem estruturada e envolvente.

Esse histórico foi o que me levou a ver - mesmo que tardiamente - Rebobine, por favor, ou no original: Be Kind, Rewind.

A sinopse tem algum atrativo criativo já que após as fitas de uma locadora serem desgravadas (por uma "desmagnetização" acidental), há um grupo recriando clássicos do cinema-pipoca americano,

E tem como protagonista Jack Black, que costuma desempenhar muito bem seus papéis nerds-humorísticos (como em Alta Fidelidade e Escola de Rock)

Entretanto o filme é bastante pobre, não só as recriações extremamente toscas, que parecem literalmente brincadeiras juvenis, mas também o "filme por trás do filme".

As histórias desses "pretensos cineastas" são simplórias, seus conflitos pouco envolventes, suas personalidades pouco carismáticas e as premissas pouco críveis e um tanto gratuitas.

O que poderiam ser duas horas de entretenimento-pipoca, acabam mais como um chá-morno-enfadonho.

Faltaram justamente as principais qualidades de Gondry: criatividade (pois o nonsense parece mais uma piração amadora) e estética.

A Pele que Habito

2011-12-11T13:26:00.001-08:00

Almodóvar é um cineasta de tintas fortes, personagens exageradas, tramas intensas.

É capaz de obras interessantes e muito divertidas como um de seus primeiros filmes Pepi, Luci e Bom ou o clássico Mulheres à Beira de um Ataque de Nervos - nelas há tons cômicos e farsescos e muitos histrionismos bem orquestrados.

Mas é capaz também de filmes dramáticos nos quais há uma ímpar humanidade em suas personagens, propiciando aproximação e identificação do espectador (ainda que haja certa dose de caricatura...).

Foi assim na sequência Carne Trêmula,
Tudo Sobre Minha Mãe e Fale com Ela.

Histórias nada convencionais mas nas quais havia sentimentos muito bonitos: uma delicadeza em crimes, bizarrices e rompantes emocionais. Primor raro!

Agora em seu novo filme:
La Piel que Habito, Almodóvar se inspira no livro de Thierry Jonquet para criar uma dramática e pungente ficção científica.

Faz lembrar o clássico de Cronenberg: Dead Ringers - Gêmeos, Mórbida Semelhança (já comentado aqui), pela trama instigante, o drama profundo e pelas personagens excêntricas (médicos desafiando a ciência de acordo com seus desejos e instintos).

Mas sem dúvida remete também ao próprio Almodóvar, pela sua explosão de cores na foto e na direção de arte.

Entretanto o filme peca pelo excesso: excesso de histórias, excesso de reviravoltas, excesso de drama... Em alguns momentos chega até a parecer uma novela televisiva...

Por exemplo por seu excesso de personagens e tramas.

Começando pelo protagonista cheio de traumas, complexos e perversões e interpretado de maneira lacônica por Antônio Bandeiras - a frieza, que poderia ser um ponto positivo, não tem a dimensão da profundidade necessária e acaba não convencendo.

A alusão que há de outras histórias paralelas também incomodam, por exemplo de seu irmão (personagem falsamente brasileiro - o que para nós chama mais ainda a atenção e incomoda pelo sotaque e por uma menção ligeira ao tráfico nas favelas).

Ele surge sem muita apresentação, vestido com uma fantasia de tigre, traindo a todos e não demonstrando nenhum sentimento e desaparece sem que tenha provocado nossa curiosidade para nada, nem deixado nenhuma marca.

Para a apresentação dessas personagens secundárias ainda são explorados recursos pobres como flashbacks e narrações, que não condizem com os temas profundos que estão sendo tratados...

Sexualidade, transexualidade, incesto, desejo, amor, morte...

O potencial que o filme tem com suas questões psicanalíticas, acabam se perdendo em um rococó narrativo...

As questões tão interessantes que poderiam permanecer com força e vivacidade acabam se misturando, se perdendo e se diluindo pelo cansaço que o filme gera...

Valem as reflexões, mas a experiência cinematográfica deixa a desejar!

Isto não é um filme

2011-12-09T09:20:00.001-08:00

Assistir a Isto não é um filme não é apenas uma contemplação de arte e entretenimento, é também uma observação histórica e um ato político.

Jafar Panahi, cineasta iraniano autor de grandes obras como o singelo e gracioso O Balão Branco, premiado em Cannes em 95;

O Espelho, premiado em Locarno em 97 ou o forte e emocionante O Círculo, vencedor de Veneza em 2000.

Agora Panahi tem um novo projeto no qual gostaria de falar sobre uma jovem que quer estudar artes, mas que é proibida por seus pais sendo inclusive encarcerada dentro de casa por isso...

Panahi nos conta isso dentro de sua casa, onde vive há meses em prisão domiciliar e com uma sentença que lhe proíbe filmar por vinte anos.

É o que vemos em Isto não é um filme.

Esse documentário não é a história que Panahi queria nos contar, mas é sim um filme emocionante e contundente já que nos conta mais sobre a situação do Irã desde o golpe de Ahmadinejad - também tema do recente documentário Dias Verdes de Hana Makhmalbaf.

Descobrimos mais sobre o estado de repressão em que vive o país, levando dezenas de cineastas a prisões e centenas de filmes a censura (isso só pra nos atentar ao universo do cinema).

A dimensão do que é "não fazer um filme", para um cineasta atuante e comprometido como Panahi é captada então por algumas horas que passamos ao seu lado: sua angústia, seu tédio, sua falta de perspectiva é o que vemos neste documentário.

Além de cenas graciosas como ele descrevendo o projeto de seu novo filme, ele interagindo com seu colega e co-diretor do filme: Motjaba Mirtahmasb ou com o irmão do zelador, que também sonha em ser artista, mas que não vê futuro na área...

Ou sua observação do mundo através da TV, de ligações telefônicas e do pouco que lhe chega por frestas de portas e janelas...

Isto não é um filme tem um final aberto, que esperamos que possa ser contado em capítulos seguintes numa edição em breve e com final mais feliz...

Late Bloomers

2011-12-06T11:31:00.001-08:00

Julie Gavras, filha do mestre Costa-Gavras, fez sua estréia na direção com o simpático A Culpa é do Fidel, no qual se via as mudanças políticas e ideológicas na década de 70 através do ponto de vista de uma menina de 9 anos.

O desejo da menina por conforto, tranquilidade e estabilidade se embatiam com o envolvimento dos pais em movimentos sociais em prol do socialismo/comunismo, se envolvendo em reuniões, clandestinidade, desapego material...

Com esse bom argumento, um ótimo elenco (inclusive infantil), diálogos divertidos e cenas deliciosas, A Culpa é do Fidel teve um ótimo resultado, mesmo que com algum desequilíbrio narrativo.

Seu novo passo cinematográfico veio com Late Bloomers - O Amor não tem fim.

Novamente uma ótima premissa: o envelhecimento de um casal (vivido por Isabella Rossellini e William Hurt), as restrições físicas, a emancipação dos filhos, as mudanças de trabalho e de mercado, o desgaste (ou não) do amor...

Muitas questões profundas e complexas, um ótimo elenco, boas cenas, diálogos divertidos, entretanto um excesso: excesso de personagens, excesso de questões, excesso de sentimentos.

Fica difícil se identificar com as crises e sentimentos das personagens (já que são tantas e muitas vezes não sabemos de onde vem e para onde vão - no mau sentido, pois não entender muitas vezes é ótimo!).

Fica difícil se posicionar com o filme, e as piadas meio soltas e cada hora apontando uma direção vão ficando cansativas...

Acabo achando o filme um desperdício de boas idéias, pois talvez se focasse mais, poderia ser mais contundente...

(Ainda que Ninho Vazio de Daniel Burman também deixe a desejar, acho mais coeso.

Ou mesmo Fatal, que fala mais de uma história de amor e seus desdobramentos de ciúmes, comprometimento e afins, mas que aborda com profundidade questões da meia idade...)

Fato é que com tantos elementos bons (premissa, argumento, qualidade técnica, atores...) queria gostar mais de Late Bloomers, mas o roteiro deixa tudo isso disperso e o filme acaba sendo mediano.

Feliz Natal

2011-11-26T10:34:00.001-08:00

Após ver o simpático e competente O Palhaço, resolvi assistir a Feliz Natal, primeiro longa de Selton Mello.

Ali também há uma premissa instigante, um grande cuidado estético, interessante decupagem, mas em um estilo que muitas vezes se sobressai à narrativa.

Descobrimos mais das personagens e do clima do filme pelos enquadramentos, arte e fotografia do que pela trama ou pelos diálogos.

Um filme no qual se intui o tempo todo muita densidade nas personagens, mas que pouco é dito, e não de uma maneira profunda, poderosa e lacônica, como nos mostra possível mestres como Bergman, Wenders, Kieslowski... Selton traz personagens tristes, decadentes e melancólicas, mas não nos aproxima delas e o que poderia ter de intrigante e interessante se perde...

Começando pelo protagonista, Caio, vivido por Leonardo Medeiros. Leo tem uma qualidade muito grande por apontar fortes sentimentos sem grandes arroubos de interpretação, um certo realismo que desperta identificação e compaixão. Mas em geral ele se apóia nessa característica e muitas vezes se torna uma personagem monotônica e até monótona.

É assim em ótimos filmes como Cabra-Cega de Toni Venturi, Não Por Acaso de Philippe Barcinski, Corpo de Rubens Rewald e Rossana Foglia e Budapeste de Walter Carvalho.

E é assim também em Feliz Natal.

Não entendemos o conflito de Caio, não nos aproximamos dele e tampouco de seu entorno -

Composto por personagens igualmente instigantes, mas que também não geram identificação ou comoção, mesmo com destaques no elenco de Darlene Glória, Paulo Guarnieri, Graziela Moretto e Lúcio Mauro.

Intuímos o filme de poucos acontecimentos, mas esperamos por revelações, um pouco no estilo de Festa de Família de Thomas Vinterberg, Gritos e Sussurros de Bergman ou Inferno de Danis Tanovic com o roteiro de Kielowski.

Em Feliz Natal, algumas revelações de fato são feitas, mas não há uma construção dramática para que isso repercuta nos anseios, medos e sonhos das personagens.

E com isso o filme fica um pouco vazio, parece um brinde feito solitariamente, como acontece em cena do próprio filme.

Selton parece estar buscando um caminho - e que parece bastante promissor - mas parece estar faltando mais vigor e consistência em seus roteiros.

Sergei Paradjanov

2011-11-23T08:00:00.001-08:00

Cineasta armênio, destacado pelo cinema soviético e por sua própria rebelação com os parâmetros restritivos da escola russa, Sergei Paradjanov tem uma interessante história de criatividade e ousadia (que o levaram a censuras, prisões e cerceamentos).

Do pouco que passei a conhecer de sua obra na retrospectiva da Mostra de Cinema de São Paulo está A Lenda da Fortaleza Suram, de 1988, baseado na história da Geórgia, quando há a construção da fortaleza para evitar invasões estrangeira, porém vários percalços ocorrem até que surge uma mítica solução: emparedar um homem na fortaleza, para que ela se sustente.

Filme pesado, com enquadramentos fixos em planos gerais, didáticos, coreografados, muitas vezes funcionando como quadros belíssimos e outras truncando um pouco a narrativa (pelo menos a que estamos mais acostumados).

A temática histórica e impessoal também favorecem essa distância, pois a decupagem e o ritmo poderiam se aproximar do ídolo, amigo e contemporâneo de Paradjanov: Tarkovski, mas não acontece, pois não temos aqui um cinema mais etéreo e filosófico.

O que há aqui é a influência política do cinema soviético que fala mais alto e resulta nessa homenagem que Paradjanov faz aos soldados georgianos que deram a vida por sua pátria.

Diferente do que ocorre em A Cor da Romã, feito 20 anos antes, em 68, antes, portanto, da prisão de Paradjanov pelo governo soviético. Aqui Paradjanov deixa a poesia ditar o ritmo e a construção da linguagem: o trabalho de cores, de enquadramentos, de iluminação...

Tudo é meticulosamente cuidado e faz jus a uma homenagem poética, já que o que é retratado no filme é a vida do poeta e trovador armênio Sayat Nova - de quem vem a frase: "eu sou o homem cuja vida e alma são tortura".

O lirismo do do filme é bastante tocante e ainda que um pouco hermético (já que não há uma trama propriamente, nem diálogos que nos guiem, se aproximando das artes plásticas), o que imprime e o que sugere marca e embevece!

Clamor do Sexo

2011-11-22T09:11:00.001-08:00

O célebre diretor Elia Kazan foi umdos destaques da 35a Mostra Internacional de Cinema, com uma bela retrospectiva.

Autor de grandes obras de meados do século XX, Kazan foi uma figura controversa: apesar de ter sido delator de diversos colegas à época da "caça às bruxas comunistas"; ele trabalhou muitobem a linguagem; trouxe questões importantes e polêmicas à tonacom seus filmes;

Revelou e investiu em importantes atores como MarlonBrandon e James Dean;

E, como disse Inácio Araújo, "ele ocupa um lugar especial no imaginário americano e mundial" e "as dores do século XX marcam sua obra e a tornam incontornável".

Em Clamor do Sexo, de 1961, por exemplo, não há como negar sua visão crítica e progressista a respeito do papel da mulher e do casamento.

A história do casal adolescente, vivido por Natalie Wood e Warren Beatty,

que na década de 20 tenta lutar contra seus impulsos sexuais em nome dos bons costumes e com isso acaba comprometendo a relação e seus sonhos é muito bonita, profunda e complexa.

Mostra o poder da repressão social e o tabu da virgindade capazes de levar uma pessoa à loucura e mudar os sonhos de uma vida.

Mesmo que a linguagem tenha um ritmo com ênfases dramáticas que a aproximem das novelas;

Mesmo que quase um século nos separem do momento em que se passa a história e mesmo que o filme esteja completando 50 anos, ainda assim ele segue atual em muitas questões e com certo frescor - vale muito a pena!

Parada em Pleno Curso

2011-11-18T13:35:00.001-08:00

Primeiro filme que vejo de Andreas Dresen, alemão já com muitos anos de carreira e dezenas de títulos em sua filmografia. Daí deve vir a maturidade de seu último longa: Parada em Pleno Curso. vencedor da Mostra Un Certain Regard em Cannes.

Sem grandes experimentações ou exploração de recursos, o filme se sustenta com uma temática forte, um bom roteiro, interpretações intensas e uma competente e sintética direção.

A premissa é de um homem de classe média de meia idade que recebe um diagnóstico de câncer incurável, a partir daí tudo que veremos é o decorrer de suas reações e da progressão da doença.

Triste, triste, triste. Sensível, pungente, tocante, mérito do realismo com o qual é trabalhado o filme.

Desde a indignação, resignação e conformação que vão se alternando no paciente;

Passando pelas reações da família - esposa, filha adolescente e filho pequeno - ora de força, ora de cansaço, ora de revolta;

Terminando com detalhes de situações da doença: vômitos, comprometimentos cerebrais, debilitação física, a perda de cabelo acompanhando o cair das folhas e a chegada do inverno...

O passo a passo da morte e da despedida em fortes emoções e interessantes reflexões.

Uma das mais bonitas e pra mim mais estimulantes são da enfermeira que no estágio final da doença, quando a esposa começa a considerar internar o marido em um hospital, fala que isso poderá ser visto e assimilado pelas crianças como uma maneira de esconder a morte:

de não encara-la normalmente, os privando de ainda bons momentos possíveis, gerando medo e prováveis arrependimentos.

Despedidas podem ser muito tristes, mas há algo de saudável em seus rituais e por isso o filme não é um masoquismo como pode parecer, mas uma catarse de sentimentos inerentes à vida.

Ver o filme e vivenciar essas emoções sem dúvida me fizeram crescer e seguirão comigo como uma minoria de filmes segue.

As Neves do Kilimanjaro

2011-11-17T05:55:00.001-08:00

Muito há por trás do filme do diretor francês
Robert Guédiguian:

As Neves do Kilimanjaro, seja pelo título em referência ao conto de Hemingway,
seja pela inspiração do poema Les Pauvres Gens de Victor Hugo para o roteiro,
ou seja pelas várias camadas presentes no próprio filme.

A história começa pela demissão do líder sindical Michel que não quis se beneficiar de sua posição e se colocou como um igual entre aqueles que seriam cortados através de um sorteio.

A partir daí a crise do desemprego na meia idade, a relação desequilibrada com sua mulher que segue trabalhando, os conselhos do amigo de infância, ex-colega de trabalho e cunhado...

As posições dos filhos (menos engajados e mais individualistas como o comum da nova geração) e o questionamento sobre o que fazer com o tempo livre (descanso X tédio, diversão X vazio)...

Porém esse não será ainda o conflito central do filme, ele virá com um assalto sofrido, no qual dinheiro, reservas bancárias...

E o mais simbólico: as passagens ganhadas (por vaquinha feita entre filhos e amigos) para a sonhada e planejada viagem de comemoração dos 30 anos de união do casal em Kilimanjaro.

O trauma e a revolta geradas pelo assalto tomam Michel, que passa a tentar descobrir a identidade do assaltante.

E, dessa investigação, virão descobertas e reflexões sobre se um roubo pode ser justificado, qual a melhor maneira de se vingar, diferença de classes, culpa, raiva, senso de justiça etc...

Muitas questões, porque, de fato, o filme vai trabalhando numa progressão de acontecimentos, reflexões e dramas. Me faz lembrar do excelente Segunda-feira ao Sol de Fernando Aranoa.

Muito bom, ainda que em alguns momentos peque pelo excesso... O aprofundamento em alguns pontos talvez levassem a um filme mais denso e menos novelesco, em que se envolvesse mais com as personagens e que elas não parecessem impulsivas e às vezes quase caricatas.

De qualquer maneira, o que prevalece e se sobressai no filme são a realista construção do cotidiano, o drama contundente, as humanas, concretas e sensíveis personagens. Filme que vale a pena ser visto por todos!

Low Life

2011-11-17T04:48:00.001-08:00

Nova parceria entre os diretores Nicolas Klotz e Elisabeth Perceval que já tinham feito o comentado:
A Questão Humana. Novamente com temática política eles apresentam agora Low Life.

Filme jovem, mas de uma juventude já um pouco ultrapassada, não sei se por os longos discursos franceses aqui soarem mais afetados do que são de fato, mas o grupo de amigos de vinte e poucos anos compartilhando a vida em repúblicas, universidades, festas e manifestações proclamam palavras de ordem e discursos ideológicos que soam desgastados e ingênuos e por isso não cativam.

E é assim que o filme abre: em longa sequência de jovens conversando e se manifestando, em uma linguagem artística-autoral-documental (imagens quase PB de uma câmera de vídeo bastante ágil, mas sem tanta latitude e textura).

Pela temática, personagens, ritmo, faz lembrar os excelentes Amantes Constantes de Philippe Garrel.

Ou Os Sonhadores de Bertolucci.
(Ou ainda outros menos emblemáticos mas também muito bons como A Bela Junie).

Entretanto esse longo e cansativo início acaba desgastando o público para o que vem a seguir...

Nas primeiras cenas, em meio a manifestações para que a polícia não evacue um prédio tomado por imigrantes, a jovem francesa Carmen conhece Hussain, um poeta afegão que estuda ali ilegalmente.

Os dois começam um romance e a questão se torna bastante complexa: uma relação tomada de paixão, sonhos, ideais, medo, obsessão, ciúmes do ex de Carmen...

Dessa paixão e desse medo vem à tona quase uma loucura de Carmen proibindo Hussain de sair de seu quarto, com medo de uma deportação.

Outras questões e nuances enriquecem esse conflito, que aqui, partindo do pessoal, íntimo, emocional envolvem muito mais e nos levam a questões maiores.

(Quando a abordagem é justamente pelas questões maiores, acaba nos distanciando e quase comprometendo o envolvimento com essa bela história que se segue).

Temática bastante contemporânea e importante, vale o olhar (ainda que nem sempre com tanto frescor) de Klotz e Perceval!

Cisne

2011-11-16T07:14:00.001-08:00

Um dos filmes mais estranhos, bonitos e interessantes visto nos últimos tempos: Cisne da portuguesa Teresa Villaverde.

O filme constrói com sensibilidade e poesia a história de Vera, uma talentosa e reconhecida cantora em turnê por Lisboa, de onde vemos emergir o tom nostálgico e melancólico.

Cisne abre com a música de Vera, mas nos contará sobre os bastidores, muito mais do que da vida de hotel e camarim, mas de sua vida íntima, suas angustias, seus sonhos, seus amores...

E de maneira nada convencional.

Uma personagem que se comunica por falas e gestos poéticos - em intensas metáforas visuais, como seu choro de sangue.

Assim, nos aproximamos literalmente de seu eu lírico, conhecendo, nos identificando e nos atraindo por seu íntimo.

(Me lembrando muito os excelentes curtas de Caetano Gotardo - como Areia e O Menino Japonês).

Vera busca acompanhantes desconhecidos quando está em turnê, e por isso conhece um jovem que vai se seduzindo por ela, se interessando pelo seu jeito ao mesmo tempo frio e passional, cheio de regras e manias, mas aberto à imprevisibilidade e às incertezas presentes no outro.

Além da insônia que os une, Vera e esse garoto, cuja história de orfandade vamos conhecendo, tem muitas afinidades: busca de carinho, reconhecimento, amor e origens...

Difícil definir o que se destaca nessa história de amor (amor do garoto por Vera, de Vera por seu companheiro, amores por estranhos, vizinhos, irmãos, conhecidos... Amor como verbo intransitivo...).

Ficam sugestões, impressões, sensações do que estaria sendo dito, apesar da linearidade da construção a imprecisão da história nos deixa despistados e embriagados (o que seria fato, o que seria projeção subjetiva), mas em mim fica a potência do caos de pensamentos e sentimentos das intensas personagens.

A crise possível no amor, a maturidade, a juventude, a maternidade, o sucesso, a solidão, tudo está abarcado embrumeadamente no filme e várias notas vem à tona para mergulharmos... Difícil de se captar todas as entrelinhas em uma única assistida, merecedor de novas sessões, que estréie por aqui!

Fora de Satã

2011-11-16T06:49:00.001-08:00

Aclamado por outros títulos exibidos no Brasil como A Vida de Jesus e A Humanidade (este premiado em Cannes em 99), Bruno Dumont fez sucesso esse ano com Fora de Satã.

Suspense, thriller psicológico, drama, romance... Um jogo de filme realista com tempos lentos, diálogos desencontrados, personagens instigantes e situações e entidades metafóricas, filosóficas, míticas...

Me faz lembrar de excelentes referências como a obra-prima de Saramago O Evangelho Segundo Jesus Cristo, a obra-prima de Bergman O Sétimo Selo, o gracioso filme Deixa ela entrar ou o recente exemplar brasileiro Trabalhar Cansa.

Fora de Satã mostra um homem misterioso pastoreando por montes ermos,

E sempre acompanhado por uma garota estranhamente seduzida por ele.

O tom sinistro do filme já vai nos levando a desconfiar dos milagres feitos pelo homem e nos faz reconhecer nessa figura o "satã" do título.

Mas o filme não pretende trazer conclusões, nem temáticas, nem dramáticas nem filosóficas.

Ele apenas constrói um bom filme e com isso envolve o espectador e deixa para ele as múltiplas interpretações possíveis.

Irmãs Jamais

2011-11-16T05:19:00.001-08:00

Marco Bellocchio tem uma filmografia vasta, que pelos poucos títulos que chegaram por aqui, podemos concluir que vale a pena conhece-lo mais. Pelas amostras exibidas em São Paulo nos últimos tempos, podemos ver seu cinema comprometido (algo bem importante entre os italianos atualmente), original, profundo e extremamente belo.

O primeiro que conheci foi o belo e denso:
Bom dia, noite.
(abordagem original sobre o sequestro de Aldo Moro)

Em seguida o excelente Vincere.

(também original ao se partir de uma situação vivida por Mussolini em sua juventude e representativa de diversos aspectos da figura do ditador)

Agora a Mostra de São Paulo trouxe Irmãs Jamais, um filme estranho, irregular, diferente, mas bastante instigante.

O filme é de fato experimental, pois surgiu de filmagens feitas, em intervalos de vários anos, em uma oficina de cinema que Belocchio dava na cidade onde cresceu (como explica Zanin).

Ali Belocchio registrou sua família (filha, filho, tias etc) e construiu uma história familiar com diversos paralelos à sua, mas que segundo ele é ficcional.

Entre cenas longas, estranhas, poéticas, bonitas, misteriosas, Irmãs Jamais vai trazendo alguns assuntos à tona: o lado conservador da família que preza pela manutenção dos laços, da união e do patrimônio;

A geração seguinte com diversas inquietações e aspirações maiores, desejando criar, construir, expandir e conquistar o mundo; e a terceira geração, que apesar de representar o futuro, me parece a mais impregnada de nostalgias.

Ali se sente o gosto pela infância na cidade pequena, a importância dos valores e laços familiares e ali se antevê a crise entre o velho e o novo, entre a valorização da família e a busca de novas identidades...

Para mim a personagem da menina que vemos crescer (interpretada pela filha de Belocchio, Elena, de seus cinco aos 13 anos) pode ser um alterego do diretor:

Aquele que agradece, homenageia e sente saudades da cidade e dos espaços onde cresceu, e das pessoas com quem se relacionou e se formou, mas também aquele que deseja ir além, ganhar o mundo e fazer filmes...

Na construção do filme sentimos as cenas feitas aos poucos, em intervalos de anos, com diferentes pontos de vista e amadurecimento,

Mas o olhar intimista; o desejo de se aproximar de um tempo em espaço lento, denso e particular; as personagens profundas; a estética um pouco sombria, mas bela e poética... Tudo está ali.

Colcha de retalhos e intenções que funcionam. E instigam a conhecer os outros títulos.

O Palhaço

2011-11-13T06:24:00.001-08:00

Hoje tem goiabada? Tem sim, senhor!

Um dos maiores atores da nova safra de talentos brasileiros, com dezenas de filmes na carreira, Selton Mello tem também ambições autorais.

Seja recriando diálogos e improvisando com suas personagens (por exemplo de O Cheiro do Ralo da adaptação de Heitor Dhalia para o excelente livro de Lourenço Mutarelli;

Meu nome não é Johnny de Mauro Lima, ou em O Auto da Compadecida da adaptação de Guel Arraes para Ariano Suassuna);

Seja trabalhando como entrevistador (Tarja Preta), seja co-produzindo obras em que acredita, ou, claro, criando seus próprios filmes.

Selton revela uma mente inquieta e sensível com muito a compartilhar.

Por exemplo: o universo de O Palhaço, seu segundo longa, que mais do que trazer os bastidores do circo e homenagear artistas e comediantes brasileiros, parece falar da dura vida artística.

Além de dirigir, Selton protagoniza a trama na qual o palhaço Pangaré, filho e parceiro de Puro Sangue, vivido pelo exemplar Paulo José,

é administrador de uma grande trupe de palhaços, bailarinas, domadores e afins, parece cansado das intempéries da vida na estrada e seus imprevistos, dificuldades e restrições.

Selton opta por um filme sem grandes ações dramáticas, mas exagera ao não compartilhar mais de perto os sonhos e as angústias de sua personagem.

Por exemplo, um de seus maiores desejos é um ventilador, mas ele não explora a sensação de calor e as cenas não nos levam a compartilhar esse desejo, o que acaba fazendo com que sua busca se enfraqueça.

Acho uma pena pois realmente o universo é muito rico (já vimos em um de nossos clássicos nacionais, Bye, Bye Brasil, de Cacá Diegues), pois a opção do filme e das personagens mais monotônicas podem trazer grande comicidade e compaixão, principalmente com o ótimo elenco reunido e com a qualidade técnica do filme, exemplificada por exemplo pelo trabalho de arte e fotografia primorosos...

Mas meu mergulho no filme acaba não se aprofundando... Ficam os aplausos pelo belo espetáculo, mas um desejo de quero mais!

Submarino

2011-11-13T05:41:00.001-08:00

Jovem ator, roteirista, produtor e diretor, o inglês Richard Ayoa revela sua experiência em um filme bastante interessante e divertido: Submarino.

A história é novamente as crises de um garoto de 15 anos diante da vida na escola e os problemas com os primeiros amores, a popularidade, a criatividade.

Novamente também aparece a reverberação de problemas no casamento dos pais refletidos na vida do filho. E novamente uma abordagem intimista do garoto impopular e sem destaque, pelo qual podemos passar diariamente sem nos darmos conta.

"Novamente" pois ao vermos Submarino podemos nos lembrar do divertido Quase Famosos de Cameron Crowe;

Do ótimo Lula e a Baleia de Noah Baumbach;

De exemplares nacionais de Jorge Furtado (Houve uma vez dois verões, O Homem que copiava e Meu tio matou um cara);

E Laís Bodanski (As Melhores Coisas do Mundo);

Ou mesmo de Kevin Arnold e seus Anos Incríveis, para mim uma das melhores séries televisivas de todos os tempos!

Submarino encanta menos pela história e seus conflitos e muito mais pela narração bastante divertida, cheia de referências culturais (filmes, músicas, livros...), de humor irônico e saboroso que revelam, por exemplo:

Como o protagonista Oliver se acha um gênio da literatura, cool e maduro e tem tudo planejado em sua vida (registradas em deliciosas cenas vindas da imaginação de Oliver).

As personagens, aliás, são um dos pontos fortes do filme. Os diálogos e a montagem também são destaques. Vale a pena conferir.

Olhando Espelhos

2011-11-13T05:05:00.001-08:00

O estreante diretor iraniano Negar Azarbayjani se aventura em um tema polêmico em Olhando Espelhos.

Principalmente se pensarmos na realidade repressiva em que vive o Irã (descrito em Dias Verdes de Hana Makhmalbaf).

O encontro de uma jovem mãe de família com um jovem transexual.

Cheio de nuances e acontecimentos, Olhando Espelhos conta a história de Rana, uma jovem cujo marido foi preso por não honrar uma dívida devido a um roubo, e por isso assume o taxi do marido para sobreviver e juntar dinheiro.

Em suas andanças pela cidade ela encontra Adineh ou Eddie, jovem que tenta fugir da casa de seu pai para poder sair do país e passar por um tratamento de mudança de sexo, já que na Alemanha fez um acompanhamento onde se confirmou sua transexualidade.

Nesse encontro, Rana passa por muitas variações de sentimentos: medo, indignação, incompreensão, aceitação, carinho...

Bonita história, talvez um pouco excessiva em tantos dados e tantas cenas, que muitas vezes não tem tempo para um preparo, um crescente de emoções e uma maior aproximação das personagens, lembrando um pouco as telenovelas.

Faltam cenas como a inicial com discurso em off, num desencontro de som e imagem muito envolventes, ou as cenas em que há jogos de enquadramentos em metáforas visuais como quem encara espelhos.

Talvez seja o caso de mais experiência e maturidade, já que há momentos de puro cinema: tocantes, bem construídos (atuações, fotografia, montagem...), e que fazem jus a um tema tão denso.

The yellow sea

2011-11-11T06:35:00.001-08:00

The yellow sea é um verdadeiro
mar de sangue construído pelo sul coreano Hong-jin Na.

Começa numa construção gradual da história de Gu-nam, um motorista de táxi, desiludido pelo abandono de sua mulher, endividado e envolvido com bandidos;

E numa vida desregrada de jogos e bebida em que não consegue dar atenção à sua mãe e sua filha pequena.

Mas algo parece angustiar esse homem e fazer com que ele queira mudar de vida. Quando recebe então uma proposta envolvendo um assassinato e muito dinheiro, ele resolve se arriscar.

A partir daí o filme assume seu lado negro (ou vermelho-sangue) de crimes, ações, aventura, torturas, subornos, porradas, lutas, fugas, buscas, assassinatos...

Hong-jin dialoga então com o cinema de ação americano, por exemplo da trilogia Bourne, pelas sequências de perseguição de carros com direito a muitas batidas de carros.

E também com filmes de máfia oriental, aqui sem lutas de espada, mas com facas, canivetes, facões... (já que apesar de dezenas de mortes no filme em diversas cenas, apenas em uma há a presença de revólver).

Filme muito competente, mas um peixe fora d'água na Mostra, desajustada surpresa.

O outro lado do sono

2011-11-11T06:13:00.001-08:00

Outra estreante em longas-metragens na Mostra de São Paulo foi a irlandesa Rebecca Daly com seu filme: O outro lado do sono.

Personagens interessantes e bem interpretados, bom trabalho de linguagem (fotografia, som, montagem) e uma boa premissa:

Jovem sonâmbula tenta reconstituir o que faz em suas noites e se envolve nas investigações de um assassinato de uma jovem da pequena cidade onde vive.

A jovem segue sua vida monótona e sem grandes emoções e é cada vez mais seduzida pelo mosaico de imagens que coleta (lembranças, sonhos, imaginação, recortes de notícias de jornal)...

O clima de mistério percorre todo o filme e não pretende se fechar ao final, mas talvez dilua um pouco seu conflito e profundidade em tamanha indefinição.

A Educação

2011-11-11T05:19:00.001-08:00

Primeiro longa do alemão Dirk Lütter traz um tema importante: mercado de trabalho e relações profissionais na atualidade.

Um rapaz está contratado temporariamente em uma grande empresa para um trabalho de telemarketing especializado (muuuito diferente do que conhecemos no Brasil).

Ali ele é assediado pelo chefe para vigiar outros funcionários sempre em busca de um melhor rendimento (e a despeito dos problemas pessoais que qualquer um venha a ter).

O rapaz se vê seduzido com as possíveis oportunidades de carreira e o que isso pode lhe proporcionar (celulares, roupas, carros, status, facilidades...).

O filme também parece querer falar de algo mais, mostrando um rapaz estranho que testa o atendimento de várias lojas, que se depila, que tem dificuldade de se relacionar com a namorada ou com as ideologias de sua mãe.

Mas essa estranheza, que poderia dar uma profundidade maior à personagem e trazer outras dimensões ao filme não avançam nem se concluem.

Fica um bom filme, que para mim é mais sobre "o trabalho" e não tanto sobre "a educação", que me leva a discussões importantíssimas, mas que não me leva além.

Era uma vez na Anatolia

2011-11-10T06:13:00.000-08:00

Do diretor de Climas e 3 Macacos, o turco Nuri Bilge Ceylan,

Era uma vez na Anatólia é um filme de tempos e espaços diferentes e até por isso tão interessante. Ganhador do grande prêmio do júri em Cannes e eleito melhor filme segundo a crítica na Mostra Internacional de São Paulo, o filme realmente merece ser visto!

Denso, tenso, cansativo, com seu cenário árido (colinas na noite), suas personagens duras (policiais, legistas, autores do crime), falta de esperança.

O filme não se foca em nenhuma personagem ou conflito em particular.

Ele acompanha uma operação para se descobrir onde foi deixado um corpo assassinado, uma cova rasa que aos poucos vai revelando sentimentos muito mais profundos em cada uma das personagens.

O cansaço, a desilusão, a tristeza, a derrota é o que vemos estampado em seus rostos.

E mesmo histórias que parecem já distantes, com seus protagonistas já conformados, vão sendo remexidas e sugerindo emoções muito mais pungentes.

Longe da construção clássica, Era uma vez na Anatólia conta uma fábula de adultos, apresentando pessoas e lugares diferentes em um filme ímpar.

Movimento Reverso

2011-11-10T05:30:00.000-08:00

Primeiro longa do russo Andrey Stempkovsky tem tema e abordagem profundos: uma mãe à espera de um filho desaparecido em combate acolhe garoto imigrante "escravizado" por mafiosos russos.

Conflitos iminentes, o filme faz uma abordagem tensa e silenciosa, onde o movimento está sempre latente e gradualmente presente, mas onde não vejo nenhuma reversão...

Com seus silêncios e lacunas o filme ao invés de ficar mais instigante, por vezes parece um pouco monótono, cinza demais, desconjuntado e um pouco previsível.

Mas as personagens de alguma maneira nos cativam e o filme tem um crescente. Do conflito, da tensão, das relações.

Em alguns momentos me lembra a relação maternal de Pixote, outras vezes de Central do Brasil.

Mas aqui as emoções são russas, muito mais contidas, racionais e lacônicas.

The Mexican Suitcase

2011-11-10T04:37:00.000-08:00

Aqui é a "maleta de sonhos esquecidos"...

Dirigido pelo curador de fotografia e documentarista Trisha Ziff, o filme conta sobre a descoberta de uma maleta repleta de negativos clicados por Robert Capa.

O filme conta um pouco sobre a vida desse fotógrafo húngaro, que se destacou pelo seu método inovador de se cobrir guerras, com destaque para a Guerra Civil Espanhola.

The Mexican Suitcase vai além ao discutir sobre o trauma que foi essa passagem para os espanhóis e como eles, assim como a maleta, se mantiveram com lembranças e registros guardados por tanto tempo e que só agora são revelados.

Interessantes registros tanto das impactantes fotos tiradas por Capa e também por seus companheiros Gerda Taro e David Seymour, quanto de escavações para se descobrir ossadas de civis mortos durante a guerra espanhola.

Ou ainda depoimentos de espanhóis que sofreram com a guerra e se permaneceram calados desde então ou de espanhóis exilados no México, mesmo caso da Mala...

Apesar de se exceder um pouco em detalhes para aqueles mais leigos sobre o assunto e apesar de se exceder muito no uso de trilha sonora (falas importantes com música pra mim é algo que não combina, causa inquietação e ansiedade e distrai),

Mas o filme sem dúvida tem seu mérito pela força e profundidade ao mostrar relatos sobre esses acontecimentos históricos recentes e como eles ainda representam traumas e assuntos não tão discutidos como merecem.

Sem falar, é claro, na importância histórico-artística da descoberta das fotos, que percorrem todo o filme e nos deixam realmente impressionados pelo pioneiro e excelente trabalho de Capa!

Caverna dos Sonhos Esquecidos

2011-11-09T07:36:00.000-08:00

Herzog compartilha mais do que seu interesse pela história e pela arte, compartilha o encanto e a beleza de sua experiência, ao filmar, em 3D as pinturas rupestres mais antigas de que se tem notícia (de mais 30 mil anos) em uma caverna no sul da França.

As imagens são realmente extraordinárias e os aspectos históricos, culturais e filosóficos bastante profundos.

Entretanto Herzog desgasta um pouco a narrativa com considerações repetitivas e com mais pretensão filosófica do que chegam a mim.

Caverna dos Sonhos Esquecidos traz muita informação nas poucas imagens feitas em alguns metros quadrados, e me proporcionam uma viagem realmente a um outro universo, mas as falas poderiam ser mais enxutas e serem mais impactantes e convidativas para o resgate de sonhos esquecidos...

(Densidade que acho que tem seu Homem Urso, que sem tantas considerações, pelo silêncio e pelas imagens me levam à reflexões mais profundas. Aqui, com esse material, a imersão poderia ser também de um nível ainda muito mais profundo...)

Mundo Invisível

2011-11-09T07:09:00.000-08:00

Que premissa bonita a de tratar do Mundo Invisível e que grande iniciativa do saudoso Cakoff.

Grandes diretores em suas passagens pela Mostra Internacional de São Paulo retratando o tema, explorando sua criatividade na liberdade da abstração do que poderia ser o mundo invisível.

Curtas bem interessantes e por vezes bonitos e tocantes. Entretanto, quando apresentados como um longa, parecem simplórios demais.

O filme abre com uma cena de Manoel de Oliveira bastante interessante: discussão sobre a comunicação na atualidade (exemplificado pelo celular).

Se segue outra cena, agora documental, de Jerzy Stuhr. Colocada como uma homenagem tem uma intenção bonita, mas que não é muito desenvolvida.

Na sequência uma experimentação de Guy Maddin, que pra quem conhece seus filmes, também parece aquém...

Recortes de Gian Vittorio Baldi para contar sobre a intenção de Pasolini de filmar em São Paulo, por exemplo, em Heliópolis.

Uma reportagem-manifesto-videoarte de Marco Bechis sobre indígenas na região do Trianon.

Uma tocante reportagem de Win Wenders sobre o trabalho da Santa Casa com crianças com visão limitada.

Um curta simpático de Maria de Medeiros.

Um clipe de Theo Angelopoulos sobre grafites paulistanos.

E, para fechar, primeiro um documentário de Atom Egoyam sobre (e com) Cakoff, com momentos bastante filosóficos e poéticos, porém contrastados com narrações mais de reportagem autoral, que ganham valor pelo calor do momento do luto por Cakoff.

E em seguida o trabalho de Laís Bodanski, que também se parece uma reportagem (de tema profundo e interessante), relacionando esse mundo invisível com a meditação, a religiosidade e a criação.

Visões interessantes e profundas, mas em linguagens nem sempre à altura. Talvez se exibidos como registros desses diretores em suas passagens e não como um longa-metragem, teria me parecido melhor, com a embalagem dada ficou certo desejo por mais...

Histórias que só existem quando lembradas

2011-11-09T06:36:00.000-08:00

Com um belíssimo título e um universo poético, Júlia Murat estréia em longas de ficção.

Ela retrata uma vila de interior onde vivem poucos senhores e senhoras vivendo em comunidade.

Eles tem uma rotina simétrica e não se abrem a nada que saia do mecânico - nem alterações do cotidiano, nem nostalgias, que dirá sonhos...

Porém algo muda com a chegada de uma jovem fotógrafa que lança outro olhar para esse lugar, de histórias que só existem quando lembradas.

Entretanto o filme acaba se apoiando no clichê da poesia intimista: os tempos contemplativos, a fotografia com recortes, sombras e penumbras, o som, as personagens silenciosas...

Tudo está muito construído e se sente a mão da diretora, sem deixar que as histórias e as personagens falem mais alto e sobressaiam.

Fica uma sensação de filme já visto, de uma história que já foi lembrada antes...

E um gostinho de quero mais, dado pelos aromas belamente construídos no filme (naftalina, café, pães, flores...)

Mundo Misterioso

2011-11-08T06:44:00.000-08:00

Em se falando em filmes alternativos, uma realização de sucesso para mim é a experiência do argentino (novamente eles!) Rodrigo Moreno:

Mundo Misterioso.

Com personagens verdadeiramente estranhos, com tempos e motivações que acompanhamos, mas sem entender perfeitamente.

Compartilhamos seus sentimentos, mas não sabemos onde eles vão nos levar. E eles seguem, seguem... E voltam ao mesmo lugar... Ao mesmo mundo tão simples e desvendado, e ao mesmo misterioso.

Como dito por alguns, lembra a particular cinematografia do francês Eric Romer, sempre intrigante pelo paradoxo de sua construção ao mesmo tempo intimista e extremamente humana, mas também de certa estranheza inverossímil.

Filme maduro e corajoso, com personagens, atuações, tempos, arte, fotografia, som muito bem realizados! Mais um salve (ou che) ao cinema argentino!

O Futuro

2011-11-08T06:21:00.000-08:00

Segundo longa do ícone indie cinematográfico americano Miranda July:
O Futuro, resulta em um filme morno.

Na estréia, com Eu, Você e Todos Nós, havia uma graciosidade e um frescor que realmente chamaram atenção.

Entretanto essa linguagem de July, muito pessoal e poética, foram tão assimiladas e difundidas em pequenos vídeos em youtubes e similares, que O Futuro soa um pouco como passado...

As personagens seguem interessantes, (e bem interpretadas por July e Hamish Linklater) e seus conflitos também.

Entretanto a narração feita por um gato a ser adotado por esse casal e o crescente de acontecimentos imaginários ou um pouco fora do real acabam soando mais como entretenimento e sem tanto a dizer.

Não tem uma abstração em nome da concretização de sentimentos e sensações como em Brilho Eterno de uma Mente sem Lembranças de Gondry.

Também não tem a estética fantasiosa de Terry Gilliam ou a graça da filmografia de Jeneut ou ainda da grande revelação de Marjane Satrapi: Frango com Ameixas.

O Futuro é um filme singelo, agradável, tem sua poesia, mas falta um algo a mais...

Green

2011-11-08T05:51:00.000-08:00

Estréia na direção de longas da atriz Sophia Takal.

Uma boa premissa e um olhar interessante, mas ainda falta maturidade e consistência...

Green conta a história de uma intelectual de Nova Iorque que vai acompanhar o namorado em uma temporada no interior, onde ele se retira para escrever.

Semelhanças com a obra prima de Kubrick, O Iluminado, reforçadas por alguns planos estranhos e vazios e uma trilha de suspense.

Porém o casal é interrompido pela vivacidade da vizinha, vivida pela própria Sophia, que apesar de sua ignorância se mostra uma pessoa ativa e interessada e conquista a atenção do casal.

O conflito passa a ser a quebra na dinâmica a dois e o ciúme que ela vai gerar...

A construção das personagens e da mise-en scène segue bem, mas falta se aprofundar e nos levar a algum lugar mais profundo e criativo, da maneira como Green é contada, ao final acaba parecendo com boas intenções, mas um pouco vazio.

Dias Verdes

2011-11-07T05:28:00.000-08:00

Filha mais jovem de um dos principais cineastas iranianos da atualidade, Mohsen Makhmalbaf, Hana apresenta em Dias Verdes seus sentimentos de paixão e rebeldia juvenis em meio a um país em difícil situação.

Apresentado na 35a Mostra Internacional de Cinema pelo próprio Mohsen (homenageado do ano), os Makhmalbafs denunciam a situação ditatorial de violência, censura e repressão em que vive o Irã atualmente.

As dezenas de filmes confiscados, as centenas de artistas presos, os milhares de cidadãos reprimidos e massacrados... (ilustrado por outro destaque da Mostra: Isto não é um filme, de Panahi, em breve em cartaz em SP).

Dias Verdes documenta o processo de campanha e apuração das últimas eleições no Irã, em 2009, na qual, após a derrota, Ahmadinejad aplicou um golpe de estado para se manter no poder, onde segue a custa de muita violência e vidas de inocentes (como o próprio filme mostra).

Hana Makhmalbaf (foto) registra cenas de pessoas nas ruas, no seu cotidiano, em manifestações e se coloca em meio a essa realidade: dá seus depoimentos, mostra seu universo artístico com um grupo de teatro, revela o processo de seu filme e de seus sentimentos...

Como já disse, a Mostra não é só uma janela para novas histórias e linguagens, mas também para conhecimento de outros lugares, outras geografias, outras histórias, outros pontos de vista...

Alguns muito necessários. Como este.

Cut

2011-11-07T04:58:00.000-08:00

O iraniano Amir Naderi mostra seu amor ao cinema e homenageia em particular o cinema japonês em seu novo filme Cut.

Em Cut, o protagonista Shuji, vivido por Hidetoshi Nishijima, da obra-prima de Kitano Dolls, é um cinéfilo, organizador de um cineclube, manifestante anti-cinema-comercial e em pró de cinema de autor.

Ele sai às ruas como um manifestante mostrando sua paixão destemida e sua obstinação em divulgar o cinema que admira: Ozu, Mizogushi, Kurosawa, John Ford, Buster Keaton, Hitchcock, Fellini, Glauber, Welles...

Porém a homenagem fica mais em nível de citações e declarações, a história contada dialoga com filmes japoneses de máfia, já que Shuji tem que pagar uma dívida deixada por seu irmão e usa seu corpo para isso.

O mérito de ser inquietante, chamar atenção, fazer pensar e citar tem seu vigor. Também a poesia de algumas cenas belíssimas, como os túmulos de cineastas japoneses ou Shuji se contorcendo de dor e sendo acariciado por imagens projetadas em seu corpo.

Entretanto, a potência e a violência dessas cenas muitas vezes se tornam gratuitas e o vigor da homenagem se diluem com o sangue escorrido...

Blowfish (o baiacu taiwandes)

2011-11-07T04:38:00.000-08:00

Sem indicações me aventurei por mais esse exemplar do oriente: Blowfish de Chi Yuarn Lee de Taiwan.

Filme interessante onde uma jovem muda sua vida monótona de ascensorista após descobrir uma traição de seu namorado. O único ser a quem ela se mantém apegada é um peixe, que tenta vender, mas que não tem coragem.

O novo comprador, um solitário técnico de basebal, passa a ser seu novo companheiro. Em uma história silenciosa, envolta por traumas e segredos.

A antiga relação desse técnico se torna um jogo, uma sedução e uma ameaça para a jovem e a história vai se construindo e se aprofundando pouco a pouco ao redor.

Poética, delicada e bonita é essa construção. Falta um aprofundamento e sobram algumas cenas mais clichês, mas no geral o filme é muito bom, valeu a experiência!

Fausto

2011-11-06T11:57:00.000-08:00

Sokurov já é um nome importante entre aqueles que acompanham a Mostra Internacional de Cinema de São Paulo. Ali apresentou títulos como o badalado Arca Russa;

O interessante O Sol; o excelente Pai e Filho...

E agora o belo Fausto, vencedor do Leão de Ouro em Veneza em 2011.

Difícil e ousada é a missão de Sokurov de adaptar a história de Goethe, mas o diretor cumpre sua missão apresentando belíssimas imagens;

(primoroso trabalho de animação na abertura do filme e competente trabalho de direção de arte e fotografia);

Interpretações densas e precisas, ritmo intenso, drama crescente com as questões profundas de vida, morte e amor trazidas por Goethe.

O filme tem uma linguagem difícil e cansativa, é preciso uma entrega, mas a recompensa vale!

Attenberg

2011-11-06T11:34:00.000-08:00

Não é a toa que esse filme da jovem diretora grega Athina Tsangari me lembrou o filme de Giorgos Lanthimos, Canino. Afinal, ela também estava envolvida na produção e aqui ele participa como ator.

Nos dois filmes vemos conflitos densos a partir de personagens nada convencionais. Em Canino, a premissa do pai que isola sua família do resto do mundo parece justificar um pouco a estranheza das personagens. Mas aqui, em Attenberg, a premissa não é tão justificável.

Até vemos o mesmo isolamento familiar, mas ele está apenas no comportamento: uma filha que acompanha o tratamento de seu pai em fase terminal e se despede dele, buscando sua emancipação.

Precisa e belamente interpretada pela jovem Ariane Labed, que inclusive ganhou prêmio de atriz em Veneza por esse trabalho:

A protagonista, a jovem Marina, de 23 anos, tenta se desligar do pai, descobrindo e explorando sua própria sexualidade, até então abafada.

Ela age com uma espontaneidade e uma excentricidade, como se de uma criança que não se relacionou com o mundo - parece até uma continuação de Canino.

E é nessa excentricidade que está o frescor, a força, a sedução do filme: há quadros quase que de um musical, onde Marina e sua melhor amiga fazem passos de uma espécie de dança contemporânea;

Há diálogos desencontrados e poéticos; há cenas em que as personagens se relacionam como animais, se aproximando do programa de animais, comandado por Attenberg, que dá nome ao filme...

De maneira nada convencional, Athina fala de temas profundos como a morte e o incesto e traz representações performáticas, artificiais, mas ao mesmo tempo muito verdadeiras. Bastante estranho, mas bastante interessante! Seguem os gregos nos instigando!

Respirar

2011-11-04T19:23:00.000-07:00

Primeiro filme do ator austríaco Karl Markovics. Talvez venha daí o talento do casting e a primorosa direção de atores.

Mas os méritos do filme não param aí: tema delicado sobre prisão juvenil, ser órfão, ser doado, ser contraventor, ser rebelde, buscar ar...

A história de um jovem de 19 anos que está para terminar uma pena de alguns anos, devido a crime que cometeu anos atrás.

A maneira dura como ele interage com seus colegas de prisão, com seu tutor, com colegas de um trabalho que inicia em um necrotério... Tudo ao redor é cinza e ele tem uma atração intrigante por essa morbidez.

Talvez por não se identificar com as coisas coloridas e alegres, talvez por não se sentir pertencer, talvez por sonhar em ir pra longe...

A história de Kogler vai sendo contada aos poucos, como em um quebra-cabeças, e o silêncio e as lacunas que sentimos vão nos estimulando, a aridez instiga e ao mesmo tempo sufoca um pouco no decorrer.

Até que o paralelo do título, das aulas de natação de Kogler e o desejo de mais ar e brilho nesse universo árido e cinza ganham sentido com a história de seu passado...

Bom filme. Eleito melhor filme pelo júri na 35a Mostra (o que talvez eu discorde, já que entre os que vi eu preferi Oslo, 31 de Agosto, por exemplo), mas de qualquer maneira um filme que merece ser visto!

Combat Girls

2011-11-04T10:29:00.000-07:00

Drama instigante do alemão David Wnendt, em que se aventura no polêmico tema da intolerância e diferença de culturas a partir de um grupo de jovens neonazistas na Alemanha.

Difícil estar próximo de personagens que ridicularizam, maltratam e chegam a matar pessoas de outros países, etnias, culturas, opiniões.

Mas o filme traz as Combat Girls e suas personagens fortes e vibrantes, atuações muito boas (rendendo prêmios na Mostra, inclusive);

E uma câmera e linguagem tão vigorosa, que nos interessamos por elas e queremos saber mais e mais, até pra entender seus pontos de vista, buscar humanidade em pontos de vista tão desumanos...

Mas o filme não chega a fazer um embate de idéias e nem defende ou condena pontos de vista.

Ele mostra as idéias e ideais desse grupo nazi, mostra suas atitudes violentas e intolerantes e mostra o peso na consciência da protagonista pelos males que causa.

Mostra também um caminho sem volta em que ela se coloca, mas sem melodramaticidade e sem muita redenção ou reavaliação de seus atos.

Combat Girls acompanha a secura e dureza desses jovens sem muito amor e respeito aos próximos e aí está seu impacto e qualidade.

Realmente vale a pena como um recorte e mesmo sem que ele nos envolva a nos aproximar tão intimamente das personagens, nos dá material para muitas e profundas reflexões.

O jovem diretor David Wnendt cumpriu bem o desafio, esperemos os seguintes...

Elena

2011-11-04T09:40:00.000-07:00

Conheci o diretor russo Andrei Zvyagintsev em seu longa de estréia O Retorno em outra edição da Mostra.

Quase dez anos depois, Andrei volta com Elena.

Novamente um filme dramático, com personagens duras, lacônicas, graves. Narrativa construída pouco a pouco, com tempos lentos e envolventes e diferentes camadas de intenções, sentimentos, motivações...

Porém em Elena vão havendo tantas surpresas e ao mesmo pouca revelação: o convívio entre Elena e seu marido rico e sovina, suas opiniões sobre a desamorosa e cruel filha dele;

Ou sobre o filho vagabundo da própria Elena e seus netos, que esperam, sem nenhum esforço, sair da vida precária em que vivem.

Todo esse contexto em um desenrolar dado a partir da debilidade da saúde do marido de Elena.

Esperamos ver surgir sentimentos diante de camadas de ressentimentos, frustrações, avareza, preguiça, cobiça, luxúria, tédio...

Mas os sentimentos não vem. A maldade das personagens é o que impera e por um lado instiga, mas por outro chega ao limite do verossímil, e com isso me afasta um pouco...

Apesar de diferentes personagens, acontecimentos e curvas, o filme para mim parece monocórdico, o que é pelos cenários ou de um apartamento de classe alta sem personalidade ou por bairros periféricos.

A repetição também é frisada pelo som e, principalmente, pela foto, sempre azulada.

Fica o excelente trabalho de tempos, dado tanto pelas boas interpretações, em especial da protagonista, vivida por Nadezhda Markina, quanto pelo roteiro e pela montagem...

The Day He Arrives

2011-11-03T06:10:00.000-07:00

Interessante filme do sul coreano Sang-soo Hong.

Com uma premissa e situações simples: cineasta de uma província vai a Seul encontrar um crítico de cinema. Ali ele participa de várias conversas de bar, mas mais do que isso ele mostra sentimentos e pensamentos à flor da pele.

De maneira estranha, com atropelos, arrebatamentos, radicalismos... Ora prosaico, ora intenso, o protagonista fala sobre cinema, sobre relações e sobre o amor...

E mais sugere e aponta, do que constrói propriamente... E aí está a originalidade e o interesse em The Day He Arrives.

Las Acacias

2011-11-02T14:57:00.000-07:00

Excelente estréia em longas do diretor argentino Pablo Giorgelli!

Las Acacias é um filme simples, singelo, delicado, mas extremamente humano e tocante.

Se aproxima de outros argentinos como O Cachorro de Carlos Sorin (que em seu último, Desaparecimento do Gato, já não se mostrou tão potente).

E me faz lembrar um pouco Central do Brasil de Walter Salles, apesar de mais adocicado e em linguagem mais clássica, mas também com personagem de um caminhoneiro pelas estradas latinoamericanas;

E que apresenta a dureza e gradual enternecimento de personagens como Dora, vivida por Fernanda Montenegro ou Rubén, vivido por Germán de Silva (foto ao lado).

Las Acacias mostra a relação entre um caminhoneiro e uma mulher que tem que transportar do Paraguai até Buenos Aires.

A mulher está com sua nenê de cinco meses (por sinal um achado de simpatia e entrega).

E isso causa alguns distúrbios na rotina do homem rude e desacostumado com companhias (e principalmente com choros inoportunos, paradas para amamentações e trocas de fralda etc)...

Não há grandes conflitos, ações ou reviravoltas, apenas a interação ali entre as três personagens. Mas essa interação é feita com intimidade, proximidade e simplicidade que encantam e envolvem de maneira sincera.

Histórias da Insônia

2011-11-02T14:23:00.000-07:00

Outro diretor desconhecido até então para mim é o cineasta independente Jonas Mekas. Lituano de 88 anos, vive em Nova Iorque há tempos e se destaca ali por seu cinema documental-experimental, nessa Mostra apresentou uma interessante premissa:

Registrar suas andanças noturnas, que demonstram sua busca por coisas bonitas antes de dormir...

Nesses registros conversas, festas, bares, restaurantes... Amigos e personalidades como Yoko Ohno, Björk, Louis Garrell, entre tantos outros...

Os diálogos super realistas são muitas vezes interessantes... Por suas temáticas, por sua simplicidade ou até por estarem desconexos.

Entretanto o filme para mim se excede em sua "despretensão" artística... O desejo documental que coloca os fragmentos acima de tudo, para mim resulta em uma pequena colcha de retalhos incômoda.

A câmera é excessivamente despreocupada com aquilo que registra: não há foco, não há enquadre, não há cortes, não há edição de som... Ao menos nada disso se vê... (Claro que em não haver já há uma existência e nisso grandes complexidades e paradoxos, mas...)

Para mim acabam resultando em um filme tão descuidado, que me dá mais vontade de ir ler um livro, assistir a alguma entrevista das personagens que participam ali ou simplesmente buscar minhas próprias considerações sobre os tantos assuntos abordados...

Vi comparações desse filme com realities shows, porém com pessoas e assuntos interessantes, mas para mim, sem interesse em realities e em busca de experiências cinematográficas, a forma desenquadra o conteúdo, literalmente...

Talvez valha uma nova tentativa, pois a primeira foi reprovável.

Hanezu

2011-11-02T13:51:00.000-07:00

Ainda não conhecia nada da cinematografia da jovem diretora japonesa Naomi Kawase (apesar de diversos títulos de curtas, documentários e ficções, que até já lhe renderam retrospectivas por aqui...).

Me deparei então com seu longa mais recente na Mostra (infelizmente com péssima cópia): Hanezu.

Filme intenso.

Intensidade parece a palavra mais adequada pelo paralelo que traz entre uma história de personagens contemporâneas e lendas envolvendo a natureza.

Também pelas expressões densas das personagens, pela temática dramática e complexa de triângulos amorosos, decisões de vida, gestação, crises profissionais, etc e tudo tratado com sutileza e delicadeza.

O mais encantador do filme são os silêncios e as lacunas, aquilo que o filme te leva a preencher em personagens muito interessantes e nada convencionais. Nada dito, mas cheio de sentimentos e reflexões.

Hanezu parece um filme extremamente poético e de grande profundidade. Me deixou curiosa para adentrar mais no instigante universo de Kawase...

Kaidan Horror Classics

2011-10-31T19:52:00.000-07:00

Esperando o imaginário de horror japonês que inspiram as adaptações americanas como O Chamado ou mesmo a EUA-brasileira Água Negra de Walter Salles, me surpreendi ao me deparar com lendas fantásticas.

Na primeira história de Kaidan Horror Classics, a premissa de um homem que recebe o braço de uma mulher emprestado já me interessou bastante.

Na segunda, as dores femininas reprimidas me tocaram (e ao mesmo tempo incomodaram por certo machismo).

Na terceira, com mais cara de lenda, sobre um homem com um nariz monstruoso, tinha o ritmo e direção que me levaram de fato a esse mundo longínquo.

Já o mestre Kore-eda, de Depois da Vida, que fecha a série, me pareceu mais intimista e real. Mesmo com personagens espíritos, ele fala da dor da morte, do luto e da despedida com uma delicadeza que envolvem.

Me pareceu uma bela iniciativa da NHK nessa série televisiva, como Luis Fernando de Carvalho na Globo ou outras raras experiências semelhantes mostram o poder da magia audiovisual possível em diferentes janelas, inclusive as mais restritas e comerciais...

Vale a pena a poesia desse "horror"...

Habemus Papam

2011-10-29T06:05:00.000-07:00

Coqueluche da 35a Mostra de São Paulo, tanto por ser unanimidade entre os críticos quanto pela dificuldade da chegada da cópia, Habemus Papam sem dúvida alguma é um bom filme.

Já de partida com sua premissa original e ótima direção (atores, decupagem, fotografia, som...), Nanni Moretti me instiga: como seria uma crise de um padre que é eleito papa?

Vemos esse novo papa petrificado diante de sua posse, começando uma psicanálise e com companheiros tentando auxilia-lo.

Os tabus envolvendo a vida casta e a abordagem terapêutica, a cobertura papa-razzi de celebridade, o mundo paralelo que se dá entre as quatro paredes do Vaticano, tudo parece anunciar uma comédia criativa, inteligente, interessante.

Mas Moretti não aprofunda a psicologia e acaba trabalhando mais com a superfície, as aparências, paralelos rasos.

(como partidas de volei entre os cardeais comandadas pelo técnico-terapeuta vivido pelo diretor-ator)...

Uma pena que o filme não mantenha a genialidade do seu primeiro terço e termine sendo apenas bom.

Principalmente porque Moretti fez o que para mim é um dos grandes filmes da década passada, O Quarto do Filho.

Aqui ele fala do delicado tema da morte, a partir do ponto de vista do pai (e também psicanalista e também vivido por Moretti).

Além da densidade e sensibilidade com que trabalha o tema, Moretti apresenta a história em uma estrutura inusual e profundamente envolvente:

Só há um turning point, uma reviravolta - a própria morte - todo o resto é a assimilação do conflito, o emaranhado das relações, o crescente tortuoso do luto e o sinal do adiante...

De qualquer maneira, em uma experiência ou em outra, Moretti vai se estabelecendo como um dos principais nomes do cinema italiano contemporâneo:

Com temáticas diversificadas, tons que variam do dramático ao cômico passando por momentos trágicos e farsescos, direção madura e roteiros e propostas de linguagem originais!

Que venha o próximo e amém!